Eugène Leroy, «Peindre»

 

Musée d'Art Moderne de Paris

Jusqu'au 28 août 2022

Oublions l'idée que la photographie puisse donner quelque aperçu d'une toile d'Eugène Leroy. D'abord parce sa peinture prend à revers l'image pour en saisir la matière qui la compose et l'anime. C'est cette matière, et seulement elle, qu'il veut représenter si bien que le motif n'est alors qu'une voie d'accès à l'essence même de la peinture qui, elle-même, nous permettrait de pénétrer l'essence du monde. Représenter ne s'accorde donc plus à la mimesis ou au lisse d'un miroir mais, au contraire, relève d'une expérience tactile qui prend en charge la main de l’artisan qui maçonne autant qu'elle façonne. Eugène Leroy est un de ces rares artistes qui travaille davantage sur l'épaisseur que dans la transparence. Il ne s'écarte du dessin ou de la couleur que pour sonder les entrailles du sens à partir de la puissance d'une glèbe originelle.

Pour lui, peindre c'est prendre à bras le corps l'espace et le temps. Pour le professeur de latin et de grec qu'il fut, créer repose aussi sur un travail d'érudition, une archéologie du savoir sans lesquels l’œuvre ne disposerait d'aucune assise. Ainsi ne copie-t-il pas les grands maîtres mais il les met en question par un brutal face à face et absorbe leur substance en traduisant les images du Titien, de Poussin ou de Rembrandt dans la seule vérité de la matière picturale. C'est ainsi qu'il n'hésite pas, non seulement à citer nombre d'artistes classiques, mais aussi à leur emprunter les sujets traditionnels tels que les nus, le paysage, le portrait ou la nature morte.

Eugène Leroy ne cesse de recouvrir l'image par de nouvelles épaisseurs jusqu'au point d'atteindre ce point de béance entre sa disparition et l'apparition d'une matière fossile qui renverrait au point aveugle de toute peinture. Recouvrir encore et encore, comme le fit Opalka dans un processus inverse d'effacement en dépouillant l'image de toute matérialité, en ajoutant quotidiennement un chiffre ou une touche de blanc sur la peinture ou la photographie pour figurer le temps. L'action de peindre devient alors une quête, un voyage initiatique à travers l'histoire et le temps comme parmi les ombres et les entrelacs d'une forêt mystérieuse. Eugène Leroy disait: «La matière n'existe pas si elle n'est pas imprégnée de lumière!»

L'exposition témoigne de ce travail acharné entre abstraction et figuration qui nous enseigne qu'il n'existe aucun art sans connaissance. Environ 150 œuvres pour 60 années de peinture illustrent ce cheminement inédit dans l'art du XXe siècle. La peau de la peinture est ici exhibée, dans sa chair comme dans sa terre, troublante, comme si elle-même avait été exhumée pour nous livrer ses derniers secrets.

«La Couleur en fugue»

 

Fondation Louis Vuitton, Paris

Jusqu'au 29 août 2022

                  En s'échappant hors du châssis, la toile se libère et la peinture peut s'extraire de son cadre pour se mesurer à l'architecture du lieu où elle apparaît. Aux volumes pensés par Franck Gehry à la Fondation Vuitton, la couleur répond en se déposant parfois sur le sol, le plafond ou sur les murs ou bien en soulignant les éléments architecturaux sur lesquels elle prend appui.

               A la fin des années 60, Sam Gilliam présente ses premiers drape paintings, vastes drapés dont les plis et replis imbibés de dilutions d’acrylique et de pigments ondulent dans l'espace telles des vagues se heurtant aux parois et aux angles. Une étrange luminosité se diffuse dans cet intérieur comme si du linge séché s'emparait du ciel pour en extraire chaque atome de couleur. C'est à un tout autre exercice que se livre Niele Toroni. Toujours la même empreinte du pinceau à intervalle régulier redéfinit de nouveaux volumes sur de nouveaux supports. Ces traces ponctuent l'espace, le redimensionnent et y consacrent la souveraineté d'une couleur pure. Au contraire, pour Megan Rooney, c'est dans le déploiement de la mémoire, de la nature et de sa contraction dans le temps que la couleur prend forme et se répand comme des flammes sur les murs. Austérité de l'un, débordement lyrique pour l'autre, la couleur est ici le lieu d'un débat passionné dans lequel Steven Parrino aborde la question de la couleur absorbée par le volume jusqu'au point de se confondre à la sculpture. Cette confrontation d'une couleur pensée dans sa source, son autonomie ou dans la tension qu'elle exerce avec son environnement, permet de reconfigurer l'espace et de considérer la couleur à l'instar d'une écriture.

                      Mais la peinture emporte tout tel un ouragan. Katharina Grosse consacre le triomphe de celle-ci, par sa liberté, son feu intérieur et son pouvoir à embraser l'espace. C'est un flot de couleurs et de coulures, un déferlement de lignes et de lumières, un déluge de strates et d'illusions qui perturbent le champ visuel. La couleur atteint son paroxysme, elle s'empare de tout, du sol jusqu'au plafond. Son souffle se répand avec fureur sur ce qui s’apparente à un paysage halluciné. La couleur est bien alors une fugue, un rythme, un cri de liberté, une danse sauvage. Et pour cette exposition, comme l'écrit Suzanne Pagé, directrice artistique de la fondation, «Si la couleur échappe, on n'échappe pas à la couleur».

Shirley Jaffe, «Une américaine à Paris»

                                              

Centre Pompidou, Paris

Jusqu'au 29 août 2022

Comme nombre d'artistes américains de sa génération - elle est née en 1923 – Shirley Jaffe s'oriente vers un expressionnisme abstrait. Selon un parcours chronologique, l'exposition présente ses premières œuvres réalisées peu après son installation à Paris en 1949. C'est pourtant à la fin des années 60 que l'artiste rompt avec la gestualité pour initier une peinture savamment réfléchie qui transcrit le geste en signes et pense la couleur en termes de gammes chromatiques. A première vue, le tableau est ici aussi bien une toile blanche qu'une partition musicale que les aplats parfaitement structurés de la peinture recouvrent. Pourtant Shirley Jaffe récuse toute harmonie pour un art de la dissonance dont les modulations s’apparenteraient à la musique sérielle qui prévalait alors. Elle sera la peintre du déséquilibre.

Dans cette abstraction géométrique, le motif joue de toutes ses ambiguïtés. Certes il y a des cercles, des triangles mais aussi des spires et des grilles ajourées, des arabesques et des éléments de frises, toute cette circulation de signes qu'on retrouvait chez Kandinsky. Mais là où ce dernier s'attachait au mouvement, au rythme par le jeu des courbes et le jet des diagonales dans un ballet géométrique, Shirley Jaffe crée un puzzle par lesquels les éléments se mesurent et se contrarient mutuellement dans une confrontation silencieuse. Les motifs sont traités par masses de couleurs franches et s'imbriquent les aux autres avant d'explorer leur autonomie dans l'incertitude du fond et de la surface. Le geste initial est désormais figé dans la sérénité du dessin. On retrouve alors la perfection des découpes de Matisse mais Shirley Jaffe pousse l'abstraction au point de désigner en creux ce qu'elle pourrait représenter comme élément d'un réel stylisé. La peinture n'est ni ornementale ni décorative, elle est muette et ne se désigne que par le rappel des éléments qui la constituent.

C'est là que l’œuvre de Shirley Jaffe atteint sa perfection. Tout s'attire, se juxtapose et se disloque. Tout se construit sur des oppositions et des correspondances. Une cartographie du possible s'esquisse là où on chercherait en vain une géographie de l'imaginaire. La peinture est là, aveuglante dans l'intelligence de sa beauté.

Stefan Szczesny, «Szczesny Art Project»

 

Grimaud, Var

Jusqu’au 15 octobre 2022

Depuis le village de Grimaud dominant le golfe de Saint-Tropez, un paysage de vieilles pierres, de vignobles ou de collines boisées se déploie jusqu’aux rivages de la Méditerranée. Durant tout l’été, ce terroir marqué par son empreinte médiévale accueille l’œuvre de Stefan Szczesny comme pour ponctuer l’espace de ses compositions monumentales par le rythme novateur de ses courbes et de ses couleurs. D’origine allemande et après s’être installé à Paris, New York et tant d’autres lieux, l’artiste s’empare de ce paysage pour célébrer sa beauté, à l’égal d’un nouveau paradis terrestre. Cette idée d’une harmonie parfaite entre l’homme et la nature, la certitude que l’art face aux désordres du monde apporterait réconciliation et joie de vivre, irriguent cette œuvre foisonnante.

D’abord peintre abstrait, Stefan Szczesny s’inscrit dans le mouvement des «Nouveaux Fauves» en 1981 en Allemagne. Mais cet art souvent tourmenté s’apaise peu à peu en se nourrissant d’influences antiques et méditerranéennes. L’artiste conserve néanmoins cette puissance créatrice qui le pousse à se saisir de l’espace, à le réécrire par une profusion de mediums et de formes afin de chanter la force vitale au cœur des éléments. De Grimaud jusqu’à la mer, de vastes sculptures aux couleurs franches rythment le paysage. Les formes sont douces et les courbes féminines esquissées répondent à des motifs végétaux comme pour sceller un pacte entre cette osmose de l’homme et de la nature avec la beauté salvatrice. A ces sculptures monumentales s’ajoutent de larges toiles toujours témoignant de cette constante énergie lorsqu'elles s’inscrivent sur les façades d’une demeure patrimoniale ou bien à l’intérieur d’une galerie comme dans la Maison Prestige Roberto Geissini ou au Studio Paon. C’est ici que des peintures parfois encore hantées par l’abstraction côtoient des travaux sur verre réalisés à Murano et des céramiques créées dans l’atelier de Peter Thumm.

Précédemment exposé en 2014 au Palais des Papes en Avignon, «L’arbre de vie» est cette sculpture face à la Mairie qui illustre cet envol des formes pour une célébration du vivant. Tout s’exprime dans la danse du feuillage et de son miroitement quand, ailleurs, des dizaines d’autres œuvres chantent la couleur, la sensualité, les lignes d’un visage ou les contours d’un corps. Tout n’est ici que luxe, calme et volupté: L’art se love ainsi dans les méandres du bonheur.

« Vita Nuova », Nouveaux enjeux de l’art en Italie 1960-1975

 

MAMAC Nice

 jusqu’au 2 octobre 2022

Si Camus pouvait écrire «la langue française est ma patrie», c’est parce qu’avec elle se construit l’histoire d’un peuple qui configure son espace. De même, en Italie, la langue italienne s’installa avec le premier livre de Dante abandonnant le latin, «Vita Nuova», longtemps avant que le pays ne devienne une nation. Cette «vie nouvelle» rompait alors avec une langue assujettie à une organisation sociale et politique devenue obsolète comme ce fut le cas plus tard, vers 1960 quand une crise majeure modifia en profondeur l’identité italienne.

L’exposition du MAMAC, à travers l’universalité du langage de l’image et dans le contexte politique de l’Italie jusqu’en 1975, met en évidence les fractures et les nouveautés qui émergèrent alors dans le champ artistique du pays. En parallèle avec le prestige de son cinéma et de sa littérature, l’Italie des «années de plomb», tenaillée entre l’ombre du fascisme et l’émergence du terrorisme, se mesure alors sans concession à son histoire, son miracle économique, son américanisation croissante et à la société de consommation.

Cette histoire là, en trois chapitres, s’ouvre comme dans un livre avec une première salle consacrée à la figure de Pasolini pour se refermer sur une dernière lors de la mort de celui-ci en 1975. L’exposition se développe alors selon trois mouvements - «une société de l’image», «reconstruire la nature» et «mémoire des corps». La peinture, la sculpture, la photographie mais aussi l’image animée rendent compte du regard de 56 artistes et retracent cette histoire de la conquête des formes nouvelles avec leur part d’inquiétude ou d’enthousiasme. Si, bien sûr, Vita Nuova rend hommage aux artistes italiens les plus reconnus, comme ceux de l’Arte Povera avec Mario Mertz, Penone ou Pistoletto, elle réhabilite d’autres créateurs oubliés ou disparus prématurément comme Pino Pascali lequel n’ambitionnait pas tant de traduire la nature dans sa force primitive que de l’inscrire dans sa relation au monde industrialisé et au design.

Sans doute l’exposition la plus exhaustive, depuis celle organisée par Germano Celant au Centre Pompidou en 1981, Vita Nuova remet les femmes,souvent marginalisées ou ignorées, au cœur de la scène artistique de cette période. Parmi elles, Marisa Merz explore la relation du corps à l’image qu’il renvoie tandis que Lisetta Carmi photographie des travestis en usant des codes du reportage pour jouer de l’identité sexuelle et des préjugés qu’elle révèle. Quant à Carla Accardi, elle se hisse au niveau des artistes les plus singulières de son temps.

Art engagé socialement ou tourné sur une réflexion sur lui-même - le souffle du geste et de son extinction comme dans les superbes œuvres de Giorgio Griffa - l’exposition met en valeur la diversité des approches conceptuelles. Mais aussi la complémentarité de mediums supposés se contredire. Ce sont ces hésitations et ces bouleversements que les artistes introduisent dans la société italienne d’alors qui agissent en filigrane en deçà de la surface des œuvres. Cette «vie nouvelle», par laquelle la pensée s’enroule au monde par une approche du sensible reste pourtant ici d’actualité tant elle travaille encore les artistes contemporains. Et que l’exposition soit présentée à Nice réactive ce lien qui exista durant ces années pendant lesquelles les artistes niçois du Nouveau Réalisme ou Yves Klein rencontrèrent Fontana, Rotella et nombre d’autres italiens autour de Turin ou de Milan. Nice et l’Italie dans la même mouvance de l’exploration des formes et des territoires.

«Vallée des Merveilles», Exposition collective

 

Espace à Vendre, Nice

Jusqu’au 2 juillet 2022

Dans le massif du Mercantour, la Vallée des Merveilles abrite quelques 40000 gravures rupestres. Arpenter un tel espace empreint de magnétisme et d’un art surgi du néolitisme et de l’âge de bronze, c’est s’aventurer dans un voyage initiatique au cœur d’une austérité minérale entre ciel et terre. Du réel à l’imaginaire, ce lieu se métamorphose en terrain d’expérimentation pour deux enseignantes de l’École des Beaux-Arts de Marseille, Karine Rougier et Nina Léger. Il ne s’agit pas tant pour elles de représenter un paysage que de conduire de jeunes artistes ou d’autres déjà confirmés, dans une randonnée expérimentale sur les traces de ce qu’un tel territoire, vécu ou pensé, peut produire en termes de matières, de métaphore, de relation au vivant et au fantastique.

Tour à tour grave ou féerique, la vallée est ici ce hors-temps de la découverte, cette échappée du réel par la seule volonté de gravir les cimes ou d’explorer les gouffres de l’imaginaire, du fantasme et de toutes les formes solaires ou nocturnes qui agitent nos rêves ou notre conscience. Dès l’entrée, une toile de Lassana Sarre happe le visiteur. Un boxeur noir frappe un espace incertain entre deux mondes, comme se forçant un passage entre le désir et le réel.

Avec le concours de la galerie Anne Barrault, l’exposition développe les gammes de la violence ou de la tendresse mais toujours sur le mode de l’inattendu. Une vague de Raymond Pettibon nous projette hors de l’espace à moins qu’elle nous engloutisse dans les entrelacs de ses entrailles. Et toute l’exposition repose sur cet entre-deux et développe un parcours déroutant à travers lequel une énigme se formule. Un fil d’Ariane se dessine dans les méandres d’un labyrinthe où se heurtent symboles, mythologies, figures grimaçantes ou rieuses et même chauve-souris. Et c’est alors qu’en contre-feux, surgit la sublime abstraction de Raphaël Zarka par la qualité ouatée d’un fusain et de son noir velouté qui découpe les aspérités terreuses d’un frottage de céramique. Ou encore cette vaste tempera paisible de Christian Hidaka comme figée au seuil d’un récit dans lequel temps et espace s’abolissent dans un rêve éveillé.

La Vallée des Merveilles est alors l’atelier mental de l’artiste, elle est l’inscription de tous les possibles. La géographie des mots nous entraîne dans une nouvelle carte du tendre avec l’œuvre de Guillaume Constantin, «Du royaume de la galanterie» tandis qu’un bronze de Sore Vénus exhibe la provocation indécente et rieuse d’une autre vallée. Et de monts en merveilles, toujours on s’étonne et s’émerveille.

Chagall, "Les livres illustrés"

 

Musée Chagall, Nice

Jusqu’au 9 janvier 2023

Que les signes fondateurs de l’écrit trouvent leurs racines dans une image de la nature et que celle-ci vienne en retour suppléer à ses manques par le biais de l’art, ce sont là des territoires mouvants que formulent et arpentent artistes et écrivains: Des créations par lesquelles le vertige d’une origine ne cesse de faire écho au présent d’une humanité à la recherche d’un horizon. Ce sont ces œuvres-là, aux confins d’un espace imaginaire et d’un temps rêvé, qui se dévoilent dans une exposition où tableaux et livres s’interpellent mutuellement.

C’est à Berlin, dans ses premières années d’exil après son départ de Moscou en 1920, que Marc Chagall entame son autobiographie, «Ma vie», et découvre alors la gravure sur bois. Dès lors l’artiste ne cessera d’explorer la complémentarité et l’ambiguïté du texte et de l’image mais, au-delà de la seule richesse illustrative, Chagall reste l’artisan curieux de toutes les modalités de l’estampe. Il soigne particulièrement la qualité du papier et de la mise en page et, lors de sa première année à Paris en 1923, il rencontre Ambroise Vollard, le marchand qui découvrit Gauguin, Cézanne, Picasso et tant d’autres mais aussi l’éditeur pour lequel il réalisera trois grands projets d’illustration pour «Les âmes mortes» de Gogol, «Les Fables» de La Fontaine et «La Bible».

D’autres collaborations suivront et, toute sa vie, Chagall ne cessera de travailler la lithographie ou la gravure sur métal pour insuffler au livre cette aura de la couleur, du rythme et de la danse des formes. Donner vie aux mots, retrouver l’âme originelle du verbe, se mesurer aux mythologies, à la dramaturgie de la violence ou de l’amour, tels sont les gestes que l’artiste façonne pour embrasser le monde dans son éternité, l’étreindre pour en diffuser tout le mystère. Tour à tour moralisateur, poète et artisan, Chagall restera le peintre qui prête sa voix aux forces occultes de l’univers. L’exposition propose un voyage parmi la centaine d’œuvres originales et de tirages limités que Chagall réalisa pendant soixante ans auprès des éditeurs les plus prestigieux, Tériade ou Aimé Maeght. C’est aussi dans ses propres poèmes que se dessine ce lien fragile entre le mot et la figure: «Dans mes tableaux / J’ai caché mon amour / J’habite ma vie / Comme l’arbre la forêt». Chagall avait aussi écrit: «L’art c’est l’effort inlassable d’égaler la beauté des fleurs sans jamais y arriver». La rencontre du livre et de la peinture fut aussi ce pas dans la conquête de cet impossible.

Fondation Hartung-Bergman, Antibes

 

«Les archives de la création»

Du 11 mai au 30 septembre 2021

Le blanc des murs se heurte au bleu du ciel. A peine la pureté géométrique des édifices qui composent la Fondation est-elle altérée par les vagues d’oliviers multicentenaires qui semblent inscrire dans l’éternité du temps l’œuvre d’un couple d’artistes majeurs du XXe siècle, Hans Hartung et Anna-Eva Bergman. Ici la couleur se confronte à l’espace de même que la peinture de l’un se disputait à la peinture de l’autre - histoire de rencontre et de désaccord, de contraste ou de fusion, tout ce qui fait qu’une vie se grave dans la force d’un tableau.

La Fondation Hartung-Bergman héberge ce récit qui nous est conté à travers son exposition inaugurale, «Les archives de la création». De nombreux documents - lettres, croquis, carnets - relatent les sources de l’inspiration, les amitiés, le quotidien des artistes en apportant un éclairage inédit sur les œuvres présentées. C’est aussi pour la Fondation, une ère nouvelle puisqu’elle s’ouvre enfin au public après deux années de constructions et d’aménagements.

Sur les hauteurs d’Antibes, le couple fait l’acquisition d’un terrain en 1961 sur lequel, selon le plan d’Hartung, seront bâtis une villa, des dépendances et autres ateliers. Aujourd’hui, après une totale rénovation des lieux et la création d’un bâtiment d’accueil, la Fondation s’imprègne, par son environnement et son architecture, d’une énergie toute méditerranéenne qui donne corps à la peinture tumultueuse de Hans Hartung et à celle d’Anna-Eva Bergman, toute en légèreté et en lumière. Deux œuvres très différentes pour une même quête passionnée de l’abstraction. Contempler leurs œuvres dans un tel lieu c’est pouvoir les interpréter en relation avec le contexte à partir duquel elles ont été conçues. C’est retrouver la pureté des lignes et la minéralité lumineuse de la peinture de Bergman, l’incandescence du geste saisi dans le vif des projections d’Hartung. Ici la couleur explose là où la nuit s’éteint. Des instants solaires surgissent mais aussi l’ombre dramatique de l’exil et de la guerre. Et toujours cette perfection d’un espace en accord avec la volonté de faire émerger un langage inédit, de réinventer le regard, de donner rythme au monde. Ici la peinture est vivante, elle coule dans les veines du quotidien, elle éclabousse les murs de l’atelier avant de se fixer sur les cimaises d’un salon. Et dans chaque pièce de la Fondation, le cadre paisible d’un paysage répond à l’abstraction glorieuse de la peinture.

Toujours et encore l’art est ici un hommage sublime à la vie, à la beauté toujours recommencée.