Fabien Giraud § Raphaël Siboni, INFANTIA (1894-7231)

Institut d'Art Contemporain, Villeurbanne

Jusqu'au 3 mai 2020

Déconcertante par son caractère hypnotique et sa complexité, l’œuvre de Fabien Giraud et Raphaël Siboni ne peut laisser indifférent. Tout ici est déchirure et déchirement, fiction et réalité, vie et mort. Mais au-delà de l'errance à laquelle elle nous soumet, cette œuvre est un récit ou, plus précisément, une juxtaposition de séquences morcelées où s'agrippent des voix lointaines et obsessionnelles, des films lents ou saccadés qui diffusent de la mémoire ou les vestiges d'un temps lointain comme l'écho de notre futur.

L'IAC de Villeurbanne se transforme pour l'occasion en labyrinthe austère dont les salles ne permettent plus aucune circulation linéaire. Au contraire, elles communiquent même par des trouées latérales qui permettent au regard de s'exercer sur des salles annexes. Des tubulures parfois en mouvements et des incisions murales supposées correspondre à l'axe de la terre, créent un réseau inextricable d'un lieu à l'autre, un espace déconcertant qui happe le visiteur.

Le décor est posé, tout est lenteur, palpitation impalpable d'une vie qui germe et s'éteint dans un même geste. Le sol est jonché de déchets, borné par des traces de moisissure, de sel et de sculptures d'objets érodées tandis que du plafond, des sceaux ou d'autres dispositifs arrimés par des cordages, deviennent des sabliers desquelles des gouttes d'eau s'écoulent comme des poussières de temps. Et surtout, des corps vivants et bien réels dans leur absolu immobilité, ponctuent l'espace, allongés dans des positions de misère au milieu des détritus.

Tout ceci ne pourrait être qu'une mise en scène ambiguë si l'enjeu ne résidait pas dans la structuration d'un récit avec toutes ses composantes - films, performances, installations avec des caméras et des ébauches de sculptures - pour un voyage au-delà de toute frontière mentale. De forme étoilée, cette fiction se défriche douloureusement et nous confronte à la banalité de nos schémas narratifs. Réel et imaginaire se croisent dans un scénario ou des mortels se rejoignent pour créer en 1894 un phalanstère communiste. Et toute l'expérience de l'exposition se réalise sur l'idée du capital, de la valeur et de l'échange. Tout sera ici signifié par ces indices d'un stricte signifiant économique quand l'échange se réduisait au sel, aux plumes et aux objets les plus pauvres avant toute autre monnaie. Le sel est au cœur de cette œuvre quand il sert à la composition de masques blancs, tel des résidus d'échanges mais aussi un rappel de la conservation des corps. Vie et mort, naissance et disparition, traversent la narration. « Infantia » c'est ce premier balbutiement du monde mais aussi son dernier râle. Les vagues du temps se déplient et se déploient dans l'espace qui alors s'étoile et se fêle. Échange et valeur règnent ici dans leur grande solitude. La fiction nous transporte jusqu'en 7231 où des immortels vivraient sur une nouvelle terre qu'ils auraient construite sur les ruines de l'ancienne.

Utopie et uchronie se croisent dans des mouvements ondulatoires quand la réalité est toujours proche, obsédante dans le miroir implacable de la fiction. Fabien Giraud et Raphaël Sidoni parviennent ainsi à agréger des bribes d'histoire réelle, une interview de Nixon en 1971 et des méditations délirantes qui nous projettent dans l'univers d'un Escape Game inquiet. L'expérience est réussie : cette histoire nous hante et, tout en déambulant dans l'exposition, le visiteur cherche la clé d'une énigme dont lui seul aura peut-être la réponse.

Sol Calero - Villa Arson, Nice

Du 14 févier au 3 mai 2020

« Ils ont insisté pour couvrir les fissures, mais les murs transpiraient toujours. »

De cette phrase liminaire à son exposition, Sol Calero, artiste vénézuélienne en 1982 et résidant désormais à Berlin, nous parle de plaie et de mémoire comme pour nous convier à recevoir l’œuvre au-delà de ce qu'elle montre, à percevoir les trouées dans un espace d'apparence si lisse, si confortable dans le quotidien qu'elle suggère.

Elle installe un paysage tropical dans la Villa Arson, dans son architecture brutaliste, et des peintures végétales dans leur enchevêtrement de couleurs rutilantes qui se mêlent à des murs repeints à vif, avec ci et là des balafres d'un jaune ou d'un bleu intense à la fois en harmonie et en  désaccord avec elles. Dans cet espace, tout est paradisiaque. Et comme chez le Douanier Rousseau, tout est intemporel mais la naïveté apparente n'est-elle pas feinte ? Et comme pour les oiseaux qui venaient picorer les raisins de Zeuxis tellement ils étaient parfaitement peints, l'artiste n'est-il pas lui-même abusé par ses propres représentations du monde ?

De paradis il n'y en aurait que d'artificiel et chacun recèle son serpent. Cette idéalisation, que l'on se construit et qui perdure dans l'art,  traverse l’œuvre de Sol Calero. Celle-ci en explore physiquement les failles à l'intérieur de l'espace qu'elle crée pour son travail. De sa mémoire, elle extrait des bribes de beauté, des feuillages et des fleurs mais aussi des éléments de mobilier, des céramiques, des livres, des fragments de mythologie sud américaine. Pourtant il y a cette réalité du lieu présent, du paysage qui revient par les baies vitrées. Et aussi les parois de la Villa récemment meurtries par de récentes intempéries dont l'artiste accentue les crevasses, y insérant des branchages, accumulant des décombres comme pour un passage du dehors au dedans mais aussi du passé au présent. L’œuvre est poreuse, incertaine, au-delà de ce qu'elle figure. « Oublieuse mémoire » écrivait Jules Supervielle à laquelle Sol Calero répond par la trompeuse mémoire -  celle qui revient par fragments, illusion sensorielle, et se cogne au réel.

L'identité se construirait-elle sur un héritage personnel, culturel, collectif et post colonial ou bien les reliques de celui-ci seraient-elles aussi saisies par les détours de l'idéalisation ? L'identité c'est encore une construction à partir d'un leurre et l’œuvre est cette quête du réel par le détour de l'idéal. C'est beau avec un reste de mélancolie. N'y aurait-il que des paradis perdus?

« Variations », Les décors lumineux d'Eugène Frey. Présentés par Jao Maria Gusmao

NMNM, Villa Paloma, Monaco

Du 7 au 20 mai 2020

En ouvrant le monde de l'image et de l'imaginaire vers d'autres perspectives que les modèles de la sculpture ou de la peinture, l'art contemporain s'est emparé de l'histoire qui les avait établis sur ce seul piédestal. Sans renier les éclairs de sens ou de beauté qui fusent ici et là dans des pratiques anciennes lorsqu'elles s'actualisent au monde d'aujourd'hui, beaucoup d'artistes se saisissent désormais des techniques ou des expérimentations qui furent celles des maîtres du passé pour les adapter aux contraintes et aux apports des nouvelles technologies.

Eugène Frey, peintre méconnu né en 1864, fut l' inventeur des « décors lumineux à transformations » qui, essentiellement à Monaco, révolutionnèrent le spectacle. Comme avant lui, Vinci ou la « camera oscura » avaient déjà ouvert la voie à des champs d'expérimentation optique qui restèrent trop souvent invisibles dans l'histoire de l'art. L'artiste est désormais un créateur qui ne se contente plus de « montrer » sur une toile ou devant une scène mais celui qui exhibe l'envers du décor, les coulisses où s'élabore la trame d'une autre visibilité.

L'exposition du NMNM de Monaco permet ainsi de reconsidérer l'image à travers son envers et les systèmes illusionnistes qui la produisent. L'artiste portugais Joao Maria Gusmao s'attache ici à réactiver l’œuvre d'Eugène Frey par un dialogue entre son travail et les innovations de celui qui créa un dispositif inédit pour, à l'arrière du décor de l'Opéra, installer des agencements sophistiqués de projections pour ajouter au spectacle vivant l'incidence de l'image animée. C'est en effet au XIXe siècle que celle-ci prend son essor avec la photographie et les ancêtres du cinéma, les lanternes magiques, le théâtre d'ombre, la superposition de plaques de verre peintes à la main pour créer des effets de mouvement qu'Eugène Frey accentue ou analyse à l'aide de jeux de projecteurs. Placés derrière la toile de fond de la scène, ils permettent au spectateur une sensation de relief qui l'introduit dans une autre perception du réel.

Les documents présentés, les matériels utilisés comme la complexité d'une machinerie de déplacement sur rails pour les projections, sont le point de départ des productions de Joan Maria Gusmao. A partir d'une approche phénoménologique, il recompose l'espace physique du lieu et son contenu scientifique essentiellement à partir de projecteurs de diapositives. Il transforme les silhouettes découpées en ombres chinoises et les automates des anciennes animations en flux lumineux et en images nouvelles comme conjonction du dehors et du dedans, du concret et de l'abstrait. Pourtant il ne s'agit plus tant d'analyser l'image que les degrés de perception qui permettent de l'appréhender. Et s'il existe une métaphysique de l'image, la physique renvoie à ses seules conditions matérielles. Toute la scénographie répond ici à cette radiographie exploratrice de l'image avec la présence de nombreux acteurs, des pionniers du cinéma comme Mélies ou cette performance dans une vidéo de Lourdes Castro avec les rituels de la lenteur d'un corps velouté. L'iconographie romantique du XIXe siècle avec ses figures médiévales et ses paysages tourmentés se confronte à l'art d'aujourd'hui pour une aventure pleine de surprises.

« Le dernier Brahmane », Shailesh BR

Villa Arson, Nice

Du 14 février au 3 mai 2020

Entre autobiographie et roman, la salle d'exposition préfigure un récit de forme étoilée où se formulent les confluences et les détours de la modernité et de la tradition dans le contexte de la société indienne d'aujourd'hui. Le trajet conçu par Shailesh BR peut se concevoir comme un projet de compréhension sur cet écart entre le présent et le passé, l'orient et l'occident et ce « dernier Brahmane » qu'il convoque, c'est aussi donc une part de nous-mêmes. Au sommet de la pyramide sociale et religieuse, ce Brahmane, à l'instar de l'intouchable qu'il ne peut côtoyer, est condamné à la détermination de sa caste. Ce présent continuel, exempt de toute rupture et de tout progrès, condamne l'homme à se soumettre à son hérédité et à un destin social. De l'art traditionnel à l'art d'aujourd'hui, les formes de représentation sont toujours aussi le miroir d'un conflit.

L'artiste indien s'installe donc dans un espace qu'il investit physiquement mais aussi dans le temps même de l'exposition et de sa durée. Un présent de vie répond à l'éternité d'un présent. Et à l’indéfini d'un commencement ou d'une cause, il propose un état des choses comme autant de métaphores pour une simple méditation sur l'état du monde. L'espace est alors cartographié selon un parcours où le rituel se conjugue aux traces de la modernité. Des sculptures cinétiques mêlent machines et ingrédients traditionnels, tels que la paraffine des bougies ou les pigments safranés, le curry et tous les indices attachés aux symboles de l'Inde.

 L'exposition se contemple dans l’éclosion de cet espace dont le microcosme serait peut-être à percevoir dans la multitude des fleurs de lotus en paraffine jaune. Chaque pièce au mur ou sur le sol contient une anecdote toujours communautaire sans que l'individu n'ait jamais prise sur sa propre vie. Les indices abondent, la matérialité des objets traditionnels se cogne à des machines qui ne désirent rien. Le conflit est larvé, il ne se formule pas et l'artiste trace un chemin entre spiritualité et liberté dans un déroulement parfois implacable et douloureux. Chaque pièce présentée distille à la fois une poussière du monde et la globalité de celui-ci. Chacune proclame un rejet de toute ségrégation et l'ensemble invoque la nécessité de la conversation et de l'échange. Au-delà de sa subtilité, l’œuvre de Shailesh BR répand son rayonnement dans un lieu qui répond à son étrangeté. Mais ici nul n'est pourtant étranger, ni dans une caste, ni dans une nation. L'art sert aussi à rassembler.

Pierre Soulages, "La puissance créatrice"

On ne trouvera hélas plus guère d'artiste français de moins de 60 ans encore vivant et jouissant d'une notoriété internationale. Pierre Soulages, du haut de sa centième année, est cette figure de proue d'une génération de peintres à qui l’on n'accorda aucune  succession et, lorsqu'il s'acharna à extraire la profondeur lumineuse du noir, peut-être inconsciemment célébrait-t-il déjà le deuil du grand art français. Pourtant l'intérêt de l'exposition niçoise, outre la qualité des pièces présentées, réside dans l'illustration de la trajectoire du peintre à travers les influences qu'il subit et toutes les explorations qui lui permirent d'acquérir la pleine autonomie d'une oeuvre toujours vivante et cet Outrenoir qui consacra sa célébrité.

Un parcours chronologique réunit donc 72 œuvres de l'artiste, dont 25 peintures et même, fait rarissime, une sculpture. De 1948 à 2008, Pierre Soulages traverse les grands courants de son époque avec toujours cette volonté farouche de traduire au plus près l'essence même de la peinture, la puissance d'une matière, la dignité d'un signe, l'autorité de la couleur. Et en dépit de sa grande diversité, l’œuvre n'a jamais rompu ce fil. L'exposition a le mérite de nous montrer  ce cheminement en parallèle avec la présentation de quelques peintures de ceux qui, de près ou de loin, l'accompagnèrent – Manessier, Hartung, Zao Wou-Ki, Atlan, Picasso et tant d'autres.

Comment allier matière et transparence ou faire surgir la lumière dans un ocre ou dans l’extrême du noir ? Comment animer l'espace à partir d'un signe primaire et le confronter à la géométrie ? Ce parcours nous permet d'explorer les solutions originales que l'artiste apporta dans ses peintures, ses eaux fortes, ses calligraphies ou ses affiches. Pour un tel voyage, un guide s'impose. Le poète Léopold Senghor, l'ami qui souvent accompagna le peintre et dont l'oeuvre fut illustrée par nombre d'artistes majeurs, est celui dont l'esprit répond aux peintures de Soulages. L'exposition est ainsi jalonnée des traces d'une aura poétique. Pour Pierre Soulages comme pour le poète, voici un chant du feu qui traverse  la nuit pour une obscurité chargée d'étincelles. C'est la nuit du temps, une aube primitive d'où va éclore le plein soleil d'un art dans l'accord parfait de la main et de la pensée. L'outil, celui que l'artiste a souvent conçu lui-même, apparaît concrètement dans l'exposition. Mais pour chaque œuvre, son empreinte témoigne du geste premier du corps, de la dextérité de l'artisan, de la perfection d'une œuvre. Nul n'y restera insensible. Une telle unanimité à l'égard d'un artiste fera date en des temps où, pour seule lumière, l'art d'aujourd'hui n'offre parfois plus que des étoiles filantes.

Espace culturel Lympia, Nice 

Du 8 février au 19 avril 2020

"Lou Che" de Noël Dolla. Port de Nice

                            Entre palissades et travaux, vue de la route qui longeait le port, la sculpture « Lou Che » de Noêl Dolla hérissait ses crêtes désarticulées, peintes de couleurs industrielles, qui évoquaient celles des grues et autres installations portuaires. Ces mêmes couleurs qui s'accordaient à la fois aux façades alentour mais tout en les désarticulant. Le chaos s'ajoutait alors au chaos. 

                              Plus tard, une fois l'espace dégagé, la sculpture découverte de la partie inférieure du port à la sortie du tunnel du tram émergeait avec la violence d'une fleur jetée vers le ciel. Ses pétales anguleuses ciselaient la lumière de la Méditerranée avec des reflux d'images, des découpes de grues et de barques entremêlées. Elles se mesuraient tant  à l'ancien récit d'une architecture somptuaire qu'à l'espace des hommes qui y travaillèrent, ouvriers et pêcheurs, avec la sueur des mains calleuses et cette obstination à déchirer l'apparence d'un décor pour en extraire leur histoire et leur réalité.

C'est ainsi que la sculpture prit son envol dans une beauté brutale confrontée à un encadrement de pierres et aux ocres et rouges environnants. Les teintes de la sculpture se fondaient à eux tout en déstructurant l'ensemble comme pour un assemblage dont il faudrait désormais penser chaque strate de son histoire. L'artiste de Support-Surface revenait ainsi à ses sources et le spectateur se heurtait à ce regard divergent au point de lui-même « loucher » entre ancien et nouveau pour recomposer cet autre espace entre la symétrie portuaire et la vie réelle à laquelle elle se confrontait.

Ce point de confrontation se cristallise aujourd'hui dans « Lou Che » de Noël Dolla. Avec bien sûr quelque chose de louche, dans cette beauté saisie dans son côté trouble et dangereux mais de celle qui fait vaciller ces beautés déjà fanées tant elles ne vibrent plus au monde. « Lou Che » se revendique haut et fort en mots, en formes et en couleurs. Il s'inscrit comme une réminiscence du Che, un amour surtout pour la mer et la lumière. Homère aussi n'est pas loin et Ulysse et ses ruses pour vaincre les dieux, vivre le désir et redonner justice à sa terre perdue. Nikaia reste bien ici la mère de Nice.

On eut alors le droit à une picrocholine querelle d'Hernani autour de l’œuvre. Anciens et modernes, on pétitionna. Les uns crispés sur une image qu'il ne fallait pas effleurer, les autres drapés parfois dans l'arrogance de leur savoir. Pétitionner revient souvent à ne rien argumenter pour seulement se positionner dans un camp. Mieux vaut alors prendre le large, voguer dans les vagues et le ciel, ne serait-ce qu'à l'aide d'un esquif déglingué... L'aventure de l'art est à ce prix.