Anne- Sophie Viallon, "Draw somewhere else"

Plus que tout autre récit, le conte assemble des images. Celles-ci plongent dans des conventions du passé pour en extraire une charge symbolique de portée collective. Aussi chaque image d'Anne-Sophie Viallon contient-elle une radiographie d'un état de mémoire, d'un filament de vie où circulent des rudiments d’histoire saisis à leur source, dans un souffle primitif avant même que l'énonciation impose sa trame.

Cette image décomposée, incomplète, abandonnée à son incertitude, déborde alors de son cadre, contamine l'espace qui la supporte. Est-elle dessin, aquarelle, tâche ou même tapisserie ? Et quel autre statut pour elle sinon que de révéler cet ancrage premier de tout langage dans l'essence même du visuel ? A l'origine de toute écriture, il faut retrouver un morceau du monde, un animal, observer la courbe d'une herbe, la fourche d'une branche, les contours d'un corps et cette géométrie où tout finit par se fondre. Mais pour un récit, à l’écriture il faut adjoindre des couleurs et là encore, celles de la nature, nous les transformons, et l'artiste s'empare d'elles et les façonne à partir de nos codes culturels, nos rites coutumiers.

Dans les œuvres d'Anne-Sophie Viallon le rose et le bleu traversent ainsi souvent l'image comme des tâches imbibées par cette assignation sexuée imposée comme un fer rouge sur une peau. L'image porte en elle-même les stigmates d'une déchirure qui est celle d'un arrachement au réel avant que toutes les conventions culturelles et sociales ne s'en emparent pour le formuler dans une traduction conforme. A cet univers subi, l'artiste oppose l'image dans sa crudité, les contours voilés des êtres et des choses, les fils qui taraudent la surface, ligaturent, ou bien s'élancent dans l'espace tels des fils de la vierge. Parfois ils percent le papier ou le tissus et l'on imagine le sang, parfois ils étranglent et l'on voit une syntaxe qui s'assèche, le récit qui vacille et s’essouffle. Le monde est alors cotonneux, il bave des teintes légères et sourdes, il se dépose en flocons de réalité qui fondent au fur et à mesure que l'on veut s'en saisir.

Les œuvres d'Anne-Sophie Viallon distillent ce parfum vénéneux d'une mémoire qui voudrait sonder dans le réel une vérité impossible. Là où l'on cherche la sécurité d'un récit construit, d'un sens, on ne trouvera que des traces lacunaires et de faibles lucarnes vers la lumière. Le monde est bercé par des fantômes de fleurs, il se blottit dans des bras introuvables, il porte le deuil d'une belle histoire qu'on voudrait se raconter. Les dessins en sont le reflet. Parfois jaillissant sur le mur comme les éléments d'un puzzle ou, ailleurs, engoncés dans l'encadrement d'un col de chemise découpé. L’œuvre est physique, elle ruisselle à la fois corps et paysage, elle est le souffle d'un jour qui naît ou qui s'achève. Saisir ce battement imperceptible de la vie, cet instant où le dessin en lui-même désigne ce tremblement...

Moving Art Gallery, 24 rue Paul Déroulède, Nice

Jusqu'au 18 janvier 2020 (Sur rendez-vous)

Lars Fredrikson MAMAC Nice

Il advient parfois que la trajectoire d'un artiste oscillant de l'ombre à la célébrité, épouse la forme de son œuvre. Né en Suède en 1926, Lars Fredrikson fut un chercheur inlassable qui poursuivit sa quête du réel à travers des périodes de notoriété et des séquences d'oubli qui n'altérèrent en rien son obstination à décrypter la réalité sensible, à lui donner corps, à entrer par effraction dans le réel afin d' explorer ces diffractions par lesquelles celui-ci agit sur les phénomènes qu'il diffuse et, par extension, ce qu'ils impliquent sur nous-mêmes. Ainsi jusqu'à sa mort en 1997, Lars Fredrikson ne cessa d'expérimenter dans le spectre de l'art et de la technique tous ces champs, ces flux, par lesquels les pulsations lumineuses ou les ondes sonores - quand ce n'est pas par le biais du vide ou du silence – tissent le substrat d'une réalité dont il convient d'exhiber l'essence et de formuler l'invisible.

En 1960, Lars Fredrikson s'établit dans le sud de la France. Il possède déjà une formation de peintre dont rendent compte quelques belles toiles abstraites marquées par l'influence de la peinture américaine d'alors et de la calligraphie chinoise et japonaise. Inspirée par la philosophie extrême orientale, son œuvre reste cependant marquée par son éducation scientifique et, plus précisément, ses connaissances en électronique lorsque, avant son installation en France, il fut ingénieur radio dans la marine marchande. Dès lors, l'artiste joue de tous les dispositifs pour introduire l'interaction d'une décharge lumineuse ou d'un simple point comme pour élucider ce qui échappe à notre rationalité mais qui pourtant, agit sur notre corps. Car ce travail d'apparence austère s'exerce sur le sensible et notre relation intime à l’espace qui le façonne. Ainsi de vastes sculptures d'acier inox, martelées, pliées, gravées, mettent en immersion le visiteur saisi dans ses propres déformations dans une grammaire de traces, de particules ou d'incisions qui le déstabilise pour établir une autre relation à lui-même, à son environnement et à l’œuvre d'art.

Parfois à l'intersection de l'art cinétique et de Fluxus, Lars Fredrikson utilise des dispositifs illusionnistes, ou bien il s'inscrit dans la trame du vivant, du flux, de l'aléatoire. A la recherche d'un art total, il détourne à l'instar de Nam June Paik des téléviseurs. Il introduit le son dans l’œuvre mais contrairement à John Cage, il récuse toute notion de musicalité. Le son reste une pure matérialisation de la captation des phénomènes qui rythment l'univers mais auxquels nous demeurons aveugles.

Le réel s'affronte ici au virtuel par l'entrelacement des jets, des griffures ou des fulgurations. Le mouvement sonde le vide, formule des hypothèses. L'espace se trouble alors de cette immatérialité qu'il désigne. Plus de deux cent œuvres et documents - des collages, des gravures réalisées sous l'auspice d'Adrien Maeght dans sa Fondation, des encres déchirées par la lumière, des pulsations de fréquences balaient cet écran où le réel se débat. Parasitage et saturation entrent dans la danse, les nervures de la météorologie, les ondes radioamateurs se diffusent et sondent l'intériorité de l'espace et des êtres. Tout est rythme, passage, disparition et l’œuvre de Lars Fredrikson en figure l'empreinte mouvante.

Jusqu'au 22 mars 2020

Gustave Courbet et Yan Pei-Ming, « Corps à corps »

Le réalisme à l’œuvre.

Six générations les séparent mais dans ce « corps à corps », Yan Pei-Ming se mesure à son aîné par un raccourci brutal dans le temps pour raviver la peinture de Courbet, non pour l'actualiser mais plutôt pour en extraire cette puissance que l'on jugea souvent scandaleuse.

Il fut le peintre du quotidien et des petites gens qu'il éleva à un rang héroïque et la peinture d'histoire s’effrita alors pour s'ouvrir à des compositions réalistes avec de vrais paysages, des animaux, une réelle sensualité et une parfaite humanité. On ne peut travailler dans l'ombre de Courbet : il faut un face à face pour revitaliser sa matière, faire revivre ses personnages et c'est, en quelque sorte, les yeux dans les yeux que l'artiste franco-chinois s'installa dans l'atelier du maître. Le portrait de Courbet qu'il réalise alors en est la parfaite métaphore.

Il en conçut une quinzaine de toiles monumentales qui répondent à dix œuvres majeures de Courbet. présentes dans les collections du Petit Palais. A la biographie du maître, il superpose ses propres souvenirs et, au lieu du paysage franc comtois, il oppose sa Chine originelle. De cette confrontation du temps et de l'espace, la violence est de mise. Les toiles autobiographiques de Yan Pei-Ming, tout en grisaille et dans un noir et blanc expressionniste à la lisière de l'abstraction, dénudent la peinture de Courbet, dévoilent son extraordinaire puissance. Le passé de Yan Pei-Ming, ses souvenirs, son quotidien reviennent comme de vieilles photographies dans un contexte chinois empreintes d'une profonde humanité. A l' « Enterrement à Ornans », il répond par des peintures évoquant les obsèques de sa propre mère.

Un contact physique se noue entre les deux artistes. Une même virulence les anime pour faire surgir de l'image la vie réelle, pour interpeller le monde, se heurter au destin, creuser des sillons pour l'avenir. La vie quotidienne pour chacun d'eux est une révélation pour peu qu'on sache la peindre. Et c'est dans une matière tourmentée, presque sauvage, que Yan Pei-Ming parvient à parler la peinture de Courbet, non pour la commenter mais pour assurer la vitalité d'un engagement, assumer un héritage dont il faut être digne. Assurément la dignité fut le mot que Courbet eût aimé. Avec une réelle franchise, les univers des deux peintres s'observent sans concession et l'art se déploie dans toute sa force.

Petit Palais, Paris

Jusqu'au 19 janvier 2020

Palais de Tokyo, "Futur, ancien, fugitif. Une scène française"

Nina Childress

« Futur, ancien, fugitif. Une scène française ». Le titre d'une exposition aura rarement autant présidé à l'orchestration des œuvres présentées. Très diverses dans leurs formes comme dans ce qu'elles diffusent, celles-ci établissent un état des lieux selon le regard d'une quarantaine d'artistes français nés entre 1930 et 1990. Chacun d'eux dispose désormais de sa propre histoire par l'esprit de l’œuvre qu'il s'est forgée mais ce passé détient surtout les clés d'un futur et ce n'est pas le moindre mérite de cette exposition que de nous permettre de l'appréhender et d'en subodorer déjà les prochains développements possibles. Car tout est hasardeux, éphémère, « fugitif » et l'artiste n'est que l'élément d'une scène toujours en construction quand œuvres et créateurs s'interrogent et se répondent mutuellement dans des jeux d'attirances ou d'oppositions grâce auxquels vibrent toutes les cordes du vivant.

Parce que tous ces artistes sont restés atypiques, hors des modes et agissent sous les radars qui auraient pu consacrer leur célébrité, cette riche exposition du Palais de Tokyo permet de proposer, plus qu'un bilan, une nouvelle lecture de l'activité artistique en France de la deuxième moitié du XXe siècle jusqu'à aujourd'hui. Loin des grands mouvements qui ont pu structurer la scène française, l'exposition retrace le parcours d'individualités fortes pour un récit qui s'inscrit dans l'épaisseur du temps, de ses strates, comme autant de possibilités pour défricher le présent, en proposer une autre visibilité. Il serait vain de chercher quelque analogie, par exemple, entre les fascinantes toiles de Nina Childress - par leur tension narrative et cette lumière folle qui désarticule les formes et les corps - et le travail d'Adrien Vescovi en relation avec l'histoire de la peinture, ses supports et les aléas de la nature et du temps sur la production de l’œuvre. D'un artiste à l'autre, sur des chemins parallèles, peinture ou teinture, les créations se croisent et tissent un réseau de fils pour traduire ce qui nous relie au monde pour, chaque fois, un regard nouveau ou la fulgurance d'une nouvelle hypothèse.

On se cogne à la froide absurdité du monde avec les portraits de Jean-Luc Blanc, on se raccroche à de folles cosmogonies avec les dessins et pastels de Corentin Grossman quand ce n'est pas Alain Séchas qui, par le biais du quotidien, déconstruit avec humour notre catalogue des idées reçues. Mais comment citer ici tous ces artistes qui jouent dans ce vaste concert, sa propre partition ? Donc il faut les voir, un par un, les penser chacun dans sa relation à l'autre et l'exposition restera alors, à coup sûr, l'une des plus passionnantes que le Palais de Tokyo nous aura proposée.

Palais de Tokyo, Paris, jusqu'au 5 janvier 2020

                  Jean-Luc Blanc

Guy Bourdin, « Zoom »

Jusqu'à sa mort en 1991, Guy Bourdin utilisa la photographie non pour s 'emparer du réel mais pour le transformer. Pour cela il investit la publicité et la mode en en déjouant les codes et les conventions, en ne s'interdisant rien pour puiser dans tous les méandres de l'imaginaire. Corps et décors se toisent alors, se confondent ou se désunissent : Tout l'art de Guy Bourdin réside dans cette fascination du corps en décalage avec son environnement. Souvent réduite à une prothèse, une jambe ou une main, la synecdoque renvoie alors à un paysage mental que le spectateur recompose. On pense à Magritte, à ses inversions de sens, à ses compositions en creux pour mettre à plat le mystère de chaque chose. Le photographe joue de l’illusionnisme et de l'outrance, l'image est décadrée, la sophistication est à son comble, la couleur jubile, l'inspiration surréaliste se livre librement entre humour et provocation.

Grâce à Man Ray, il collabora durant une trentaine d’années au magazine Vogue. Il révolutionna la photographie de mode en substituant à sa finalité commerciale et à la seule présence du produit, un imaginaire cinématographique. Chaque image contient un récit, une béance irriguée par des fantasmes qui transforment le spectateur en voyeur et le photographe en metteur en scène fétichiste pour des chaussures de Charles Jourdan et pour des objets de bien d'autres marques. Dans l'univers séduisant de la publicité, Guy Bourdin introduisit le sexe et la violence. Dans les coulisses du luxe et de la beauté, le sang mauvais du rêve griffe l'image. Le vernis rouge d'un ongle ou d'une chaussure explose dans la douceur d'un paysage. La répétition d'un même motif souligne l'angoisse obsessionnelle. Douceur du poison et part maudite sont ici tapies au cœur de la beauté.

Plus qu'un photographe Guy Bourdin fut un explorateur de l'image. Il travailla sur sa forme, il la décomposa pour en extraire sa substance et la nourrir de ses propres fantasmes. Si l'image publicitaire idéalise l'objet, Guy Bourdin parvint à le rendre désirable par sa seule lumière sombre et la troublante irruption de l'imaginaire.

Musée de la photographie Charles Nègre, Nice

jusqu'au 26 janvier 2020

« Nous les arbres », Fondation Cartier

Paris, jusqu'au 10 novembre

   Fabrice Hyber

Ils sont vivants, ils nous parlent, ils nous interpellent. Les arbres sont aussi l'ombre de nous-mêmes, enracinés dans la terre, la tête dressée contre le ciel. La nature, les artistes l'ont si souvent peinte mais voici que, dans l'espace de la Fondation Cartier, elle traverse le miroir de la représentation pour venir à nous, nous faire confidence de cette intimité qu'elle dévoile par son intelligence propre et ses capacités sensorielles. Philosophes, botanistes et artistes entament ici un dialogue fécond avec les arbres, leur murmure, le frémissement d'un feuillage ou le râle d'un tronc qu'on abat.

Au rez-de-chaussée, de vastes toiles de Fabrice Hyber donnent le ton : La voix de l'arbre se fait entendre. C'est lui qui répand son coloris, l'excroissance de ses formes dont l'artiste extrait la sève ou les radicelles de ses nerfs. Il imagine le rayonnement de son énergie, il en capte tous les indices et pourtant c'est aussi cet arbre qui nous soumet à sa propre représentation de nous-mêmes. L'arbre réalise ici une forme d' autoportrait et nous y percevons une image de ce que nous sommes. L'universalité du vivant, tel est le fil rouge de cette peinture qui inaugure l'esprit de toute cette exposition.

Qu'ils soient perçus d'un point de vue scientifique, écologique ou poétique, les arbres sont les héros d'une aventure de laquelle nous ne sommes jamais absents. Chênes ou roseaux, métaphores de nous-mêmes, ils nous renvoient à notre propre diversité, à la multiplicité de nos visages et de nos cultures. Mais en même temps, ils sont le signe de ce qui nous relie aux autres et à l'univers. La force muette des arbres résonne ici dans les œuvres réunies dans un même souci de faire éclore la voix du botaniste mêlée à celle de l'artiste. On y rencontrera des dizaines de créateurs de tous les continents. Dessins, vidéos, photographies ou peintures illustrent une même volonté d'entrer dans la peau de l'arbre, de le comprendre et de le protéger. Poétique et politique se confondent ici comme les vastes compositions de Johanna Calle ou les œuvres vidéo et sonores de Paz Encina.

Le jardin reste bien sûr le lieu privilégié pour cette rencontre avec l'arbre. Entre des souvenirs d'Agnès Varda et une superbe sculpture en bronze de Giuseppe Penone, le visiteur flâne dans ces lieux de rêverie et d'émerveillement quand les œuvres d'art se déploient dans l'intimité de la nature.

                                  Charles Gaines

Katinka Bock, « Tumulte à Higienopolis »

Jusqu'au 5 janvier 2020

Lafayette anticipations, Paris

Elle a fait partie des nommés pour le prix Marcel Duchamp 2019 et ses travaux s'articulent avec un lieu spécifique dont elle sonde les propriétés à partir de sculptures, installations et performances. Katinka Bock met donc en relation deux architectures, celle de la Fondation d'entreprise Lafayette - un ancien bâtiment industriel du XIXe siècle rénové par Rem Koolhass - et celle du Anzeiger Hochhaus, siège du journal éponyme, achevé à Francfort en 1928 et qui fut l'un des plus hauts bâtiments d' Europe. C'est là qu'en 1947 sortira Der Spiegel qui ambitionna de redonner à l'Allemagne les conditions d'un débat démocratique.

Donc une architecture et une histoire spécifique servent de passerelle à Katinka Bock pour explorer les relations entre un espace, son rapport au temps et à sa fonction sociale. L’œuvre qui en résulte est une lecture matérielle de ces conditions à priori. La pièce centrale, une sculpture de 9 m de hauteur, se développe à partir des feuilles de cuivre du dôme de l'Anzeiger que l'artiste récupéra avec ses blessures causées par les bombardements ou par les vicissitudes de la météo ou du temps qui passe. Ces feuilles, par leur disposition, sont aussi la métaphore de celles qui sortirent des rotatives du journal. La sculpture est enserrée dans un vide vertical et se déploie en s'ouvrant dans l'espace comme une enveloppe qui détiendrait un récit que l'artiste nous laisse pourtant imaginer. C'est là toute la subtilité de son travail : Ne montrer que les traces et la matière de son exécution, sculpter un signifiant pour laisser en jachères le signifié qu'il nous appartient de construire.

Autour de cette sculpture, « Rauschen » (Ressac), s'organisent toute une série d'interventions comme autant de reflets d'une vie sociale passée, d'une activité économique d'où toujours surgissent les empreintes du vivant. Usant de tous les matériaux, de tous les points de l'espace - sol, plafond ou saillie d'un mur – jouant avec discrétion de l’illusionnisme et confrontant l'immensité d'une sculpture avec des brides de sens constitués par exemple d'un gisant et de feuilles de céramique évoquant celle d'un journal, l'artiste permet au temps de refaire surface. Avec ses vides, ses rides et ses pliures, le temps se donne ici comme un récit ouvert, un espace à vivre.

"Gaïa, que deviens-tu?" 20 artistes internationaux

Maison Guerlain,

Paris, jusqu'au 8 novembre

        Fabrice Monteiro, Prophecy#6                         

De nombreuses expositions soulèvent désormais la question cruciale de l'environnement et de la préservation de la planète. Et partout on célèbre les arbres, on explore la nature dans toute sa diversité. Vingt artistes internationaux proposent leurs solutions plastiques à la Maison Guerlain dans le cadre de la FIAC pour répondre à ces enjeux.

Penser la nature c'est aussi envisager des formes, composer un paysage. Chen Duxi se réfère à la peinture chinoise pour relier le corps à la nature à partir de lignes se modulant autour du plein et du vide. Le détail, le microcosme sont ici la figure de la totalité du monde ou sa métaphore. Eva Jospin taille dans le carton des arbres entremêlées pour une forêt enchantée et pleine de pièges. Elle est un lieu initiatique et le matériau employé pour le révéler répond à des impératifs économiques et écologiques. Dans un tout autre registre, Douglas White présente une étonnante sculpture avec une couronne de racines qui rayonne sinistrement autour d'un pneu éclaté. Cette œuvre « Black sun », soleil noir de la mélancolie comme l'aurait écrit Nerval, nous soumet à une méditation sur la mort et la renaissance, l’accidentel et les lois naturelles. L'artiste participera à la prochaine édition du Festival OVNI à Nice de même que Lucy et Jorge Orta qui présentent ici un parachute de largage fait de drapeaux de plusieurs nations et d'un assemblage hétéroclite de vêtements et d'ustensiles liés à la survie possible de l’humanité en relation avec la solidarité humaine. Une vision optimiste que partage sans doute Otobong Nkanga à travers son regard sur la notion de territoire et de valeurs culturelles. Ceci tranche donc avec l'œuvre Sigismond de Vajay, sombre dans sa description d'un monde rongé par les ruines et la mort.

Au-delà de la qualité des œuvres choisies, le décor baroque et luxueux de la Maison Guerlain agit sur elles par contrepoint et leur permet d’acquérir cette puissante tonalité d'ensemble qui leur donne sens. Le luxe, la beauté, le parfum seraient-ils aussi menacés par cette pollution dont nous sommes tous responsables ?

Noël Dolla, Point à la ligne

Comment structurer un espace sans en découdre avec ses formes antérieures, sans en déterminer ses lignes de force, ses contraintes et sa finalité ? C'est à cette recherche que, depuis des décennies, se consacre Noël Dolla. Dans l'espace de la galerie parisienne Ceysson & Bénétiere comme dans le grand bassin du jardin des Tuileries, l'artiste explore les modalités de la peinture quand celle-ci n'est plus seulement déposée sur la toile mais qu'elle relève d'une construction mentale qui engage tout à la fois le corps, l'espace et le temps.

Dans la galerie, c'est une forme de ligne mélodique qui structure le lieu. Mais une ligne brisée par une série de points qui clôturent l'espace ou, au contraire, l'ouvrent tels des hublots pour de nouvelles perspectives. Le point d'impact, le cercle, la trouée, l'auréole sanglante scandent une matière pauvre. Et c'est aussi une « mise au point » sur la peinture elle-même. L'espace tour à tour s'élargit ou se réfracte quand, du sol au plafond, la peinture explose, quand des triangles translucides et perforés déroutent le regard ou la cible. Car ici, dans cette série « Snipers », la peinture est avant tout un combat. Elle n'est pas sans blessure, œil crevé, toutes ces meurtrissures sales que l'histoire dépose sur le monde. Noël Dolla y appose sa colère, déchire les tissus, panse les plaies avec des bandes de tarlatane. La peinture jaillit d'un fusil à air comprimé, elle souille de son sang le corps de la toile dans ces taches que l'artiste appelle les « fleurs du mal ».

Dans le grand bassin du jardin des Tuileries, Dolla se confronte, cette fois-ci sur un mode poétique, à l'histoire de la peinture. Le point est ici rendu par la circularité de quelques cinq cents parapluies immergés dans une eau trouble. La surface mouvante de cette eau est seulement déchirée par leurs embouts et s'anime de figures dans lesquelles nous retrouvons les nymphéas de Monet tels qu'ils apparaissent dans le Musée de l’Orangerie qui jouxte le bassin. Et dans ce « Nymphéas Post déluge II », ponctué d'auréoles rouges, Noêl Dolla nous offre la création la plus saisissante de la programmation hors les murs de la FIAC 2019.

Galerie Ceysson&Bénétière, Paris, jusqu'au 7 décembre 2019

"Arbres, l'intime échange", Centre Art Contemporain Châteauvert.

« Arbres, l'intime échange »

Centre d'Art Contemporain Châteauvert

Albane Hupin, "Silva"

A travers ses larges baies vitrées, le Centre d'Art contemporain entre en résonance avec la nature et les arbres qui l'environnent . Entre leur réalité et leur artefact à l'intérieur du Centre, une relation intime se noue au travers de la vie végétale et de la sensibilité de l’artiste. Dans ce partage du vivant, l'arbre est saisi dans ses aspects matériels quand il distille la lumière ou, au contraire lorsque les feuillages l'absorbent pour la confondre dans l'opacité d'une masse. Mais les arbres, ce sont aussi des formes et des couleurs, et aussi des mythologies et des cultures quand en Afrique, sous leur ombre, se jouent la palabre ou les fils inextricables de la magie.

Regards, méditation, réflexion sur notre relation au végétal, telles sont les attitudes déployées par les artistes pour rendre compte de leur dialogue fécond avec les arbres. Avec leurs racines, écorces ou feuillages, leurs corps sont en prise avec le nôtre. Ils jalonnent des errances poétiques ou délivrent l'écho mystérieux de la forêt primitive. La diversité de la nature répond ici aux multiples approches des 15 artistes qui s'en saisissent. Par la peinture, Emmanuel Billon figure l'arbre au travers de l'imaginaire, dans son rapport au mysticisme et à la mort. La couleur est somptueuse dans sa brume et la matière végétale s'évapore dans une auréole lumineuse. A l’inverse, les peintures d'Yves Conte pensent l'arbre physiquement, dans sa totalité et son rapport à l'espace. Mais sa matérialité renvoie aussi l'image d'une culture dont nous ne pouvons nous affranchir. Gérald Thupinier quant à lui se livre à un corps à corps avec les feuilles qui se fondent dans l'épaisseur de la matière picturale et les signes sont comme le présage des mots. Alexandre Hollan célèbre un échange silencieux et contemplatif avec l'arbre dont il éprouve la densité ou bien la fragilité des brindilles et des nervures. Il y a aussi le superbe reflet de l'arbre caressé par le vent dans une flaque de lumière sombre dans l’œuvre d' Henri Olivier et ces somptueux panneaux d'Albane Hupin qui absorbent l'arbre dans sa sève quand elle les teint à partir de décoctions d'écorces de chêne et de noix de galle.

Toute l'exposition célèbre cette expérience de l'intime entre l'arbre et l'artiste. Celle-ci prend tout son sens dans la présence d'une pelle « 7000 Eisen » de Joseph Beuys qui nous rappelle qu'elle servit à planter 7000 chênes. L'art est ici une action, un événement qui agit au cœur de la vie pour une une renaissance possible : Un art écologique.

Elodie Barthélémy, Joseph Beuys, Emmanuel Billon, Sylviane Bykowski, Yves Conte, Charlotte Agnès Dugauquier, Alexandre Hollan, Albane Hupin, Angelica Julner, Charlotte B.Lacordaire, Michel Loye, Christian Nironi, Henri Olivier, Yoyo Sorlin, Gérald Thupinier

Emmanuel Billon, "Danse macabre"

Jusqu'au 1 décembre 2019