Jeffrey Conley, «Une ode à la nature»

 

Musée de la photographie Charles Nègre, Nice

Jusqu’au 24 septembre 2023

On l’imagine à l’affût derrière l’objectif de la chambre noire, guettant la moindre variation qui soulignerait les contours invisibles de la petite planète bleue à moins que ce ne soit plutôt cette brume de lumière qui en assourdirait les palpitations. Au cœur de la nature, Jeffrey Conley ausculte le monde, dans sa perfection et ses blessures, et sa grandeur souveraine pour en suggérer la fragilité. Chacune de ses photographies résonne de ces palpitations par lesquelles, dans un noir et blanc velouté ou soyeux, un paysage se révèle. Mais ici rien d’anecdotique, tout tremble encore d’un souffle primordial ou des vapeurs à venir d’un feu éteint. Le photographe traque «le silence éternel de ces espaces infinis» et le révèle.

Perfection de l’image à l’issue d’un temps méditatif quand l’eau ou la terre se mesurent à l’ombre d’un arbre et que l’infiniment petit s’écrit comme un fragment d’éternité. Jeffrey Conley a enseigné dans le parc national de Yosemite et n’a cessé de capter ces vibrations qui dessinent la puissance d’une nature encore inexplorée dans la tradition et les mythes de la littérature et de la peinture américaine du XIXe siècle. On songe à la poésie des grands espaces, des forêts et des rivières, à Thoreau ou Jack London; on entend la clameur des grands paysagistes de l’Hudson River School comme quand, dans leurs tableaux, Thomas Cole ou Frederic Edwin Church célèbrent la beauté d’une nature sauvage qu’il faut à jamais préserver. Pour le photographe, tout se réalise au terme d’un long processus pour extraire l’image, par le temps de pause, par des procédés chimiques complexes semblables à l’expérimentation de matières picturales pour révéler le monde, Dans une démarche analogue à celle du graveur, Jeffrey Conley recueille le geste essentiel, la nervure du vivant, tout ce qui s’imprime aux confins de l’abstraction.

Au plus près des éléments, de subtiles nuances de blanc et de gris diffusent cet émerveillement face à des forces que le photographe parvient à traduire dans le mouvement des vagues à l’intérieur du ciel ou dans l’éclat lumineux d’une cascade au cœur d’un rocher. Les changements d’échelle bousculent notre perception et l’univers se transforme et se confie à nous autrement. Jeffrey Conley explore l’ossature invisible de l’univers au-delà de la seule perception rétinienne. La photographie est alors cet instant de méditation qui nous entraîne dans l’éblouissement poétique.

Thu-Van Tran, «Nous vivons dans l’éclat»

MAMAC, Nice

Jusqu’au 1^er octobre 2023

Conçu dans sa seule approche d’une matérialité et de sa forme, l’art peut se dépourvoir de cette dimension poétique qui irrigue le vivant. Toute l’œuvre de Thu-Van Tran, en de multiples techniques par lesquelles l’image se confronte au langage, résonne de cette force émotionnelle et d’un regard inédit sur le monde quand, tour à tour, l’artiste le perçoit visuellement et le désigne dans le temps contemplatif de la mémoire. Thu-Van Tran a 2 ans quand elle quitte le Vietnam pour la France. La mémoire repose alors sur cette double culture qui revient pour tisser par bribes une œuvre riche en développements quand, par de multiples techniques, elle parle du monde d’aujourd’hui dans ses menaces comme dans ses rêves. «Nous vivons dans l’éclat», tel est le titre de cette exposition qui se développe sous le signe juxtaposé de la lumière et de ses fragments, dans le souvenir du soleil ou des bombes. Et pour vivre, dit-elle en citant un poème de Jacques Roubaud, «Le mieux serait de changer de lumière de vivre dans l’œil de deux grains de sable qui s’écartent.»

Vivre donc et ensemencer ce parcours de fresques, dessins, sculptures et de mots comme autant d’éclats pour ce qui s’incarne en une allégorie du vivant avec ses drames mais aussi son enchantement. Une vie qui s’expose ici en trois chapitres avec d’abord l’aube et de somptueuses fresques abstraites ou résonnent pourtant les couleurs toxiques de l’agent orange dans une forêt ravagée. Mais aussi, la réminiscence du «bois qui pleure» quand l’hévéa est importé d’Amazonie vers le Vietnam pour être incisé pour la production du caoutchouc, «l’or blanc» du colonialisme. Et le geste de la main quand elle blesse ou s'ouvre comme pour une offrande. Nature dénaturée mais nature qui revient et se recompose dans cette beauté trouble que l’artiste ne cesse de raviver par des flaques de latex où s’impriment des feuillages, des déchets de palmes glorifiés par le bronze ou des ailes d’oiseaux pétrifiées dans des débris de roches en porcelaine de Sèvres. Ce voyage dans l’espace et le temps, dans la présence et l’oubli, se clôt sur le crépuscule, l’idée de mutation en particulier par la puissance du récit.

Comme dans les mythes anciens, cette histoire-là nous est racontée dans une dimension qui ramène l’humain au cosmos, à ses déflagrations, à l’hybris et aux caprices du destin. Pourtant elle nous dit aussi nos responsabilités sur les salissures du monde, la destruction écologique et la folie guerrière. Thu-Van Tran relate cette épopée sous forme d’un poème visuel avec ses éclats d’images qui sont pourtant, au-delà des drames, une incitation à l’émerveillement et une croyance absolue en la beauté.

Patrick Moya, «Le petit céramiste»

 

Maison de la Céramique Terra Rossa, Salernes

Jusqu’au 15 juillet 2023

Plonger dans le monde de Moya c’est toujours expérimenter une cure de jouvence, s’adonner au seul plaisir de l’évasion et de l’enchantement. Mais le merveilleux est parfois semé d’embûches à l’instar des forêts médiévales, des contes de fées ou des rêves. L’artiste est alors celui qui interprète cet univers où le réel se cogne à l’imaginaire pour s’ouvrir vers un dédale de figures qui nous ramènent aux vestiges de l’enfance avec son innocence mais aussi ses mensonges ou ses terreurs enfouies. Tel est cet univers avec ses anges ou ses démons, ses nounours et ses diablotins, ses personnages candides échappés de notre quotidien mais pourtant si proches comme s’ils nous murmuraient quelque vérité insaisissable. L’univers de Moya se dévoile toujours en même temps qu’il se dérobe. Il est multiple et se saisit de toutes les techniques pour en sonder monts et merveilles par le geste d’une naïveté feinte.

Si Moya est adepte du monde virtuel et de Second Life, il est pourtant peintre, sculpteur mais aussi céramiste, au plus près donc de la terre et de la matière qu’il faut pétrir pour lui donner forme et sens. Dans la superbe architecture de la Maison de la Céramique de Salernes, l’artiste présente un condensé d’objets créés sur plusieurs décennies en Italie, à Vallauris ou ici avec Alain Vagh. «La céramique est une alchimie entre le feu, la terre, les couleurs mais aussi les affabulations des artistes, leur naïveté et leur plaisir», déclare-t-il. Et en effet, sur un mode très différent d’une période à l’autre, Moya parvient à donner vie à ses créatures fantastiques, à ses moutons rêveurs ou ses oiseaux rieurs dans une nature stylisée aussi incertaine que le monde des apparences. Car dans ce rêve éveillé, on sent poindre une inquiétude comme si le petit bonhomme au nez menteur, dans le sérieux de ses lunettes et de sa raideur assurée - mais pourtant étranger sur la terre - ne témoignait pas d’une certaine solitude dans son interrogation au monde. Les multiples statuettes multicolores voisinent des assiettes, des vases ou des carreaux d’argile, toujours dessinés dans ce registre de la fantaisie et de l’humour comme pour témoigner de notre fragilité. Et Patrick Moya s’amuse à brouiller les pistes en se représentant lui-même sur ses toiles ou en jouant sur son propre nom. Alors pour dire la fabrication de la céramique, il expose aussi des peintures sur lesquelles son avatar se décrit en train de malaxer la terre ou de la peindre. Face aux céramiques, il crée ainsi un jeu de trompe-l’œil pour renforcer l’effet onirique si joyeusement orchestré. De surprise en surprise, le visiteur se laisse emporter par cette liberté folle de l’imaginaire.

Eric Poitevin, «Quelques images»

 

Le Narcissio, Nice

Jusqu’au 2 septembre 2023

Éloge de la fragilité

Associer l’image à un article indéfini comme le suggérerait le titre de l’exposition, traduit déjà la prudence d’une démarche et son incertitude dans l’appropriation du réel. Comme si, à celui-ci, le photographe opposait un effet de vérité fondé sur la réflexion plutôt que sur le réflexe traditionnel du capteur d’images qui voudrait en saisir un fragment pour le charger d’une narration tout en l’esthétisant. Ces «quelques images» d’Eric Poitevin présentent un panorama d’œuvres photographiques, sans hiérarchie aucune, sur une évolution de plusieurs décennies dans une grande variété d’approches et de thèmes. Car c’est bien d’un temps long qu’il s’agit, celui d’une pensée qui se construit sur la mémoire et l’histoire de la peinture à laquelle elle se confronte avec ses principaux genres, le nu, la nature morte ou le paysage.

Dans la lenteur du travail et du silence qui l’implique, voici des photographies minutieusement composées pour dévoiler ce que l’œil ne perçoit pas. Nature et artifice coïncident alors tout en se neutralisant. L’image d’une beauté perturbante se voit dépouiller de son sujet comme si l’artiste n’avait d’autre ambition de la réduire à un objet et à sa mise en scène. Quand il s’agit de corps, ceux-ci sont traités à l’égal de masses désincarnées dans des postures inédites qui leur interdisent toute interprétation psychologique, toute tentative de récit pour les livrer à la seule nudité de l’image.

Dans une approche quasi métaphysique, Eric Poitevin parle de cette solitude des êtres et des choses qui est aussi celle de leur représentation. A l’instar des grands peintres, il cherche la nervure invisible, la membrane secrète qui se dérobe à notre regard. La photographie tient alors parfois à un fil qui lui donne sa densité, à un espace ouvert et neutre pour placer son sujet dans un autre rapport au monde que celui que nous attendions. Parfois des traits de graminées écrivent cette existence qui nous était inconnue. Ailleurs des taches sur un torse boursoufflé diffusent leur étrange beauté par les vagues de chair qui s’insinuent dans un espace déserté. Toujours ce vide qui se heurte à l’objet auquel il se confronte. Qu’il photographie un animal, un trophée de chasse ou un sous-bois, ce sera toujours cette logique impitoyable d’une perte existentielle comme si une chose égalait toujours à une chose et toujours dans le même dénuement. Mais celui-ci rayonne dans son murmure: Pouvons-nous voir le monde tel qu’il est? Loin d’un seul regard photographique, Eric Poitevin extirpe par la frontalité de ses cadrages, la peau des choses.

«Chagall et moi», Volet II

 

Cinquantenaire du Musée national Chagall, Nice

Jusqu’au 4 septembre 2023

Quelque soit l’artiste, il importe de le comprendre aussi bien dans le temps de son parcours créatif que pour l’importance de son œuvre à travers un regard contemporain. Cinquante ans après son inauguration, le Musée Chagall se devait donc de retracer l’itinéraire de l’artiste tout en l’actualisant par le biais de la musique ou de la littérature. Pour s’inscrire dans les pas de Chagall, autant retracer les principales étapes d’une vie sous le signe de l’exil et de l’errance. Et pour ce faire, quoi de mieux que de se glisser dans ses images pétries de rêve et de réalité, de sa jeunesse russe jusqu’à son installation sur la Côte d’Azur!

C’est là que l’artiste coréenne, Keong-A Song s’empare du fil biographique de Chagall dans une série d’illustrations réalisées à l’encre de Chine et à l’aquarelle. Le dessin fourmille d’une multitude de détails tour à tour symboliques ou imprégnés de réel. Sur un mode naïf et émerveillé, l’artiste multiplie les figures fantastiques, les associe à des paysages, à des scènes quotidiennes, au chant d’un coq d’où s’éveillent les ailes d’un ange. Toute la poésie et l’envol lyrique de l’univers de Chagall sont ici retranscrits sous forme d’un voyage dans le temps avec ses percées dans l’imaginaire. En une douzaine de dessins, c’est toute l’œuvre de Chagall qui se nourrit alors d’un souffle nouveau.

Mais ce Musée fut pourtant jusqu’en 2008, celui du «Message biblique». Aussi Frédéric Boyer, écrivain et traducteur de la Bible, s’est-il associé au dessinateur Serge Bloch pour traduire les mots en images car, dit-il, «Les mots anciens sont comme des images perdues». Des suggestions de formes empruntées à l’imagerie de Chagall se greffent à des écritures et s’éveillent ou se déchirent entre ombre et lumière. Et tout cela résonne en écho avec les œuvres de Chagall quand celui-ci convoque anges et démons pour dire la réalité du monde. Et si la peinture n’y suffit pas, autant lui insuffler de la musique. «Wave creation» est cette création musicale d’Ilia Osokin qui semble s’exhaler du vitrail de «La création du monde» dans l’auditorium du Musée. Dans un entrecroisement de sonorités hybrides, les notes, par séries, se confondent ou se séparent dans de lents tourbillons qui nous absorbent dans leur élévation. Et comme apothéose d’une orchestration sensorielle, il revient au parfumeur Jean-Claude Ellena d’associer certains tableaux du Cantique des cantiques à des essences de roses. Formes et couleurs s’évaporent dans un nuage de parfum et Chagall demeure encore le chantre du bonheur et de l’envol.

Fondation Hartung & Bergman, Antibes.

«Entre rêves et science»

Fondation Hartung Bergman, Antibes

Jusqu’au 25 septembre 2023

                                                               Anna-Eva Bergman

«Entre rêves et science», c’est cet instant où, au seuil du réel et du sensible, le geste de l’artiste rencontre l’imaginaire, se confronte à la matière et à l’infini dans la quête d’une totale abstraction. Cette passionnante aventure qui fut celle de Hans Hartung et de Eva-Anna Bergman nous est maintenant racontée dans la Fondation éponyme à Antibes.

Hans Hartung vient d’Allemagne. A 22 ans il s’installe à Paris et, plus tard, il combattra durant la guerre contre son pays et il y perdra une jambe. En 1929, il rencontre Bergman qui arrive de Norvège; ils se marient, s’installent à Minorque et tous deux se laissent absorber par la lumière méditerranéenne et la force tellurique qui pénètrent leur peinture. Mais neuf ans plus tard, ils divorcent. Pourtant quinze ans après, ils se retrouvent et se remarient. Ils vont alors édifier ces bâtiments qui deviendront la Fondation Hartung Bergman.

A flanc de colline, entre pentes d’oliviers et lumière crue, se déploie la blancheur géométrique de la villa et des ateliers du couple. A elle seule l’architecture cristallise cette fascination pour un espace lié au ciel, à la pureté des angles et au trouble de la couleur. Elle répond pour Hans Hartung à cette aspiration pour l’illimité tout en s’inscrivant dans une proximité avec les mathématiques ou l’astronomie. Comme Pascal, il se passionne pour «le silence éternel de ces espaces infinis», mais il peint ceux-ci avec fougue, en révèle aussi bien les lignes d’horizon que les profondeurs vertigineuses. Parfois la toile vibre d’une couleur quasi monochrome, parfois elle s’anime d’une explosion chromatique et d’un jet d’étoiles dans un ciel déchiré. Conservé à l’identique dans la Fondation, l’atelier du peintre témoigne de cette puissance créatrice par la confection d’outils incongrus et de dispositifs inédits pour une œuvre hallucinée dans sa volonté de saisir astres et trous noirs à travers des explosions graphiques tandis que l’artiste célèbre «le silence éternel» tout en s’assourdissant de la musique de Bach.

Cet espace cosmique fut aussi l’obsession d’Anna-Eva Bergman. Elle partage avec son mari cette fascination pour l’inconnu mais dans un cheminement plus méditatif aux confins de l’alchimie et d’une exigence spirituelle. Plus littéraire et venant de l’illustration, elle s’adonne davantage à des recherches sur le nombre d’or et aux courbes ou aux lignes épurées. Si l’horizon apparaît, c’est par la grâce d’un trait qui traverse la toile pour en dégager les plans de vide et de plein. La quête d’une harmonie fondatrice s’imprime sur une feuille d’or ou d’argent que l’artiste travaille dans ses aplats et dans la douceur de ses plis ou de ses aspérités. Avec Hans Hartung elle partage cette même attirance pour les profondeurs de l’espace mais de façon plus mesurée et intellectuelle en s’intéressant aux cosmogonies et aux grands mythes universels. Avec comme pour Hartung, la même  admiration pour Fra Angelico dont elle percevait, disait-elle, «une piété cosmique».

                                                             L'atelier de Hans Hartung

David Hockney, « Collection de la Tate »

 

Musée Granet, Aix-en -Provence

Jusqu’au 28 mai 2023

Comment interpréter le monde? Comme pour un ensemble symphonique, il conviendrait d’en détacher chaque instrument et chaque phrase mélodique pour en éprouver, par leur singularité, la complexité de l’univers dans son orchestration. Dans un espace pictural toujours renouvelé, David Hockney, du haut de ses 85 ans, ne cesse d’arranger et de déplacer lignes, couleurs et fragments, par un geste jubilatoire et malicieux, pour percer les mystères de la représentation.

Rendre compte du monde par la peinture, c’est le prendre à rebours et lui faire rendre gorge à travers un miroir brisé dont chaque éclat renvoie sa part de vérité pour prêter une visibilité à ce qu’il y a d’inconnu dans le plus trivial du quotidien. Par assemblages, morceaux de vie ou d’imagerie populaire, réminiscences de peintures anciennes, David Hockney se glisse dans les perspectives de Fra Angelico et les espaces morcelés de Cézanne ou Picasso, dans la couleur de Van Gogh ou de Matisse.

Dans l’exposition de la Collection de la Tate, ce ne sont pas moins de 103 œuvres – peintures, dessins, gravures et depuis 2010, créations numériques, qui relatent une exploration amoureuse de l’image. Corps et nature s’entremêlent dans une même ode émerveillée à la vie, à ses plaisirs et à ses inquiétudes. Après les années 50, à contre courant d’une peinture abstraite dominante, il quitte Londres pour Los Angeles et c’est alors la découverte d’un espace ouvert, d’une lumière crue et d’un ciel qui se confond à l’eau de ces piscines qui le rendront célèbre. Dans un style pop, naïf et coloré, David Hockney traduit un univers réduit à sa banalité heureuse tout en s’insérant dans la tradition de l’histoire de l’art, notamment à travers le thème du bain.

Mais l’histoire se déroule aussi au gré des technologies. A la tradition de l’huile, David Hockney à substitué celle de l’acrylique, et à la gestualité du peintre, il a opposé la confrontation avec l’écran et la traduction de l’image numérique. Désormais installé en Normandie, il multiplie ses envolées colorées dans une explosion chromatique qui se heurte à la fixité de la photographie qu’il retravaille sur l’Ipod. En résulte une nature dénaturée dont l’excès et la simplification rendent à la réalité ce surplus d’émerveillement pour un hommage inédit. David Hockney traverse le temps avec des yeux d’enfant qui ne cesse de grandir. Peindre des visages ou des paysages, c’est toujours dévisager, et savourer dans des teintes acidulées comme des bonbons, les délices de la vie.

Lee Ufan Arles

 

En contrepoint de la fière Fondation Luma qui domine la ville d’Arles, le Centre de Lee Ufan se déploie humblement dans l’Hôtel Vernon que l’architecte Tadao Ando a réaménagé dans une parfaite osmose avec l’œuvre de l’artiste. Né en Corée en 1936, Lee Ufan vit essentiellement au Japon et en France. Tout à la fois théoricien de l’art, philosophe, poète, sculpteur et peintre, voici un homme qui se fond dans l’espace et le traverse en recueillant ces bribes de signes par lesquels les fragments de l’univers répondent à la pensée humaine dans un silence méditatif. Toute l’œuvre de l’artiste, à mi-chemin entre le minimalisme et le concept, répond à cet absolu d’harmonie et d’équilibre pour éprouver la pure présence des êtres et des choses dans l’espace. Plus que jamais l’art est ici source de contemplation et, le positionnement des matières, le dialogue qui d’une pierre à l’autre étincelle dans la pénombre d’une salle, incitent à l’inspiration, au recueillement et à la spiritualité.

Se recueillir c’est aussi cueillir des brins de lumière et les faire éclore dans l’ombre. Ajuster la rondeur inégale et les aspérités brutes d’une roche avec un chemin de graviers. Écouter la qualité du silence quand une plaque d’inox ou d’acier se dresse contre une encoignure ou, au contraire, se terre dans un creux. Et partout la résonance de la Terre dans l’infini et le murmure des pierres à travers le temps. Comme le tintement d’un gong, sur un mode zen, l’univers s’éveille alors et se recompose par le geste mesuré de l’artiste.

Le rez-de-chaussée est cet itinéraire à l’intérieur des entrailles minérales d’un univers dans lequel la densité est absorbée par la sérénité d’une vasque d’eau. La couleur n’est plus que tentative de lumière; les formes sont celles d’une érosion lente quand le geste de l’artiste les caresse plus qu’il ne les transforme. Conjuguer le naturel avec l’artifice dans l’idéal d’un souffle quand rien ne vacille dans la perfection de l’ordre des choses, voici la fonction de l’artiste quand il est celui qui révèle ce que nous peinions à formuler.

Aux étages, plusieurs séries de peintures sur grands formats ponctuent l’espace et l’empreinte de la brosse se dépose comme un pollen lumineux quand elle affleure la toile. Stries et lignes épurées s’animent et se chevauchent alors comme pour imprimer le flux et reflux du temps.

Lee Ufan écrit: «Dans le lointain, le vent s’endort / Des centaines de milliers d’années s’écoulent / Sans que je m’en aperçoive, je deviens pierre».

IMMORTELLE Vitalité de la jeune peinture figurative française

 

MOCO Montpellier, jusqu’au 4 juin 2023

MOCO Panacée, Montpellier, jusqu’au 7 mai 2023

                                                           Claire Tabouret, "Autoportrait en vampire"

«Immortelle est une exposition de combat». Cette déclaration liminaire préfigure une exposition coup de poing qui brise le consensus qui s’était établi autour de l’art contemporain. Et dans le catalogue on lira aussi : «Oui, ces artistes ont dû mener leur barque à contre-courant, découragés par les écoles d’art, méprisés par les institutions, moqués par la majorité des critiques influents». Renouant avec les querelles qui ont agité l’histoire de l’art, cette exposition est donc déjà, au-delà de toute appréciation, un événement.

Pour la comprendre, il faut revenir à l’histoire du MOCO et de son ancien directeur Nicolas Bourriaud, théoricien de l’esthétique relationnelle et de l’errance extra culturelle à l’âge de l’anthropocène. Figure majeure de l’art contemporain et des institutions, il fut éjecté et remplacé par Numa Hambursin, lequel préconisait une approche plus ouverte, à l’égal des autres grandes nations artistiques qui n’ont cessé de célébrer l’histoire de la peinture. Une histoire immortelle qui remonte des grottes préhistoriques jusqu'à aujourd'hui pour énoncer la voix de l’humanité entre mystère et certitude et qui continue à exister au-delà du concept, de l’éphémère, des installations et des performances.

Voici donc un «salon des refusés», une machine de guerre pour rendre justice à ces peintres souvent adulés par les collectionneurs mais dépréciés par nombre de fonctionnaires de l’art. Ce ne sont pas moins de 122 artistes qui sont ici présentés, pour les plus jeunes à la Panacée et les autres au MOCO. L’effet de choc est garanti par l’aspect massif, la violence colorée et la diversité des propositions. On s’émerveillera de l’œuvre de Milène Sanchez, on s’étonnera du kitch de certains, on sera frappé par la matière de Ronan Barrot et la force de Stéphane Pencreac’h.

 Il y a là une forme de sauvagerie salvatrice qui déchire les modes et les discours pour un face à face tour à tour douloureux et jubilatoire avec l’histoire de l’art. La peinture s’énonce ici en désordre, dans une débauche de récits et de styles pour parler du présent comme du passé, pour dire le corps, penser l’indicible, formuler le désir ou la terreur. La force de l’image quand elle est saisie dans sa matière brute, au-delà de toute théorie, s’impose et il revient alors à chacun, par son histoire personnelle, de se mesurer à elle, de s’y retrouver ou de s’y perdre. Aussi le critère de qualité reposera-t-il ici autant sur des éléments subjectifs que sur une connaissance de l’art. Et c’est peut-être là, le véritable intérêt de cette exposition discutable et discutée: Penser l’esthétique, interroger la fonction de l’art et sa présence au monde. Et surtout explorer cet écart qui, dans l'image, vibre entre l'intelligence et le sensible. 

«Le balai mécanique», Pierrick Sorin

 

Musée National Fernand Léger, Biot

Jusqu’au 15 décembre 2023

Lorsque Fernand Léger découvre le cinéma et Charlie Chaplin en 1916, c’est pour lui la révélation d’un nouvel art populaire associé à la machine et au monde moderne. Cette invention donnera lieu à un film expérimental «Le ballet mécanique» qu’il réalisera en 1923. A l’intersection du cubisme et du dadaïsme, à travers un montage rapide et saccadé, le peintre assemble alors objets du quotidien et formes géométriques sur un rythme répétitif où se mêlent images et musique.

Un siècle plus tard, Pierrick Sorin reprend le dispositif de Léger, mais sur un mode burlesque, à travers une scénographie complexe où le merveilleux, la vidéo, les hologrammes et les théâtres optiques se conjuguent dans une symphonie de dérisoire et d’auto-dérision. «Le balai mécanique» - l’objet du délit - dépoussière l’œuvre de Léger pour peu que celle-ci eût quelques rides et nous entraîne dans une Danse de Saint Guy avec ses gestes désordonnés et son rythme endiablé.

L’humour est ravageur et le visiteur est happé par cette machinerie complexe faite de bric et de broc dans un déluge de lumière et de nuit, de chic et de choc. Pierrick Sorin est-il magicien, bricoleur, farceur ou artiste? Sans conteste, il est tout cela et il orchestre par un comique de répétition ravageur son festival optique d’objets incongrus et de fulgurances parmi lesquels l’artiste interprète, comme un pantin désarticulé, son propre rôle. Auteur et acteur, étranger au monde et aux choses, mais rêveur éveillé et créateur de merveilles, il nous entraîne sur les chemins de la poésie.

L’ombre de Jarry, Mélies ou Tati plane dans ce théâtre de l’absurde qui introduit une nouvelle dimension dans l’œuvre de Léger. Si le peintre est célèbre pour sa décomposition des plans et le cerne de ses dessins avec ses aplats de couleurs, il reste néanmoins un inventeur de formes nouvelles tout en s’attachant à demeurer proche du peuple. Avec son inventivité et ses gags, cette exposition infuse cet humour secret que l’œuvre du peintre recèle parfois. Le face à face de Léger et de Sorin est grandiose dans cet échange d’ironie et d’humilité. Ici l’art est à la portée de tous sans jamais s’abandonner à la facilité. On regarde autrement. On admire, on s’étonne et on rit. Pari gagné.