Eric Poitevin, «Quelques images»

 

Le Narcissio, Nice

Jusqu’au 2 septembre 2023

Éloge de la fragilité

Associer l’image à un article indéfini comme le suggérerait le titre de l’exposition, traduit déjà la prudence d’une démarche et son incertitude dans l’appropriation du réel. Comme si, à celui-ci, le photographe opposait un effet de vérité fondé sur la réflexion plutôt que sur le réflexe traditionnel du capteur d’images qui voudrait en saisir un fragment pour le charger d’une narration tout en l’esthétisant. Ces «quelques images» d’Eric Poitevin présentent un panorama d’œuvres photographiques, sans hiérarchie aucune, sur une évolution de plusieurs décennies dans une grande variété d’approches et de thèmes. Car c’est bien d’un temps long qu’il s’agit, celui d’une pensée qui se construit sur la mémoire et l’histoire de la peinture à laquelle elle se confronte avec ses principaux genres, le nu, la nature morte ou le paysage.

Dans la lenteur du travail et du silence qui l’implique, voici des photographies minutieusement composées pour dévoiler ce que l’œil ne perçoit pas. Nature et artifice coïncident alors tout en se neutralisant. L’image d’une beauté perturbante se voit dépouiller de son sujet comme si l’artiste n’avait d’autre ambition de la réduire à un objet et à sa mise en scène. Quand il s’agit de corps, ceux-ci sont traités à l’égal de masses désincarnées dans des postures inédites qui leur interdisent toute interprétation psychologique, toute tentative de récit pour les livrer à la seule nudité de l’image.

Dans une approche quasi métaphysique, Eric Poitevin parle de cette solitude des êtres et des choses qui est aussi celle de leur représentation. A l’instar des grands peintres, il cherche la nervure invisible, la membrane secrète qui se dérobe à notre regard. La photographie tient alors parfois à un fil qui lui donne sa densité, à un espace ouvert et neutre pour placer son sujet dans un autre rapport au monde que celui que nous attendions. Parfois des traits de graminées écrivent cette existence qui nous était inconnue. Ailleurs des taches sur un torse boursoufflé diffusent leur étrange beauté par les vagues de chair qui s’insinuent dans un espace déserté. Toujours ce vide qui se heurte à l’objet auquel il se confronte. Qu’il photographie un animal, un trophée de chasse ou un sous-bois, ce sera toujours cette logique impitoyable d’une perte existentielle comme si une chose égalait toujours à une chose et toujours dans le même dénuement. Mais celui-ci rayonne dans son murmure: Pouvons-nous voir le monde tel qu’il est? Loin d’un seul regard photographique, Eric Poitevin extirpe par la frontalité de ses cadrages, la peau des choses.

«Chagall et moi», Volet II

 

Cinquantenaire du Musée national Chagall, Nice

Jusqu’au 4 septembre 2023

Quelque soit l’artiste, il importe de le comprendre aussi bien dans le temps de son parcours créatif que pour l’importance de son œuvre à travers un regard contemporain. Cinquante ans après son inauguration, le Musée Chagall se devait donc de retracer l’itinéraire de l’artiste tout en l’actualisant par le biais de la musique ou de la littérature. Pour s’inscrire dans les pas de Chagall, autant retracer les principales étapes d’une vie sous le signe de l’exil et de l’errance. Et pour ce faire, quoi de mieux que de se glisser dans ses images pétries de rêve et de réalité, de sa jeunesse russe jusqu’à son installation sur la Côte d’Azur!

C’est là que l’artiste coréenne, Keong-A Song s’empare du fil biographique de Chagall dans une série d’illustrations réalisées à l’encre de Chine et à l’aquarelle. Le dessin fourmille d’une multitude de détails tour à tour symboliques ou imprégnés de réel. Sur un mode naïf et émerveillé, l’artiste multiplie les figures fantastiques, les associe à des paysages, à des scènes quotidiennes, au chant d’un coq d’où s’éveillent les ailes d’un ange. Toute la poésie et l’envol lyrique de l’univers de Chagall sont ici retranscrits sous forme d’un voyage dans le temps avec ses percées dans l’imaginaire. En une douzaine de dessins, c’est toute l’œuvre de Chagall qui se nourrit alors d’un souffle nouveau.

Mais ce Musée fut pourtant jusqu’en 2008, celui du «Message biblique». Aussi Frédéric Boyer, écrivain et traducteur de la Bible, s’est-il associé au dessinateur Serge Bloch pour traduire les mots en images car, dit-il, «Les mots anciens sont comme des images perdues». Des suggestions de formes empruntées à l’imagerie de Chagall se greffent à des écritures et s’éveillent ou se déchirent entre ombre et lumière. Et tout cela résonne en écho avec les œuvres de Chagall quand celui-ci convoque anges et démons pour dire la réalité du monde. Et si la peinture n’y suffit pas, autant lui insuffler de la musique. «Wave creation» est cette création musicale d’Ilia Osokin qui semble s’exhaler du vitrail de «La création du monde» dans l’auditorium du Musée. Dans un entrecroisement de sonorités hybrides, les notes, par séries, se confondent ou se séparent dans de lents tourbillons qui nous absorbent dans leur élévation. Et comme apothéose d’une orchestration sensorielle, il revient au parfumeur Jean-Claude Ellena d’associer certains tableaux du Cantique des cantiques à des essences de roses. Formes et couleurs s’évaporent dans un nuage de parfum et Chagall demeure encore le chantre du bonheur et de l’envol.

Fondation Hartung & Bergman, Antibes.

«Entre rêves et science»

Fondation Hartung Bergman, Antibes

Jusqu’au 25 septembre 2023

                                                               Anna-Eva Bergman

«Entre rêves et science», c’est cet instant où, au seuil du réel et du sensible, le geste de l’artiste rencontre l’imaginaire, se confronte à la matière et à l’infini dans la quête d’une totale abstraction. Cette passionnante aventure qui fut celle de Hans Hartung et de Eva-Anna Bergman nous est maintenant racontée dans la Fondation éponyme à Antibes.

Hans Hartung vient d’Allemagne. A 22 ans il s’installe à Paris et, plus tard, il combattra durant la guerre contre son pays et il y perdra une jambe. En 1929, il rencontre Bergman qui arrive de Norvège; ils se marient, s’installent à Minorque et tous deux se laissent absorber par la lumière méditerranéenne et la force tellurique qui pénètrent leur peinture. Mais neuf ans plus tard, ils divorcent. Pourtant quinze ans après, ils se retrouvent et se remarient. Ils vont alors édifier ces bâtiments qui deviendront la Fondation Hartung Bergman.

A flanc de colline, entre pentes d’oliviers et lumière crue, se déploie la blancheur géométrique de la villa et des ateliers du couple. A elle seule l’architecture cristallise cette fascination pour un espace lié au ciel, à la pureté des angles et au trouble de la couleur. Elle répond pour Hans Hartung à cette aspiration pour l’illimité tout en s’inscrivant dans une proximité avec les mathématiques ou l’astronomie. Comme Pascal, il se passionne pour «le silence éternel de ces espaces infinis», mais il peint ceux-ci avec fougue, en révèle aussi bien les lignes d’horizon que les profondeurs vertigineuses. Parfois la toile vibre d’une couleur quasi monochrome, parfois elle s’anime d’une explosion chromatique et d’un jet d’étoiles dans un ciel déchiré. Conservé à l’identique dans la Fondation, l’atelier du peintre témoigne de cette puissance créatrice par la confection d’outils incongrus et de dispositifs inédits pour une œuvre hallucinée dans sa volonté de saisir astres et trous noirs à travers des explosions graphiques tandis que l’artiste célèbre «le silence éternel» tout en s’assourdissant de la musique de Bach.

Cet espace cosmique fut aussi l’obsession d’Anna-Eva Bergman. Elle partage avec son mari cette fascination pour l’inconnu mais dans un cheminement plus méditatif aux confins de l’alchimie et d’une exigence spirituelle. Plus littéraire et venant de l’illustration, elle s’adonne davantage à des recherches sur le nombre d’or et aux courbes ou aux lignes épurées. Si l’horizon apparaît, c’est par la grâce d’un trait qui traverse la toile pour en dégager les plans de vide et de plein. La quête d’une harmonie fondatrice s’imprime sur une feuille d’or ou d’argent que l’artiste travaille dans ses aplats et dans la douceur de ses plis ou de ses aspérités. Avec Hans Hartung elle partage cette même attirance pour les profondeurs de l’espace mais de façon plus mesurée et intellectuelle en s’intéressant aux cosmogonies et aux grands mythes universels. Avec comme pour Hartung, la même  admiration pour Fra Angelico dont elle percevait, disait-elle, «une piété cosmique».

                                                             L'atelier de Hans Hartung