Jean-Marc Scanreigh, « Une figuration abstraite »

Galerie Laurent & Laurent, Nice

Jusqu’au 3 décembre 2022

Voici un monde diablement tordu saisi au seuil d’un songe dans lequel rêve et réalité se confondent aussi bien par le surgissement des figures que dans le fantôme de leur disparition. Les peintures ou dessins de Scanreigh ne sont jamais en repos, elles s’agitent, inquiètes ou rieuses, dans des lignes hachurées qui se narguent et des couleurs qui se querellent. L’artiste sonde ainsi ce point invisible de l’image, en retrait de toute pensée, encore assoupi dans les méandres d’une caverne ou d’un cerveau à moins qu’il ne résonne dans une danse infernale et primitive dont la déflagration s’inscrit dans le corps même de la peinture. Le corps biologique n’est plus alors qu’un masque, une boursoufflure bouffée par les rats, les monstres ou des oiseaux maléfiques. Et l’art exhibe ici ce qui n’existe pas encore - un monde parallèle à nos nuits rêveuses ou cauchemardesques,  pareilles à celles de notre imaginaire quand il s’accroche aux aspérités du quotidien.

C’est bien un univers mental que décrit Scanreigh mais son récit s’étiole à l’instant même de son énonciation. Abstraction et figuration coïncident dans une œuvre d’où ne filtrent que des linéaments de formes archaïques et grimaçantes. Peut-être un œil, une barque, un arbre. Mais la chose existe-t-elle encore ou ne serait-elle que vestige ou prémonition?

Scanreigh voyage au-delà du jour et de la nuit, il convoque des lumières et des ombres inédites pour des saturnales auxquelles l’humain reste à jamais étranger. Dans un rythme chaotique de flammes et d’ouragans, c’est pourtant bien la trace de notre sang qui irrigue le contour du dessin. Mais c’est par son absence que l’humain se définit ici. Comme si tous nos espoirs et tout ce que nous aurions pu bâtir seraient venus s’échouer sur une toile ou un papier, comme sur la grève d’un continent inconnu. Une histoire construite sur les vestiges d'un oubli fondamental. Et si la beauté ce n’était que cela? Cet instant de convulsion du réel, cette déflagration du sens, cette retombée sidérale des détritus du monde dans leur éclat primitif... L’art de Scanreigh ne ressemble à aucun autre et sa voix porte beaucoup plus loin que dans le souvenir de notre seul regard.

Beyrouth et les Golden Sixties

MAC Lyon

Jusqu’au 31 décembre 2022

                                                           Huguette Caland

Donner forme pour penser le concept de fragilité telle est l’ambition de cette 16^e Biennale de Lyon. Encore fallait-il localiser cette zone par laquelle l’art pourrait révéler un territoire incertain constitué de tensions, de désordres et d’angoisse mais aussi de créativité, comme si fragilité et incertitude apportaient ce ferment par lequel art et humanité pouvaient se fondre dans une même réalisation de l’espoir. Beyrouth saisi dans les chaos de l’histoire, représente ce lieu de vulnérabilité, au carrefour de l’Occident et de l’Orient et aussi au centre de la confrontation des cultures et des idéologies. Pas moins de 230 œuvres et de 34 artistes illustrent cette histoire des années 60 jusqu’à la guerre civile au Liban.

Sur deux étages du MAC Lyon, la scène libanaise est représentée en plusieurs tableaux avec Beyrouth, son port, son cosmopolitisme qui lui valait une réputation de «Suisse de l’Orient». Mais aussi l’évolution des mœurs qui conduit à d’autres modes de vie et à un un nouveau rapport au corps. Les peintures d’Huguette Caland sont exceptionnelles de par leur pouvoir expressif tout en déclinant ce corps dans des effets de distance comme pour en détailler et retenir la charge érotique par l’austérité de la couleur et la précision des contours. Une toile de Paul Guiragossian en 1970, «Les funérailles de Nasser» quant à elle frappe l’imaginaire par la force de sa composition lorsque les personnages se réduisent à des stries vibrantes de feu sous le fardeau de l’horizontalité pâle du cercueil du Raïs.

Dans ce récit étoilé en de multiples séquences, les paysages d‘Etel Adnan ou de Simone Fattal apportent des instants d’une douce plénitude dans le fragile équilibre des couleurs et des lignes qui se fondent. La nature est ici approchée jusque dans son âme, aux lisières de l’abstraction.

C’est là l’une des réussites de cette Biennale sous le commissariat de Sam Bardaouil, lui-même d’origine libanaise, et de Till Felrath qui, à la veille de la pandémie du Covid, se lancèrent dans cette aventure quand la fragilité de nos sociétés se révéla avec brutalité. Sur 11 sites de la métropole lyonnaise, le cœur de l’art contemporain bat au rythme du monde, de ses drames mais aussi de cette beauté mystérieuse qui jaillit parfois de la nuit même si un ciel ensoleillé peut aussi être lourd de menaces… La fragilité dans toutes ses formes.

«Les nombreuses vies et morts de Louise Brunet»

 

MAC Lyon

Jusqu’au 31 décembre 2022

                                                        Oeuvre de Julio Anaya Cabanding

Si la fiction ne peut advenir que du réel, elle peut cependant agir sur celui-ci. L’exposition au MAC de Lyon dans le cadre de la 16^e Biennale procède de cette idée d’engagement pour une transformation de la réalité, laquelle idée aurait pu être banale si les commissaires s’étaient contentés de tirer les fils d’un récit et de l’illustrer. Or, s’il s’agit bien de fils, ceux-ci trouvent leur réalité dans un contexte historique et social, celui de Louise Brunet, fileuse de soie à Lyon. Et dans un parcours où se mêlent documents et œuvres d’art ancien ou contemporain, les fils s’entremêlent et la trame du réel se défait, non seulement par l’intrusion de l’imaginaire mais aussi par la construction de réalités parallèles à celles de Louise Brunet.

Mais qui était cette femme? Un individu parmi tant d’autres mais, comme beaucoup, une figure héroïque de l’insignifiance. On sait d’elle qu’elle participa à la révolte des Canuts en 1834, qu’elle sortit de prison à 18 ans pour partir au Liban dans l’espoir d’une vie meilleure, là où on cherchait des fileuses de soie expérimentées. Puis, dans des lettres à sa sœur, elle racontera l’enfer de son quotidien. Elle sera de nouveau emprisonnée puis le fil se rompt…

Louise Brunet s’incarne alors par autant de figures qui, dans le monde, sont sujettes à la fragilité et à la volonté d’y résister. En sept sections, l’exposition relate des fictions quant à l’individu aux prises avec la masse, les ségrégations ou la mortalité. Mais la vulnérabilité c’est aussi la porte de l’émancipation et les œuvres, à travers le temps et l’espace, en explorent toutes les modalités. Au tableau d’une tête de Christ couronnée d’épines et des mains dans un geste d’imploration et de résilience peint par Albrecht Bouts répond celui de Julio Anaya Cabanding. Il s’agit là d’une simple copie, non plus sur une toile mais sur un vieux carton abandonné. Toutes les œuvres interprètent un face à face tragique ou s’illuminent mutuellement dans la quête d’une relation au corps, à l’image de soi, à l’espoir. Quête ou enquête, réel et fiction, passé et présent, tout se joue par la présence des œuvres qui se heurtent au réel en même temps que celui-ci se transforme. Peintes en 1983, deux huiles sur toiles de Salman Toor, par leur lumière vertigineuse et l’énigme qu’elles diffusent, résument l’esprit de cette exposition. Des œuvres variées qui parlent par elles-mêmes de l’autorité qu’elles exercent mais aussi, peut-être, de leur propre fragilité par rapport à d’autres œuvres ou à d’autres mondes.

Hans Op de Beeck, «We were the last to stay»

 

Jusqu’au 31 décembre 2022

Usine Fagor, LYON

Pour ce «Manifeste à la fragilité» comme le proclame le titre en anglais de la 16^e Biennale de Lyon - la langue française ayant disparu - il n’est pas certain que le cadre soit approprié. Par bonheur, l’événement se déploie sur d’autres sites dont l’architecture assure aux œuvres toute leur légitimé. Pourtant si les anciennes usines Fagor, par leur immensité oppressive maltraite d’emblée nombre d’œuvres, certaines y trouvent leur épanouissement. Parmi elles, l’installation de l’artiste belge Hans Op de Beeck qu’on traduira par «Nous sommes les derniers à rester», est particulièrement saisissante puisqu’à l’instar d’un décor cinématographique, elle nous convie à imaginer notre propre scénario quand celui-ci s’aliène à un dispositif scénique.

Voici donc un vaste hangar au sein de ces friches industrielles si prisées par l’art contemporain. Une chape de silence s’abat sur un paysage recouvert d’une cendre grise, avec ses arbres maigres, une eau morte et des mobile home avec un assemblage de chaises et de tables vides comme si toute trace de vie avait déserté le lieu. Ainsi déambule-t-on dans un espace clos où le temps est aboli et où, la question de l’histoire et de l’humain reste énigmatique, comme en suspend.

Une ville fantôme mais que plus rien ne vient hanter. C’est parce que nous sommes pris dans cette sculpture de cendre et de neige charbonneuse que nous savons qu’aucun récit ne peut y germer. Plus qu’un «Memento mori», cette installation est aussi une méditation sur les modulations du réel et de la fiction et la possibilité d’éprouver par nos seuls sens les points de fuite de l’imaginaire. Bad trip but good work!

Giuseppe Penone à La Tourette

 

Couvent de La Tourette, Eveux

Jusqu’au 24 décembre 2022

L’empreinte du souffle

«L’arbre se souviendra que je l’ai embrassé». Est-ce de cette certitude face à la fragilité de la mémoire que se déploie l’œuvre de Giuseppe Penone? Et comment associer à un temps qui efface autant qu’il révèle, les traces incertaines de cette rencontre avec la nature sans dépouiller celle-ci du mystère de sa communion avec l’humain? Tout le travail de cet artiste majeur de L’Arte Povera depuis les années 70 s’inscrit dans les méandres de ce geste qui restitue à la pensée la sève des arbres, les nervures des feuilles ou la boue de l’argile.

Mais l’œuvre acquiert une dimension plus spirituelle quand elle s’accorde à un site et à l’architecture d’un couvent construit à la fin des années 50 par Le Corbusier. Créé sur pilotis et surplombant des ondulations de prairies et de forêts, l’édifice de béton telle une roche avec ses cavités, s’y inscrit. Il y dévoile ses trouées vers le ciel, son enracinement dans la terre mais aussi ce que l’homme y ajoute, la rectitude des formes, l’organisation de la pensée, l’autorité des lignes et de la couleur. Mais Le Corbusier comme Penone a voulu s’imprégner du lieu et, par effet de miroir, l’artiste italien convoque l’esprit même de la nature pour un hommage sensible et humble à l’architecte.

Les pilotis sont ici comme des arbres surgissant de terre. Et le bois fut aussi ce qui assura le coffrage des poutres de béton auxquelles Le Corbusier désira laisser l’empreinte de l’écorce. Tout témoigne alors d’un accord tacite entre la volonté de l’artiste et le souffle mystérieux de la nature. Reprenant le nuancier des 63 couleurs qu’utilisa l’architecte, Penone par des frottages sur toiles au pastel ou à la cire sur les parois grumeleuses, les piliers ou les fenêtres, crée toute une gamme d’œuvres - «Le Bois sacré»- qui s’insère en plusieurs lieux, en particulier dans l’église. On y devine là les modulations de la Croix tandis qu’un tronc avec ses aspérités et son lisse se hisse vers l’autel. Dans le réfectoire, sur une vaste table, des boules d’argile sont pétries comme du pain déposé sur un linge. Et sur le mur, en écho à l’idée d’offrande et de partage, Penone dessine des paupières closes avec des épines d’acacias parmi le marbre dont l’artiste exhibe les veines.

Car si l’esprit résonne ici, c’est pourtant du corps qu’il s’agit. Et l’artiste ne cesse d’en extraire les marques quand il s’imprime comme sur un suaire. Avec l’empreinte de ses doigts, il reprend le cuir tanné de la couverture d’un vieux livre liturgique pour dire la peau dans les teintes d’un sang qui s’efface pour une toile d’une intensité troublante. Au sol, le doigt est représenté par une multitude de cierges fondus dont le bout est revêtu d'une capsule de verre pour signifier un ongle. Temps et espace se réconcilient alors avec nos corps pour un instant d’humilité et de vie. C’est toujours l’invisible du souffle qui traverse ce lieu pour une rencontre avec ce qui nous relie au monde et peut-être au ciel.

François Boisrond, "Une rétrospective"

Musée Paul Valéry, Sète

Jusqu’au 6 novembre 2022

«Ce fut comme une apparition». On se souvient de ces quelques mots de Stendhal au début de «L’éducation sentimentale». Et, de même, peut-on parfois éprouver cet instant où, par miracle, le regard se confond à une figure qui exerce un effet sidérant de révélation. Mais il y a désormais peu d’éducation pour les yeux comme pour le cœur. Et dans l’art ne subsiste plus que le règne de la pensée avec les multiples modalités qu’on lui accorde. Parcourir l’exposition de François Boisrond c’est pourtant un éveil au monde, par la seule grâce de la peinture et de l’effet d’éblouissement qu’elle peut provoquer quand elle s’assume et se revendique dans toute son intelligence

La peinture se comprend au magnétisme qu’elle produit et à l’autorité de son histoire. Rien de mieux que cette rétrospective pour remonter le fil d’une œuvre, à partir des années 80 et de la «Figuration libre» avec Combas, Di Rosa ou Blanchard. C’est l’époque où le conceptuel et le minimal imposent leur domination et, qu’en France notamment, on rejette violemment la tradition et l’idée même de peinture. François Boisrond est au contraire l’un de ces quelques artistes qui veulent réconcilier l’art avec la vie en revendiquant sa veine populaire. Les premiers tableaux illustrent cette sauvagerie heureuse dans la mémoire de l'enfance, de la bande dessinée ou du pop art. Le support papier, tissus ou carton répond à des traits rapides et à des couleurs brutales pour faire jaillir l’éclat de la vie et de la liberté à l’intérieur d’une image. Un visage à peine esquissé parmi des plans épars du quotidien, une télévision, un lit et toujours ce simple éloge de la banalité dans un temps suspendu.

De l’art urbain tel qu’il existe alors en Amérique avec Keith Haring ou Kenny Scharf, Boisrond n’en garde que la spontanéité. La peinture, sa composition, sa lumière et sa matière s’intègrent à l’énergie vitale, et confèrent à l’image le pouvoir d’en restituer les contours. La vie dans son essence même, tel est l’enjeu et le thème de cette œuvre. Peu à peu, le tableau pourtant devient plus complexe, les scènes s’élargissent, les images se superposent. Dans les années 2000, l’écran, le Polaroid, assurent la transition entre le réel et la peinture et l’artiste oscille entre l’universalité de l’image extraite d’une encyclopédie et des fragments d’autobiographie.

Puis c’est la découverte de la peinture à l’huile et de la photo numérique. Et François Boisrond, fils de cinéaste, peint d’après l’écran, accentue les effets de flou et de mise en scène. La palette s’assombrit alors pour des effets saisissants de relecture de l’histoire de l’art. Il se confronte à Watteau ou à Manet, il accentue le clair obscur ou défie la perspective. La chair s’imprègne d’une densité telle qu’elle échappe au réel en le magnifiant. De plus en plus les figures s’intègrent aussi au décor; les personnages sont d’évidence des comédiens et on devine que la vie n’est peut-être alors qu’une scène tragique.

Il faut suivre cette fascinante progression du peintre vers le numérique et son incroyable talent pour toujours nous surprendre! Construit à partir d’une scénographie chronologique, le parcours se poursuit sur une centaine d’œuvres qui sont autant d’illuminations joyeuses ou inquiètes sur la vie quotidienne et ses mystères. On y lit l’intimité de François Boisrond à l’intérieur de sa peinture et c’est bien celle-ci qui ne cesse d’agir magiquement sur celui qui la contemple. Regarder un tableau de Boisrond c’est comprendre un sourire, s’émouvoir d’une ombre, se confronter à soi-même. Et le Musée Paul Valéry de Sète est aussi un lieu superbe à découvrir.

Nick Knight, «Roses from my garden»

 

Musée de la Photographie, Nice

Jusqu’au 25 septembre 2022

Quand Nick Knight déclare «La meilleure image est l’expression de l’artiste», il adopte un point de vue kantien par opposition à l’idéal d’Aristote d’une imitation au plus près de la nature. Créer devient alors une affaire de distance et d’un travail de décomposition de l’objet pour le traduire dans l’ordre du sensible. Il ne s’agit donc plus de représenter mais de sublimer. Nick Knight est un explorateur de l’image. Mondialement célébré pour ses photographies de mode et ses clips de vidéo d’artistes, il se saisit de l’emblème de la rose pour faire subir à celle-ci toute une série de manipulations pour, selon ses mots, «montrer ce qui n’existe pas». Or la rose, par sa charge symbolique, sa poétique liée à l’amour et à l’éphémère de la vie, sa beauté et ses épines, se hisse vers une autre dimension que celle d’un simple objet. Métaphorique, elle est surtout assujettie à une histoire et, dans l’imaginaire collectif, elle se substitue à l’intime.

Par son travail sur l’image de la rose, Nick Knight, sur de grands formats entrouvre les portes de son jardin secret, là où à Londres, à l’écart de l’agitation des grands studios de mode, il recueille ses fleurs. Il en extrait parfois les pétales, les met en scène comme il le ferait pour une star, lui prodiguant des soins de maquillage en s'aidant ici d’un simple Iphone pour les photographier. A la lumière naturelle, sur une table, il dispose minutieusement bouquets, tiges, vases et corolles et l’équilibre de la composition est en elle-même un défi à la réalité. Puis il manipule l’image à l’aide de filtres, en redessine les contours à l’aide d’un crayon numérique et d’un logiciel pour en accentuer l’aspect artificiel. Et par le biais de l’intelligence artificielle, il oppose la méta-fleur à la métaphore, la beauté magnifiée à la beauté naturelle.

L’effet est spectaculaire. Nous voici aspirés dans des volutes de brumes sirupeuses, des carnations transparentes, irriguées de veinules et de nuages pour des assomptions vertigineuses. Et ces fleurs, si belles, plus elles tentent de s’extraire de la tradition de la nature morte et des vanités, plus elles se voilent pourtant d’une certaine mélancolie. So British! se dit-on. Et avec avec une pointe de kitch, pourrions-nous ajouter. Pourtant Nick Knight reste un intraitable travailleur d’images. A l’instar des pétales qui s’alanguissent, il en connaît la beauté dangereuse. C’est sur les rivages de celle-ci que le photographe nous conduit. Les matières sont floconneuses et dessinent des limbes entre enfer et paradis. Et de ses roses, il pourrait dire comme l’auteur des Fleurs du Mal, «Les nuages, les merveilleux nuages...»

En contrepoint de cette évanescence, la Galerie adjacente au Musée présente des œuvres de Catherine Larré. Voici une beauté vénéneuse quand la fleur est saisie dans les affres de la photographie. Ce que celle-ci capte ce n’est plus un état des choses mais un processus de gestation et de décomposition. La fleur est tour à tour déchirée, intégrée dans le trouble d’une narration ou pareille à un organe et à ses fluides. L’image étouffe dans le cadre ou bien se déchire ou adhère à des installations périlleuses. Elle exhale le souffre de la fascination pour les pétales délabrés qui donnent naissance à d’autres vies, d’autres rêves que l’artiste effleure et déflore.

Nathalie du Pasquier, «Campo di Marte»

 

MRAC Occitanie, Serignan

Jusqu’au 25 septembre 2022

Porter un titre c’est aussi signer une revendication, affirmer un acte de bravoure. Dans son «Champ de Mars», Nathalie du Pasquier, artiste née en France en 1957 mais désormais naturalisée italienne et vivant à Milan, s’amuse de tous les cloisonnements et se joue de toutes les parades et de ces défilés de héros quand ne subsiste toujours que le spectacle muet des choses: La chose, l’objet dans son seul exhibitionnisme, parleraient-ils autre chose que de la nudité de sa représentation? Et dans le sillage de Morandi proclamerait-elle son étrangèreté avec l’humain et, plus encore, avec l’artiste qui s’acharne pourtant à la désigner? Nathalie du Pasquier se joue de tous les codes. Elle décloisonne et fouille les compartiments de la représentation comme autant de scènes pour insérer ce pion qui déroute la partie d’un jeu qu’on devine de loin en loin mais dont l’issue reste prisonnière autant de la chose elle-même que de notre regard.

Être artiste c’est ainsi prendre au piège notre présent, celui là même qui nous dicte sa loi dans l’immédiateté des affects ou de la circulation de l’art dans l’économie de la finance et de l’opportunisme sociétal et politique. Rendu à sa solitude extrême, l’objet n’est alors qu’un écho tautologique de «La chose est l’objet de la chose qui est la chose...». Nulle narration ici, sinon cette gloire solitaire d’un trait ou d’une nature morte pour celle qui s’illustra d’abord dans le design – c’est à dire dans une rupture historique entre la forme et sa fonctionnalité. L’objet devient alors le miroir de la peinture. Tour à tour, Nathalie du Pasquier y inscrit son histoire entre abstraction, cubisme, hyper réalisme, suprématisme, Mondrian ou Matisse. Et surtout elle dit cette métaphysique du mystère de la présence, souvenir lointain de Chirico, non plus dans l’ombre d’un décor mais par son trouble jeté en pleine lumière.

Mais la peinture est la peinture de la peinture… Alors elle s’empare du cadre, et du mur, puis de l’architecture. Et l’artiste y trace sa géométrie, ses couleurs vives, les empreintes répétitives et industrielles, la forme des outils, un verre comme pétrifié dans la glace d’une nature morte. Tout est là mais toujours en trompe l’œil. Espace trop présent pour être réel, trop vrai pour se blottir dans les aplats colorés qui investissent une figure, puis le mur, puis l’espace adjacent. Jeu de pistes et jeux de miroir se télescopent ici dans un implacable environnement où minimalisme et figuration se croisent, étrangers l’un à l’autre.

La peinture est ce souvenir des formes, des outils et autres objets du quotidien qui traduisent l’essence du monde. L’homme n’en est que la prothèse, en serait-il la mémoire? D’un doute à l’autre, l’œuvre de Nathalie du Pasquier s’affirme dans sa revendication épurée de la peinture. Même lorsqu’elle sculpte, travaille le bois ou la céramique. Celle qui fut membre du groupe Nemphis qui révolutionna le design en Italie, ne cesse de penser l’apparence et ce qu’elle est censée désigner. L’idée de nature est étrangère à la séduction de l’artificiel. En deux ou trois dimensions, par aplats dévitalisés ou en volumes inextricables, Nathalie du Pasquier explore la vérité du monde et se révèle ici comme une des plus importantes figures de l’art d’aujourd’hui.

Abbaye de Beaulieu-en-Rouergue

 

Collection d’art Moderne Brache-Bonnefoi

En cet été 2022 s’ouvre au public l’abbaye de Beaulieu-en-Rouergue. De son immersion dans la solitude d’un site naturel d’exception, par ses pierres d’où émane le poids du silence et de la ferveur, ce lieu s’accorde avec cette résonance particulière des puissantes œuvres d’art qui lui ajoutent la force du miracle. Tout ici évoque la splendeur austère d’un édifice cistercien que rénovèrent, à partir de 1960, Pierre Brache et Geneviève Bonnefoi en s’attachant à réconcilier les vieilles pierres et la peinture moderne. C’est alors la rencontre d’une architecture dépouillée et de l’art d’avant-garde de l’après-guerre.

Le couple de collectionneurs effectua de vastes travaux de rénovation sur l’ensemble du site dans le but de présenter essentiellement des œuvres de l’abstraction lyrique et informelle. Autour d’artistes français, c’est tout un paysage international qui se dessine: L’Allemagne avec Hartung et Wols, La Hongrie avec Vasarely et Hantaï mais il y a aussi l’Italien Bertini, la Portugaise Vieira da Silva, le Tchèque Serpan et tant d’autres. D’une pièce à l’autre, le visiteur découvre l’univers du couple, ses amitiés avec Dubuffet ou Michaux et une multitude d’œuvres qui se rattachent au nuagisme, au matiérisme, à la peinture gestuelle mais aussi Dado, Fred Deux et des artistes locaux que Geneviève Bonnefoi ne cessa jamais de défendre.

Cette corrélation du religieux et de l’art contribue à inscrire chaque artiste dans un autre contexte que celui du musée traditionnel. Le lieu est investi d’une présence et d’une passion, celle d’un couple qui fit don de l’abbaye et d’une grande partie de leur collection en 1973 à ce qui deviendra le Centre des Monuments Nationaux. A la suite du décès de Geneviève Bonnefoi, le lieu est rénové pour la présentation d’une sélection parmi les quelques 1363 œuvres conservées. On y rencontre Soulages, Benrath, Viseux, Fautrier mais aussi un triptyque monumental de Serpan au sein de l’église. D’un espace à l’autre, de l’aile du réfectoire jusqu’à la salle capitulaire, c’est toute une histoire qui s’anime, entre passion de l’art et volonté de construire, là où les œuvres deviennent aussi des témoignages. C’est ainsi que tableaux, sculptures et tapisseries voisinent avec des documents et des éléments d’un mobilier personnel qui donnent à cet ensemble ce souffle de vie qui se confond à l’art.

Michael Beutler, « Plonger et puiser »

Le HAB Galerie, Nantes

Jusqu’au 2 octobre 2022

C’est dans l’ancien Hangar à Bananes à Nantes qu’un lieu de production se superpose à celui de la conservation. L’artiste allemand Michael Beutler, né en 1976, reste fidèle à cette volonté d’inscrire une architecture en contrepoint et en contretemps avec l’espace qui l’accueille. Un jeu de miroir entre un vaste volume de béton et un assemblage hétéroclite, fragile mais fonctionnel, introduit de façon ludique une nouvelle perception sur la relation entre une architecture, son histoire et l’espace environnant.

Comme un clin d’œil aux anneaux de Buren qui ourlent les bords de l’Estuaire de la Loire, là où se trouve le Hangar, Michael Beutler n’intellectualise pas ce rapport de l’architecture à l’espace mais joue de la mémoire du corps par le biais du travail artisanal et collaboratif. Avec une quinzaine d’étudiants de l’École d’Architecture, il a «bricolé» des machines relatives à la fabrication, étape par étape, du papier. Le lieu d’exposition s’offre alors comme un socle de socialisation, une étrange usine aux matériaux pauvres et disparates pour une machinerie néanmoins efficace puisque, au terme de «plonger, puiser» et autres mouvements corporels, de vastes voiles de papiers aux couleurs pastel se répandent dans l’espace. La trace musculaire des corps s’y inscrit dans un instant d’humilité.

Et ce n’est pas tant le produit fini qui importe, nonobstant la splendeur des vagues déployées, que le processus de fabrication qui se lit à travers ces dispositifs fonctionnels et pourtant si éloignés d’une esthétique industrielle. Le travail apparaît alors sous forme d’orchestration et le répertoire égrène ses fausses notes superbement élaborées, entre hasard et nécessité d’une production collective et efficace. Avec ironie, Michael Beutler construit une œuvre qui est aussi une réflexion sur l’art et sa finalité: Qui produit de l’art? D’où vient-il? Quelle est sa matérialité? Autant de questions qui prennent corps par la présence d’outils dérisoires, planches et cordes, pour un processus pourtant particulièrement méthodique de broyage, trempage et séchage. Désigner ce processus c’est écrire le cheminement d’une œuvre.