Laura Owens § Vincent Van Gogh

 

Fondation Vincent Van Gogh, Arles

Jusqu'au 31 octobre 2021

Quel tableau déroutant que cette « Piles de romans français » peint à Paris en 1887 par VanGogh ! Cette peinture aux tons pastel surprend par son architecture minimale, son géométrisme hésitant, son motif austère aux lisières de l'abstraction. Hommage à la littérature, ce tableau exposé à la Fondation Van Gogh avec six autres œuvres du peintre, est aussi une représentation formelle du papier, de ce support pour l'illustration dont s'empare aujourd'hui l'artiste américaine Laura Owens. A travers un environnement de papiers peints, celle-ci se confronte à Van Gogh et aux intérieurs des habitations arlésiennes du XIXe siècle pour mettre en scène les notions de contexte et de hiérarchie.

Quelles relations entre l’œuvre et le mur qui l'accueille ? Les peintures sont-elles les mêmes sur un fond monochrome que dans un espace saturé de formes et de couleurs ? Cette recherche contextuelle est à la source du travail de Laura Owens quand elle l'enrichit d'une mise en abyme entre une référence aux tapisseries murales d'époque et les technologies du scanner, de l'impression numérique ou de Photoshop. Le grand écart, tel semble être le pari de cette approche de l'artiste avec le peintre néerlandais mais surtout on y perçoit une volonté de distanciation sous le signe de l'humilité et de l’intelligence. Celui qui écrivit à son frère Théo, « Je croyais que la pensée et non le rêve était notre devoir » se trouve en quelque sorte mis en lecture par Laura Owens. Celle-ci ne commente ni n'interroge la peinture de Van Gogh, elle l'illustre par la matière même de l'illustration, le papier. Mais celui-ci est soumis à un processus complexe de sérigraphies, de procédés numériques et d'interventions manuelles si bien que l'idée d'un décor fonctionnel est détourné au profit d'une série d'effets visuels inédits et de trompe-l’œil qui troublent la perception au point de n'être visibles que par le déplacement de l'observateur.

Le rez-de-chaussée de la Fondation est cet enchevêtrement de salles vouées à ces papiers peints dont les motifs sont inspirés d'une illustratrice anglaise restée inconnue, Winifred How. C'est l'occasion pour Laura Owens de s'interroger sur le statut de l'artiste, sa mythologie, ce qui fait qu'il est reconnu ou ignoré. La hiérarchie des œuvres et la notion de valeur tendent à disparaître quand on transforme l'espace de l'exposition et Laura Owens oppose la gloire du « peintre maudit », présent ici avec pourtant des tableaux de format modeste, et la puissance des motifs inspirés de Winifred How. Aux étages sont présentés d'autres travaux, des dessins, peintures, photographies ou collages. Mais Laura Owens s'attache surtout au papier, aux anciens procédés de sa fabrication, aux pliages et aux illustrations pour enfants. La création de livres se rattache ici intimement à la notion d'art et de décor. Exposés sur des tables, les livres peuvent être manipulés et pleinement ressentis. Et la Fondation se transforme en une lecture inédite de Vincent Van Gogh.

"Le voyage à Nantes"

 

Jusqu'au 12 septembre 2021

Entre installations, performances et œuvres éphémères ou pérennes, il est parfois difficile de distinguer ce qui relève de l'art ou d'un simple jeu sans autre consistance que la surprise qu'il provoque. Depuis 2012, sous la houlette de Jean Blaise, le Voyage à Nantes propose chaque été un large éventail d'événements artistiques et d'animations dans l'ensemble de la Loire Atlantique. En relation avec le patrimoine ou les paysages de la Loire et du vignoble nantais, les lieux festifs et l'art contemporain se confondent parfois. Si l'on peut douter de la pertinence de « Versus Playground », création des architectes Titan sur la Place Graslin transformée en une piste pour patins à roulettes comme un pied de nez au superbe opéra qui lui fait face, le naufrage sera sauvé par la puissance de l’œuvre d'Ugo Schiavi, « Le naufrage de Neptune ». S'inspirant de la poétique des ruines, le sculpteur explore la symbolique de la fontaine de la Place Royale dont il utilise la statuaire pour hisser des profondeurs de la cité la proue d'un navire. Avec lui c'est tout le passé maritime d'une ville avec les fêlures qui sondent les entrailles de sa mémoire. Les amphores et les vases des divinités marines déversent l'eau hors de la coque brisée pour un lointain rappel à l'antiquité et à ses mythes. L'étrave se propulse vers le ciel dans une déchirure d'où jaillissent les flots comme le sang répandu d'une autre histoire.

Face à cette installation théâtrale au cœur de Nantes, Ulla von Brandeburg développe dans le Passage Sainte-Croix ses « Ombres bleues et jaunes », une série de rideaux dont l’entrelacs figure une scène imaginaire. Des ondoiements colorés nous invitent à un rituel magique qu'un film développe dans d'autres plis de couleurs et de sens. C'est au bout de l'estuaire, dans le Centre d'Art Contemporain de Saint-Nazaire, « Le Grand Café », qu'Adrien Vescovi, comme l'artiste allemande, s'empare de larges patchworks de tissus pour redéfinir l'espace du lieu. Au sol des rouleaux de toiles et les bocaux de décoction fixent le processus d'une œuvre qui invite à une méditation sur nos relations aux éléments à partir desquels la couleur apparaît. La terre des ocres, des épices, des végétaux ou des écorces, dans la lenteur de leur maturation, par le hasard des intempéries ou de la sécheresse, fixent la couleur pour un temps éphémère sur des draps cousus parmi lesquels le visiteur déambule. Ainsi va le voyage, d'une découverte à l'autre dans le flottement de l'espace et du temps.

"Comme de longs échos"

 

La Garenne Lemot, Clisson

Jusqu'au 3 octobre 2021

                                         Michel Blazy

A partir de sa propre histoire, chacun reconstituera dans l'incertitude d'un récit, les fils des œuvres qui se déploient à travers des espaces discontinus, des temps contraires et se métamorphosent ainsi par cet enchevêtrement de sens en une ensemble accomplie et d'une cohérence mystérieuse. Tel est ce paradoxe de l'art qui trouve son écrin dans le domaine de la Garenne Lemot à Clisson. Dans un parc de treize hectares, le sculpteur François Frédéric Lemot imagina un paysage idéalisé qu'il imprégna de ses souvenirs d'un séjour romain à la fin du XVIIIe siècle. Parmi des chaos rocheux et des enchevêtrements d'arbres dominant la Sèvre, il édifia dans un contexte romantique nombre de colonnades, de temples ou de statues antiques. L'imaginaire se fraye son chemin entre ces « folies » minérales et des entrelacs végétaux d'où surgit « Le bois de la Gorgone », un ensemble de ramifications de bronze sculptées par Eva Jospin, à partir d'un moulage de cartons découpés pour une forêt mystérieuse.

Entre l'héritage du passé et le foisonnement de l'art contemporain, les œuvres se croisent dans les salles du château pour de belles dissonances et des rencontre inattendues. Les vers d'un sonnet de Baudelaire « Comme de longs échos qui de loin se confondent » accompagnent le visiteur pour des correspondances parfois périlleuses entre des pièces anciennes issues du Musée Dobrée à Nantes et les œuvres de douze artistes contemporains choisies dans la diversité de leurs supports et de leur relation au monde. Un « Mur de Pellicules » de Michel Blazy parle de la mémoire et du temps qui s'efface comme contrepoint au romantisme de la fuite du temps. Et que reste-t-il de ce temps en tant que valeur ? semble se demander Emmanuelle Villard dans la fusion de la peinture et des éléments de pacotille quand sequins, perles et paillettes interprètent la brillance jusqu'à l’absorption dans le noir. Face à des armes anciennes, Léa Le Bricomte détourne l'iconologie militaire et propose un « Mandala » à partir de douille de munitions. C'est par un film éclairé à la bougie que Clément Cogitore se confronte superbement à un assortiment d'anciennes lampes à l'huile et de chandeliers pour révéler le clair-obscur du passé et de ce qu'il en reste. La caméra explore la collection de peintures de Ely et Nina Bielutine dans le fatras de leur appartement de Moscou. L'humilité, la glorieuse folie du couple, rebondissent sur la magie d'un détail d'une toile de Vinci ou de Velázquez. « Bielusine dans le jardin du temps » est cet îlot de beauté dans l' incertitude du monde. L'exposition tout entière est ce voyage dans le temps, une immersion au-delà des frontières mouvantes du réel et de l'imaginaire sous les auspices de la poésie. « De longs échos » traversent les frondaisons du parc et résonnent longuement dans les salles du domaine par la seule puissance des œuvres d'art.

Œuvres de Raphaël Barontini, Michel Blazy, Clément Cogitore, Sara Favriau, Aurélien Froment, Léa Le Bricomte, Loriot-Mélia, Emo de Medeiros, Rachel Morellet, Tsuneko Taniuchi, et Emmanuel Villard

Gilles Barbier, "Travailler le dimanche"

 

HAB Galerie, Nantes

Jusqu'au 26 septembre 2021

Au Moyen-Âge les moines copistes recopiaient inlassablement sur des parchemins les pages de la Bible en les revêtant parfois d'enluminures pour diffuser et célébrer la parole divine. Aujourd’hui l'artiste se soumet aussi à des protocoles strictes et à ses propres rituels. Le scriptorium du moine se transforme alors en atelier pour des tâches répétitives, obsessionnelles et l'ennui ou la démesure se disputent souvent à l'absurdité quand il s'agit de juste passer le temps, d'inscrire une nouvelle page dans l'existence, de combler un vide métaphysique. Gilles Barbier écrit, peint, illustre tout cela à travers une multiplicité de supports. « Travailler le dimanche », s'imposer des contraintes sans autre finalité que le simulacre, l'arbitraire et la répétition est cette page de l'art que l'artiste écrit dans un humour sombre.

Sur une feuille de papier d'un format géant, il recopie soigneusement à la main tous les dimanches depuis trente ans, les pages du Petit Larousse Illustré de 1966. La définition de chaque mot est fidèlement reportée à l'encre tandis que les images en couleur ou en noir et blanc sont reproduites à la gouache. Bien sûr, quelques omissions ou erreurs peuvent se produire et elles sont alors corrigées dans un erratum sur un autre cadre en parallèle à la page. Un accident, tel que le café qui se renverse sur le texte, subira la même opération.

L'hybris de la connaissance se heurte aux multiples incidents du quotidien et les œuvres de Gilles Barbier, au-delà de l'austérité apparente du propos, résonnent dans un rire grinçant qui traverse l'espace et met en scène la permanence du corps. A ce travail du dimanche, il superpose des sculptures de personnages grotesques en cire ou en résine mais l'écriture occupe toujours sa place prépondérante. Quand ce n'est pas la voix puisque, dans une salle entièrement peinte en rose, il reprend la page rose du dictionnaire avec des animaux taxidermisés et un mélange de sons reproduisant les locutions latines correspondantes. Langue morte à la mesure d'une langue vivante en péril par la disparition des mots et des images ? L'indistinction et la disparition programmées dans l'ère numérique ? Gilles Barbier écrit : « Cette copie c'est mon CHÂTEAU DE SABLE, une performance à l'échelle de ma vie. Les mots sont les grains de sable, collés ensemble par l'ordre alphabétique, la page est ma plage. » Il n'y a donc ici que les mots et les choses, sans l'idée d'une quelconque transcendance. L'exposition des travaux de Gilles Barbier, entre tragique et comédie, propose une vision implacable de notre monde.

« Au-delà de la couleur. Le noir et le blanc dans la Collection Pinault »

 

Couvent des Jacobins, Rennes

Jusqu'au 29 août 2021

                   Peut-être l'exposition la plus passionnante de l'année en France tant par la qualité des œuvres présentées que par la pertinence de leur choix. S'interroger sur cet « Au delà de la couleur, le noir et le blanc dans la Collection Pinault » c'était se confronter à la domination chromatique dans l'histoire de l'art et révéler la puissance interne de ces « non couleurs » puisque, selon Newton, le noir marquerait l’absence du spectre coloré tandis que le blanc résulterait de son mélange. Le Musée des Beaux Arts de Rennes répond d'ailleurs à cette exposition, au même moment, par la revendication d'une « couleur crue » autour d'une trentaine d'artistes, lesquels démontrent que la couleur, au-delà d'une fonction symbolique et décorative, est liée intrinsèquement à la matière ou à la forme et qu'elle s'inscrit à la racine même de la nature ou de toute culture. Le débat est donc fructueux quand il s'agit, dans le Couvent des Jacobins, de définir l'art sous les auspices d'une disparition.

                      Que la couleur s'éclipse et c'est le nerf à vif de la création artistique qui se tend vers notre regard. Dans le jardin du cloître, deux stèles imposantes de David Nash se font face comme pour sceller ou défaire le lien entre le profane et le sacré. C'est le soleil noir de la cendre qui s'élève vers les cieux. Et cette couleur duveteuse et aveugle, faite de ténèbres inquiétantes, de mort ou de luxe et de perfection, se décline aussi bien en peinture ou en sculpture que dans la photo ou la mode. C'est aussi par ce mélange des genres que l'exposition parvient à nous faire saisir, physiquement et intellectuellement, le poids du noir ou du blanc quand ce n'est pas la légèreté de l'un ou de l'autre.

                  Chaque œuvre extirpe la force d'un symbole, la puissance d'un mythe ou la suffisance d'un préjugé. La non-couleur agit alors comme le révélateur de ce que la couleur a parfois pour fonction d'occulter. Associée à un autoportrait photographique en noir et blanc, la peinture blanche de Roman Opalka ne ment pas : elle inscrit le cycle de la fusion et de la disparition dans un même processus. Douceur ou violence, vie ou mort, réel ou imaginaire s’interprètent ailleurs en notes blanches ou noires dans une orchestration sombre ou lumineuse. Un piano repeint par Bertrand Lavier nous en restitue la pesanteur silencieuse. Preuve est faite que l'extinction de la couleur prête au monde une autre lumière. Dangereuses parfois, séduisantes ou envoûtantes, les vagues du blanc et du noir nous transportent sur d'autres rivages ou nous rejettent avec fracas vers notre quotidien. C'est ainsi que l'anecdotique ou l'actualité s'inscrivent aussi en noir et blanc dans la violence, par exemple dans le choc du coup de boule porté par Zidane à son adversaire et immortalisé dans une extraordinaire sculpture d'Adel Abdessened. Réunis par Jean-Jacques Aillagon, ce sont soixante créateurs pour plus d'une centaine d’œuvres qui nous entraînent dans leur sillage pour un périple d'ombre et de lumière.

                                           Maurizio Cattelan, Ali, 2007

                  

Peder Severin Krøyer , « L'Heure bleue »

 

Musée Marmottan, Paris

Jusqu'au 26 septembre 2021

Le sable, la mer et le ciel. Autant d'éléments sensibles pour la quête de la lumière sur cette plage de Skagen à la pointe septentrionale du Danemark. Et ce décor presque abstrait serait déjà suffisant pour définir cette « Heure bleue », cet instant instable où le soleil disparaît dans l'attente de la nuit. C'est à ce point du jour que Peder Severin Kroyer étudie les variations de ces landes lumineuses d'où émergeront des figures tour à tour réalistes ou rêveuses.

Né en Norvège, le peintre subira les influences du naturalisme lors de ses nombreux séjours à Paris à partir de 1877 puis celles, contradictoires, du symbolisme. Dès lors son art s'extrait de tout courant et se développe en toute liberté, en plein air ou à l'atelier, d'abord comme portraitiste puis comme peintre de paysage. Autant dire que Kroyer est l'artiste de l'indéfinissable, souvent aux lisières de l’impressionnisme, toujours au-delà de ce qu'il feint de représenter.

S'inspirant parfois d'une photographie, la figure pénètre la toile comme étrangère à l'espace qui la contient. A peine ébauchée, elle contemple, rêveuse, les modulations d'un ciel et des ombres qui la sculptent. L'heure bleue, celle qui donne son titre à cette première exposition monographique à Paris, en définit le cadre. L'accent est mis sur la lumière et ce qu'elle suscite comme qualité de silence quand la nuit guette le théâtre des hommes et de la nature à l'instant où il se vide. L'heure bleue est alors cet espace que Kroyer saisit à merveille, loin de cette peinture de salon à laquelle il s'adonna par ailleurs et de la célébrité qui l'accompagna. Cette heure à elle seule confère de l'éternité à cette peinture par les seuls mouvements de la lumière, les subtiles modulations de sa palette pour imprimer des traces de pas dans le sable ou suggérer des silhouettes à peines ébauchées sur les dunes.

Peder Severin Kroyer est le peintre du bonheur. Mais comme l'heure bleue, ce bonheur se teinte de toute une variété de touches imperceptibles, parfois empreintes d'une nostalgie pour un temps qu'on voudrait éternel et que, peut-être, seule la peinture pourrait immortaliser. Entre les vagues, des enfants nus courent et rient sous le soleil déclinant. Ailleurs, un homme seul contemple l'horizon. La peinture est toujours une histoire du regard. Mais dans les tableaux de Kroyer, le regard peine à accéder à l'autre. Le regard est prisonnier de ses propres songes. L'artiste peint alors un paysage pour exprimer cette vie intérieure et il peint aussi ce grand silence.