Isa Barbier, "Linéaments"

Galerie Helenbeck, Nice, jusqu'au 31 mai 2019

L'on se souvient des natures mortes comme des amoncellements de légumes ou de de fruits et pour leur charge symbolique. Encore faudrait-il les désigner dans la seule appellation de leur origine flamande, des « vies silencieuses ». Et c'est bien dans la résonance de ce contexte qu'éclot l’œuvre d'Isa Barbier. Non par accumulation, mais au contraire par un retour aux sources du monde végétal, à l'air qui le porte ou bien au tremblement des plumes, à la blancheur immaculée, au souffle à peine perceptible de la vie quant tout ceci se pare de l'informel du silence.
  Car peut-on  suggérer une forme pour le silence? Et qu'en adviendrait-il de celui qui s’engouffrerait dans les brèches de cette création? Car au-delà d'une relation au Land Art, Isa Barbier énonce les éléments minimaux de l'élaboration d'une œuvre et, en creux, toutes les perturbations qui la menacent. L'aventure est désormais dans cette expérience intérieure quand elle s'accorde à tous les atomes de la nature.

Avec recueillement, l'artiste en recueille les fragments les plus humbles. Feuilles délicatement peintes, tiges aux courbes modulées ou agglomérats d'aiguilles de pins enduites de couleurs se dispersent dans l’espace, non pour révéler un geste ou extraire l'essence des choses mais plutôt pour détourner ces éléments de leur origine biologique afin de les confronter aux conséquences de l'art.

Cette intimité qui se crée entre cette nature balbutiée et l’œuvre construite se tisse avec une délicatesse extrême : l'air invisible, par la légèreté de son souffle, pénètre la béance des feuilles de calques superposées sur lesquelles Isa Barbier dessine des herbes comme des jets colorés. Ailleurs, des figures géométriques s'emparent de l'espace, se gorgent de sa lumière. Et pourtant tout n'est ici qu'un assemblage, une grammaire poétique des signes de la nature. Aux confins du visible, des plumes en suspension déploient leur neige, attachées à des fils de la vierge. Murmures et vibrations, légèreté du monde que l'artiste accompagne avec douceur. Tout se love dans cette ondulation de la matière, cette respiration des choses quand l'artiste en sélectionne les parcelles les plus fines pour les essaimer sur une partition dont nous percevrions les notes aussi ténues qu'une tombée de flocons. Il faut alors s'ouvrir au ravissement, s'abandonner humblement à ce presque rien dans lequel étincellent les nervures du vivant. Il ne s'agit plus alors, de voir, d'entendre ni même de nous confier à l'intégralité de nos sens mais plutôt de se livrer à une sereine contemplation. Ces simples linéaments, fil à fil, tissent comme l’architecture aérienne d'un nid et l'artiste parvient alors à  donner forme au silence.

Frédérique Lucien, "Corps et décors"

Musée Matisse, Nice,  jusqu'au 2 juin 2019

Loin des lignes angulaires et des strates colorées de Cézanne, loin de la matière vivante de Van Gogh pour une même quête de cette essence du monde que la peinture révélerait, Matisse, plus humblement, et on le sait, à l'origine sans une appétence particulière pour l'art, initia un chemin solitaire que bien d’autres artistes arpentèrent dans son sillage. Frédérique Lucien déroule dans le Musée Matisse de Nice, les fils de sa filiation au Maître et de ceux qu'il a influencés, Hantaï, Shirley Jaffe, les artistes de Support-Surface et bien d'autres. Il lui faut la même humilité pour marcher sur les traces du peintre, à la fois dans l'évidence de son apport et en faisant ici éclore les graines qu'il avait semées.

« Corps et décor » fait ainsi surgir la dimension corporelle qui, apparemment, pour le peintre se réduisait à un motif et à une organisation circulaire pour rythmer maintes compositions d'une œuvre lumineuse. Frédérique Lucien se saisit alors des éléments du décor matissien, arabesques et végétaux, pour les énoncer dans leur relation à ce corps décoratif qu'elle interprète dans les détours du dessin, de la porcelaine émaillée et autres matières. Mais cette artiste, dans une cinquantaine de pièces, retrace aussi les stations de l'histoire d'une œuvre qui se donne en fragments, en découpes et en vastes volumes colorés. Non pas pour compléter le travail de Matisse mais plutôt pour en extraire ce que le peintre, dans son rapport au décor, à la lumière et à la monumentalité, rendait invisible.

Il ne s'agit plus tant d'un dialogue avec l’artiste que de l'occasion de lui insuffler une suite, mais dans le sens d'une suite musicale. Car découpes et arrachements du papier ou aplats de couleurs dont les formes résonnent dans le vide du blanc ou se dispersent sur les murs du musée, s'accordent dans le rythme d'une fugue qui nous entraîne, certes dans les pas de Matisse, mais surtout dans le désir qu'il implique : L'idéal d'une perfection dans un accord sincère avec le monde. Comme si corps et décors se tissaient, s’égrainaient ou se dispersaient comme les instants d'une danse, celle de cette union au monde si chère à l'artiste. La peinture devient alors cet écrin du corps dont l'écho nous parvient dans la restitution de la puissance harmonieuse de Matisse. Elle s'accorde au minéral et au végétal, elle traduit les frémissements de la nature. Elle est un accomplissement.

Marc Lapolla et Florence Borga, "Défloraison"

Cette illusion de vouloir dire la fleur, la représenter, quand elle s'obstinera à se confiner dans ce point aveugle à tout langage. Au point d'ailleurs qu'on parlera de fleurs de rhétorique pour traduire tous les artifices d'un discours quand il se développe autour d'un centre qu'on pressent indicible.

La fleur est cette chair végétale dans laquelle circulent les méandres de nos désirs et de nos émois. Poètes et peintres n'ont cessé, cette fleur, de l'ériger comme figure emblématique de la vie. Ronsard pour dire le temps qui passe. Baudelaire pour les fleurs du mal ou, ailleurs, dans les peintures de vanités, ces fleurs qui se fanent comme pressentiment de la mort. Car toutes traduisent ce trouble de l'interstice où le désir se conjugue aux larmes quand les fleurs sont des pleurs de joie ou de douleur, de la naissance à la mort.

Serrer la fleur au plus près, en extraire les sucs et les sens, tel est le défi photographique de marc Lapolla et de Florence Borja. Pétales fripés ou corolles glorieuses parlent alors de cet instant où la vie jaillit dans toute son intensité au delà du plaisir et des blessures. La photographie capte ce tremblement où le végétal se confond aux convulsions organiques du corps et du cœur. Sensuelle et cosmique, l'image de la fleur, saisie dans ses entrailles, n'est que palpitation, attente d'un jaillissement muet. Nacre, velours ou soie, aucun mot jamais ne saura s'en saisir. Aucune représentation non plus puisqu'elle n'est que métaphore ou métamorphose. Elle n'est vouée qu'au silence et aux convulsions amoureuses. Fleur et pleur tout à la fois, elle rayonne dans l'effusion des sens qu'elle condense dans une origine du monde toujours recommencée.

Ces images définissent la beauté dans cette longue filiation picturale où l'on y croise les gammes sensuelles de Georgia O'Keeffe par l'extase de la couleur et la transgression des formes. Il s'y déploie, au-delà de leur fixité incertaine , ce fantasme de la femme-fleur, cette union des corps avec l'éternité de la nature. Elles énoncent au plus intime, jusqu'au vertige, ce qu'on ne dit qu'avec des fleurs. La photographie s'exerce alors comme une mise à jour, une défloraison, une apothéose.

Conciergerie Gounod, Nice, du 20 au 27 mars 2019

Pauline Brun - Rémi Groussin, "Shooter"

La Station, Nice, jusqu'au20 avril 2019

Scène d'interaction de deux artistes, « Shooter » est le produit de leur résidence durant quatre mois à La Station. Chacun d'eux se mesure à un même espace pour l'investir de sa propre pratique et le transformer en résonance à la proposition de l'autre. Rémi Groussin déjoue les conventions du spectacle en prélevant dans notre quotidien des signes dépourvus de leur fonction initiale. Les objets sont ainsi réduits aux seuls indicateurs de ce qu'ils furent et traduisent ainsi leur perte de sens. L'artiste, revenant aux geste de l'artisan, dépouille ici les codes marchands de l'enseigne lumineuse pour en restituer la matérialité. Se limitant à la forme minimale d'une paire de lunettes, deux cercles et une barre, il pratique cette autopsie pour mettre en relation le pictogramme publicitaire dans son projet et ce qu'il en advient quand on en exhibe ses éléments constitutifs. Ce sont alors les notions d'atelier et d'espace d'exposition qui prennent sens par la distorsion qu'elles induisent vis à vis de leur contexte d'origine. Le logo s’essouffle alors au rythme des dysfonctionnements. Fils et accroches désignent misérablement leur arrachement à la vie et la lumière des néons ne témoigne plus que des symptômes de leur extinction.

Pourtant cette mise en scène des ruines d'un hors champ est conduite de manière burlesque et c'est aussi sur ce registre de la déconstruction et de l'ironie qu'intervient Pauline Brun. Celle-ci intègre dans un même espace clos l'artifice d'un atelier aux vitres sans tain, avec la simulation d'une porte, et quelques autres éléments - faux bras, têtes outrancièrement transformées - qui deviendront les accessoires de ses performances. L'artiste souligne aussi un effet de découplement en mettant en relation la performance actuelle et celles qui les ont précédées par une projection sur un écran occupant tout le fond de l'atelier. De la même façon, les traces de l'événement resteront ultérieurement sur le lieu et s'intégreront au processus. Cette distorsion accentue le grotesque des situations quand, entièrement revêtue d'une combinaison blanche et jouant de prothèses grotesques, Pauline Brun se livre à des contorsions qui figurent la déshumanisation du corps réduit à une forme mouvante et improbable quand il se fond dans l'espace. Ce personnage c'est « Scruffy » donc « miteux », « débraillé », comme métaphore de cette vie sortie des rails. Son ridicule ou sa solitude sont mis en musique par un « gnagnagna » lancinant comme une mélopée folle et triste pour un cérémonial déroutant où, chacun pourtant pourra peut-être se retrouver ou se découvrir. Ou rire ou pleurer.

La Station à Nice est une association active depuis 1996. Elle offre un soutien aux formes expérimentales de l'art actuel. Installée depuis 2009 sur le site des anciens abattoirs aujourd'hui dévolus à la création culturelle, le 109, La Station a présenté 42 expositions intra-muros et 24 expositions extra-muros. Elle accueille 2 résidences temporaires chaque année.

Frédéric Fenoll, "Fils de l'univers"

                         

                             Le dessin s'énonce au singulier comme si, en lui-même, tous les fils d'un univers s’enchevêtraient dans des lignes, des courbes, des zones claires ou sombres et que ce dessin ne serait voué à d'autre destin que de figurer ce seul récit avec ces fils qui se tissent ou s’étiolent. Il établit son autorité sur des millénaires dont il renvoie l'écho dans l'apparence d'une universalité. Mais c'est alors faire l'impasse sur les fractures, les zones blanches ou grises, ou le chaos... Car si la peinture dut pour sa part se confronter à des mutations chimiques ou techniques, le dessin traverse les siècles dans l'ascèse de ses moyens et se suffit de son évidence. Cette humilité s’arrime à ce privilège qui lui permet de faire résonner ce trouble ancré à la source de l'art dont il exprimerait les bruissements, les tâtonnements, les méandres primitifs, les terreurs, les échappées magiques ou les rets qui s'emparent d'un récit quand, tel un premier souffle, celui-ci s'empare de failles et jaillit.

                             Pourtant les dessins de Frédéric Fenoll s'énoncent au pluriel quand chacun d'eux, sur une même feuille, s’emboîte à un autre comme dans un jeu de poupées russes où chaque figure relate un instant de l'histoire de l'art, quand cette vertigineuse remontée dans le temps est aussi le tremplin d'un saut dans le vide. Ou bien d'un envol vers ce feu d'un soleil où Icare se brûle les ailes...

                                 L'espace du dessin devient alors ce lieu d'une dramaturgie où le temps du dessin, la linéarité d'un récit et les figures invoquées se toisent, se croisent et se heurtent. Un thème médiéval rejoint le pop art, les orbes floraux de l' Art Nouveau se conjuguent aux fanzines et cette histoire occidentale se trouve absorbée par un espace japonais ou bien un paysage chinois qui s'empare de la mythologie égyptienne. L'artiste saisit cet afflux dans une nasse avec ses réseaux inextricables. Enfer et paradis se confondent. L'espace se dilate, se contracte ou se recompose dans des regards hallucinés, des constructions psychédéliques. Tout n'est plus qu'explosion et gestation, les ventres se chargent d'étoiles, les animaux les guettent dans leur silence sidéral, le ciel est un rideau de décombres géométriques, filaments de bave, yeux, spirales, bouches, signes, torsions...

                                Dans la lignée des grands visionnaires, l'artiste s'affronte à ce réel emmuré qu'il défie par une vision eschatologique ou son envers, le mythe d'un paradis perdu. On y croise William Blake, Félicien Rops ou Louis Soutter. On y devine le souffle de Dante. Et pourtant quelque chose de novateur s'impose ici: Le regard de Frédéric Fenoll n'est pas tant en prise avec lui-même qu' avec les images que l'histoire de l'art restitue. Ce sont celles-ci qui deviennent la véritable trame du dessin. Elles en sont la genèse et elles portent l'intuition de formes nouvelles dont elles nous racontent la gestation.

                                  Ce ce chaos qui soutient le dessin, la perfection du geste, la patience des traits, la précision des volumes désignent pourtant, paradoxalement, cet envers d'une renaissance à la fois placide et tourmentée, liée à cette obstination maniaque à se mesurer au monde. L'art est ce combat. Bruit et fureur. Mais aussi silence et recueillement. Tout alors se télescope pour un noir fécond dans lequel lignes et figurent fouillent et élucident l'idée même du dessin, se mesurent à lui et trouvent la lumière.

Galerie Depardieu, Nice, du 7 au 30 mars 2019