Simon Hantaï, «L'exposition de centenaire»

 

Fondation Louis Vuitton, Paris

Jusqu'au 29 août 2022

Que comprend-on du «hasard» si on ne le relie à l'étymologie arabe de ce mot signifiant "un jeu de dés"? Simon Hantaï, dans un  même geste mallarméen, lance un coup de dés sur la toile. Et, de sa décision, ne demeurera que la trace imprévisible des fluctuations extérieures qui président à l'imprégnation de la couleur sur son support. Loin du démiurge et de l'artiste voulant représenter le monde, Hantaï comprend que l’œuvre reste soumise à des variations incontrôlables par l'esprit et qu'il importe de dévoiler celles-ci, d'en écrire la partition. A la suite du dripping de Pollock, il s'écarte donc de tout psychologisme mais, à la plasticité du geste, il oppose l'autorité de la toile, sa capacité à enregistrer l'empreinte d'un processus et d'en inscrire toute la sérialité.

D'abord proche des surréalistes lorsqu'il arrive à Paris en 1948, Hantaï se détourne de l'inconscient et des rêves pour explorer le pouvoir mécanique et aléatoire de la forme et de la couleur. Pourtant le support reste la condition essentielle de l’œuvre, sa matière première à l'instar d'une page blanche en attente d'une écriture. En 1950, à partir de la photographie d'un corps enveloppé dans un linceul, il réalise une peinture, «La Momie». C'est alors la révélation du tissus qui s’imprègne, du suaire qui se tache, du drapé qui enveloppe et de l'emprise du support.

L'exposition de la Fondation Louis Vuitton retrace les étapes de ce parcours qui progresse entre le pliage comme méthode mais aussi avec l'incidence du blanc, du signe et de l'écriture. Et comment ne pas songer à ce livre de poèmes d'Henri Michaux, «La vie dans les plis», et à cette même ferveur pour les strates comme couches de la pensée et les dessins que celui-ci exécuta dans leur répétition des corps qui se coagulent en signes jusqu'à se confondre en une matière informelle et noueuse? Hantaï, lui, sera aussi ce poète, moine-soldat du signe qui se matérialise en couleurs dans la toile à force de pliages et de dépliages, d'estampages et de frottements, de nouages et de libérations pour que les jeux chromatiques se déposent enfin, en carrés ou en angles, et déchirent la blancheur qui se décompose ou triomphe.

Les peintures d'Hantaî sont autant de stations dans cette ascèse ritualisée, toujours à la recherche de nouvelles incisions dans le corps de la peinture pour lui faire rendre gorge. C'est cette voix qu'on entend lorsqu'on se soumet à la monumentalité de ses toiles, à ses couleurs déchirées et aux entailles de la blancheur. Hantaï peint à l'aveugle, sans préjuger du résultat obtenu lors du dépliage. Il ne s'adosse qu'à ce dispositif pendulaire du plein et du vide, cette oscillation entre silence et résonance par le seul mouvement d'une gamme chromatique qui s'empare de l'espace. Des découpes de couleurs primaires ou complémentaires font écho à Matisse et la blancheur vibre de leur attente. Simon Hantaï aura dessillé notre regard sur la peinture.

Toyen, «L'écart absolu»

 

Jusqu'au 24 juillet 2022

Musée d'Art Moderne de Paris

André Breton écrira: «Prague: Capitale magique de la vieille Europe». C'est donc là que naît dans un milieu modeste en 1902, Marie Cerminova qui dès 16 ans quitte sa famille, travaille en usine, fréquente les milieux socialistes et libertaires et prend le nom de Toyen en référence au mot «citoyen». Après un premier séjour entre 1925 et 1928 à Paris, elle revient à Prague où elle rencontre un certain succès avant de fuir le communisme en 1947 pour s'établir à Paris. Fréquentant les surréalistes, Toyen restera pourtant en marge de tout mouvement.

Au gré d'un parcours chronologique, l'exposition nous convie à découvrir une œuvre qui ne cesse d'évoluer comme si l'artiste, qui se refusait à être peintre, voulait effacer toute trace d'elle-même et que seule importait l’œuvre à venir. Dans une scénographie épurée, une première partie présente des tableaux réalisés entre 1920 et 1929 influencés d'abord par le cubisme avant de créer l' «artificialisme» en compagnie de Jindrich Styrsky, concept visant à «provoquer des émotions poétiques qui ne sont pas seulement optiques».

Les autres parties de l'exposition témoignent de cet «écart absolu» d'une artiste nomade pour laquelle l'image n'est que la traduction de la pensée saisie entre rêves et révoltes dans les soubassements du mental. Ni vraiment figuratif ni abstrait, l'art de Toyen oscille dans un espace fluctuant entre mer, ciel et liquide amniotique. La lumière s'enroule à des échappées nocturnes d'où s’échappent coquillages ou vulves, larves ou minéraux avant que tout ne s'évapore quand, des profondeurs de l'inconscient, tout reflue et s'échoue sur les plages du réel. L'humour, la mélancolie et l'érotisme se cherchent, se croisent et disparaissent dans la seule exploration des limites.

A la fois simple et complexe quand elle peut être aussi bien naïve, primitive ou d'une facture délicate, cette œuvre fait surgir monstres et horreur de la guerre mais aussi la puissance du rêve ou de l'hallucination pour les territoires inconnus de la poésie. Donner forme au sensible, telle est cette tâche à laquelle elle s'adonne et ce parcours hypnotique se poursuit sur 150 œuvres - tableaux, dessins, collages et autres documents. Un voyage au bout des songes.

Jean-Baptiste Mallet, «La route du bonheur»

 

Musée Jean-Honoré Fragonard, Grasse

Jusqu'au 2 octobre 2022

Qu'elle est tortueuse cette route à laquelle nous convie le Musée Fragonard dans son exposition rétrospective de l’œuvre de Jean-Baptiste Mallet! Inspirée du titre d'une huile sur toile, «La route du bonheur dans le mariage» réalisée peu après 1800, ce ne sont pas moins de 80 tableaux ou gravures qui sont présentés. Nombre d'entre elles rendent compte d'un esprit malicieux qui, dans la période révolutionnaire, déjoue codes et conventions tout en feignant de s'y soumettre. C'est là toute l’ambiguïté de ce virtuose de la peinture de genre que l'on redécouvre depuis l'acquisition récente de ses œuvres par plusieurs musées internationaux.

Jean-Baptiste Mallet naît à Grasse en 1857. C'est ici que naquirent Fragonard et Marguerite Gérard à l'époque du triomphe de la peinture de genre. Ses gouaches inspirées de sujets galants et de scènes mythologiques connurent vite le succès et Edmond de Goncourt vit chez le peintre «le dernier représentant de la gouache, de cet art tout XVIIIe siècle, et qui ne survécut pas à la monarchie». Dans les soubresauts de la période révolutionnaire, ce sont aussi des aquarelles avec une même maîtrise de l'exécution pour les plis des corsages, la délicatesse des tissus et dans la subtilité des gestes du quotidien. L'apparence est frivole et pourtant le libertinage n'est plus de mise. Alors Jean-Baptiste Mallet, sous couvert de glorifier la vertu selon le principe révolutionnaire, joue de malice et d'un semblant de naïveté pour introduire dans ses compositions, des indices et des symboles qui nient ce qu'elles semblent représenter. La sagesse d'une scène familiale se voit alors troublée par une aura libertine si bien que l'on doit toujours se forger sa propre interprétation.

L’ambiguïté est totale. Si l'artiste peut sembler encore se situer dans la mouvance de la monarchie, la place qu'il accorde à la figure féminine anticipe et même accentue l'idée révolutionnaire. La femme est ici au centre d'une œuvre qui s'offre tel un théâtre du quotidien, avec les tâches qu'elle accomplit et son rôle maternel. C'est l'histoire de la femme française qu'il écrit, celle qui a le pouvoir d'éduquer et donc de conquérir l'avenir. Jean-Baptiste Mallet est le chroniqueur de ces années complexes avec ses cérémonies secrètes et ses dessous sulfureux qui travaillent l'ordre social.

Plus tard, au début du XIXe siècle, il peint de vastes compositions dans une scénographie rappelant parfois la peinture hollandaise ou des rencontres dans le cadre de jardins aux parfums de Fragonard, des scènes bucoliques nimbées de douceur, de mythologie et d'idéalisation. Pourtant deviendra-t-il le chantre du style troubadour par de nombreux rappels à l'architecture gothique avec ses vitraux qui en adoucissent la lumière. Le peintre ne s'arrête pas au néo-classicisme alors en vogue pour anticiper déjà le préromantisme. L'exposition relate quelques décennies d'histoire et nous fait découvrir la singularité d'une œuvre qui ne renie rien de la perfection du dessin et de la délicatesse des couleurs. Une belle découverte par le grand bonheur d'une peinture heureuse derrière ses ombres. 

Eugène Leroy, «Peindre»

 

Musée d'Art Moderne de Paris

Jusqu'au 28 août 2022

Oublions l'idée que la photographie puisse donner quelque aperçu d'une toile d'Eugène Leroy. D'abord parce sa peinture prend à revers l'image pour en saisir la matière qui la compose et l'anime. C'est cette matière, et seulement elle, qu'il veut représenter si bien que le motif n'est alors qu'une voie d'accès à l'essence même de la peinture qui, elle-même, nous permettrait de pénétrer l'essence du monde. Représenter ne s'accorde donc plus à la mimesis ou au lisse d'un miroir mais, au contraire, relève d'une expérience tactile qui prend en charge la main de l’artisan qui maçonne autant qu'elle façonne. Eugène Leroy est un de ces rares artistes qui travaille davantage sur l'épaisseur que dans la transparence. Il ne s'écarte du dessin ou de la couleur que pour sonder les entrailles du sens à partir de la puissance d'une glèbe originelle.

Pour lui, peindre c'est prendre à bras le corps l'espace et le temps. Pour le professeur de latin et de grec qu'il fut, créer repose aussi sur un travail d'érudition, une archéologie du savoir sans lesquels l’œuvre ne disposerait d'aucune assise. Ainsi ne copie-t-il pas les grands maîtres mais il les met en question par un brutal face à face et absorbe leur substance en traduisant les images du Titien, de Poussin ou de Rembrandt dans la seule vérité de la matière picturale. C'est ainsi qu'il n'hésite pas, non seulement à citer nombre d'artistes classiques, mais aussi à leur emprunter les sujets traditionnels tels que les nus, le paysage, le portrait ou la nature morte.

Eugène Leroy ne cesse de recouvrir l'image par de nouvelles épaisseurs jusqu'au point d'atteindre ce point de béance entre sa disparition et l'apparition d'une matière fossile qui renverrait au point aveugle de toute peinture. Recouvrir encore et encore, comme le fit Opalka dans un processus inverse d'effacement en dépouillant l'image de toute matérialité, en ajoutant quotidiennement un chiffre ou une touche de blanc sur la peinture ou la photographie pour figurer le temps. L'action de peindre devient alors une quête, un voyage initiatique à travers l'histoire et le temps comme parmi les ombres et les entrelacs d'une forêt mystérieuse. Eugène Leroy disait: «La matière n'existe pas si elle n'est pas imprégnée de lumière!»

L'exposition témoigne de ce travail acharné entre abstraction et figuration qui nous enseigne qu'il n'existe aucun art sans connaissance. Environ 150 œuvres pour 60 années de peinture illustrent ce cheminement inédit dans l'art du XXe siècle. La peau de la peinture est ici exhibée, dans sa chair comme dans sa terre, troublante, comme si elle-même avait été exhumée pour nous livrer ses derniers secrets.

«La Couleur en fugue»

 

Fondation Louis Vuitton, Paris

Jusqu'au 29 août 2022

                  En s'échappant hors du châssis, la toile se libère et la peinture peut s'extraire de son cadre pour se mesurer à l'architecture du lieu où elle apparaît. Aux volumes pensés par Franck Gehry à la Fondation Vuitton, la couleur répond en se déposant parfois sur le sol, le plafond ou sur les murs ou bien en soulignant les éléments architecturaux sur lesquels elle prend appui.

               A la fin des années 60, Sam Gilliam présente ses premiers drape paintings, vastes drapés dont les plis et replis imbibés de dilutions d’acrylique et de pigments ondulent dans l'espace telles des vagues se heurtant aux parois et aux angles. Une étrange luminosité se diffuse dans cet intérieur comme si du linge séché s'emparait du ciel pour en extraire chaque atome de couleur. C'est à un tout autre exercice que se livre Niele Toroni. Toujours la même empreinte du pinceau à intervalle régulier redéfinit de nouveaux volumes sur de nouveaux supports. Ces traces ponctuent l'espace, le redimensionnent et y consacrent la souveraineté d'une couleur pure. Au contraire, pour Megan Rooney, c'est dans le déploiement de la mémoire, de la nature et de sa contraction dans le temps que la couleur prend forme et se répand comme des flammes sur les murs. Austérité de l'un, débordement lyrique pour l'autre, la couleur est ici le lieu d'un débat passionné dans lequel Steven Parrino aborde la question de la couleur absorbée par le volume jusqu'au point de se confondre à la sculpture. Cette confrontation d'une couleur pensée dans sa source, son autonomie ou dans la tension qu'elle exerce avec son environnement, permet de reconfigurer l'espace et de considérer la couleur à l'instar d'une écriture.

                      Mais la peinture emporte tout tel un ouragan. Katharina Grosse consacre le triomphe de celle-ci, par sa liberté, son feu intérieur et son pouvoir à embraser l'espace. C'est un flot de couleurs et de coulures, un déferlement de lignes et de lumières, un déluge de strates et d'illusions qui perturbent le champ visuel. La couleur atteint son paroxysme, elle s'empare de tout, du sol jusqu'au plafond. Son souffle se répand avec fureur sur ce qui s’apparente à un paysage halluciné. La couleur est bien alors une fugue, un rythme, un cri de liberté, une danse sauvage. Et pour cette exposition, comme l'écrit Suzanne Pagé, directrice artistique de la fondation, «Si la couleur échappe, on n'échappe pas à la couleur».

Shirley Jaffe, «Une américaine à Paris»

                                              

Centre Pompidou, Paris

Jusqu'au 29 août 2022

Comme nombre d'artistes américains de sa génération - elle est née en 1923 – Shirley Jaffe s'oriente vers un expressionnisme abstrait. Selon un parcours chronologique, l'exposition présente ses premières œuvres réalisées peu après son installation à Paris en 1949. C'est pourtant à la fin des années 60 que l'artiste rompt avec la gestualité pour initier une peinture savamment réfléchie qui transcrit le geste en signes et pense la couleur en termes de gammes chromatiques. A première vue, le tableau est ici aussi bien une toile blanche qu'une partition musicale que les aplats parfaitement structurés de la peinture recouvrent. Pourtant Shirley Jaffe récuse toute harmonie pour un art de la dissonance dont les modulations s’apparenteraient à la musique sérielle qui prévalait alors. Elle sera la peintre du déséquilibre.

Dans cette abstraction géométrique, le motif joue de toutes ses ambiguïtés. Certes il y a des cercles, des triangles mais aussi des spires et des grilles ajourées, des arabesques et des éléments de frises, toute cette circulation de signes qu'on retrouvait chez Kandinsky. Mais là où ce dernier s'attachait au mouvement, au rythme par le jeu des courbes et le jet des diagonales dans un ballet géométrique, Shirley Jaffe crée un puzzle par lesquels les éléments se mesurent et se contrarient mutuellement dans une confrontation silencieuse. Les motifs sont traités par masses de couleurs franches et s'imbriquent les aux autres avant d'explorer leur autonomie dans l'incertitude du fond et de la surface. Le geste initial est désormais figé dans la sérénité du dessin. On retrouve alors la perfection des découpes de Matisse mais Shirley Jaffe pousse l'abstraction au point de désigner en creux ce qu'elle pourrait représenter comme élément d'un réel stylisé. La peinture n'est ni ornementale ni décorative, elle est muette et ne se désigne que par le rappel des éléments qui la constituent.

C'est là que l’œuvre de Shirley Jaffe atteint sa perfection. Tout s'attire, se juxtapose et se disloque. Tout se construit sur des oppositions et des correspondances. Une cartographie du possible s'esquisse là où on chercherait en vain une géographie de l'imaginaire. La peinture est là, aveuglante dans l'intelligence de sa beauté.

Stefan Szczesny, «Szczesny Art Project»

 

Grimaud, Var

Jusqu’au 15 octobre 2022

Depuis le village de Grimaud dominant le golfe de Saint-Tropez, un paysage de vieilles pierres, de vignobles ou de collines boisées se déploie jusqu’aux rivages de la Méditerranée. Durant tout l’été, ce terroir marqué par son empreinte médiévale accueille l’œuvre de Stefan Szczesny comme pour ponctuer l’espace de ses compositions monumentales par le rythme novateur de ses courbes et de ses couleurs. D’origine allemande et après s’être installé à Paris, New York et tant d’autres lieux, l’artiste s’empare de ce paysage pour célébrer sa beauté, à l’égal d’un nouveau paradis terrestre. Cette idée d’une harmonie parfaite entre l’homme et la nature, la certitude que l’art face aux désordres du monde apporterait réconciliation et joie de vivre, irriguent cette œuvre foisonnante.

D’abord peintre abstrait, Stefan Szczesny s’inscrit dans le mouvement des «Nouveaux Fauves» en 1981 en Allemagne. Mais cet art souvent tourmenté s’apaise peu à peu en se nourrissant d’influences antiques et méditerranéennes. L’artiste conserve néanmoins cette puissance créatrice qui le pousse à se saisir de l’espace, à le réécrire par une profusion de mediums et de formes afin de chanter la force vitale au cœur des éléments. De Grimaud jusqu’à la mer, de vastes sculptures aux couleurs franches rythment le paysage. Les formes sont douces et les courbes féminines esquissées répondent à des motifs végétaux comme pour sceller un pacte entre cette osmose de l’homme et de la nature avec la beauté salvatrice. A ces sculptures monumentales s’ajoutent de larges toiles toujours témoignant de cette constante énergie lorsqu'elles s’inscrivent sur les façades d’une demeure patrimoniale ou bien à l’intérieur d’une galerie comme dans la Maison Prestige Roberto Geissini ou au Studio Paon. C’est ici que des peintures parfois encore hantées par l’abstraction côtoient des travaux sur verre réalisés à Murano et des céramiques créées dans l’atelier de Peter Thumm.

Précédemment exposé en 2014 au Palais des Papes en Avignon, «L’arbre de vie» est cette sculpture face à la Mairie qui illustre cet envol des formes pour une célébration du vivant. Tout s’exprime dans la danse du feuillage et de son miroitement quand, ailleurs, des dizaines d’autres œuvres chantent la couleur, la sensualité, les lignes d’un visage ou les contours d’un corps. Tout n’est ici que luxe, calme et volupté: L’art se love ainsi dans les méandres du bonheur.

« Vita Nuova », Nouveaux enjeux de l’art en Italie 1960-1975

 

MAMAC Nice

 jusqu’au 2 octobre 2022

Si Camus pouvait écrire «la langue française est ma patrie», c’est parce qu’avec elle se construit l’histoire d’un peuple qui configure son espace. De même, en Italie, la langue italienne s’installa avec le premier livre de Dante abandonnant le latin, «Vita Nuova», longtemps avant que le pays ne devienne une nation. Cette «vie nouvelle» rompait alors avec une langue assujettie à une organisation sociale et politique devenue obsolète comme ce fut le cas plus tard, vers 1960 quand une crise majeure modifia en profondeur l’identité italienne.

L’exposition du MAMAC, à travers l’universalité du langage de l’image et dans le contexte politique de l’Italie jusqu’en 1975, met en évidence les fractures et les nouveautés qui émergèrent alors dans le champ artistique du pays. En parallèle avec le prestige de son cinéma et de sa littérature, l’Italie des «années de plomb», tenaillée entre l’ombre du fascisme et l’émergence du terrorisme, se mesure alors sans concession à son histoire, son miracle économique, son américanisation croissante et à la société de consommation.

Cette histoire là, en trois chapitres, s’ouvre comme dans un livre avec une première salle consacrée à la figure de Pasolini pour se refermer sur une dernière lors de la mort de celui-ci en 1975. L’exposition se développe alors selon trois mouvements - «une société de l’image», «reconstruire la nature» et «mémoire des corps». La peinture, la sculpture, la photographie mais aussi l’image animée rendent compte du regard de 56 artistes et retracent cette histoire de la conquête des formes nouvelles avec leur part d’inquiétude ou d’enthousiasme. Si, bien sûr, Vita Nuova rend hommage aux artistes italiens les plus reconnus, comme ceux de l’Arte Povera avec Mario Mertz, Penone ou Pistoletto, elle réhabilite d’autres créateurs oubliés ou disparus prématurément comme Pino Pascali lequel n’ambitionnait pas tant de traduire la nature dans sa force primitive que de l’inscrire dans sa relation au monde industrialisé et au design.

Sans doute l’exposition la plus exhaustive, depuis celle organisée par Germano Celant au Centre Pompidou en 1981, Vita Nuova remet les femmes,souvent marginalisées ou ignorées, au cœur de la scène artistique de cette période. Parmi elles, Marisa Merz explore la relation du corps à l’image qu’il renvoie tandis que Lisetta Carmi photographie des travestis en usant des codes du reportage pour jouer de l’identité sexuelle et des préjugés qu’elle révèle. Quant à Carla Accardi, elle se hisse au niveau des artistes les plus singulières de son temps.

Art engagé socialement ou tourné sur une réflexion sur lui-même - le souffle du geste et de son extinction comme dans les superbes œuvres de Giorgio Griffa - l’exposition met en valeur la diversité des approches conceptuelles. Mais aussi la complémentarité de mediums supposés se contredire. Ce sont ces hésitations et ces bouleversements que les artistes introduisent dans la société italienne d’alors qui agissent en filigrane en deçà de la surface des œuvres. Cette «vie nouvelle», par laquelle la pensée s’enroule au monde par une approche du sensible reste pourtant ici d’actualité tant elle travaille encore les artistes contemporains. Et que l’exposition soit présentée à Nice réactive ce lien qui exista durant ces années pendant lesquelles les artistes niçois du Nouveau Réalisme ou Yves Klein rencontrèrent Fontana, Rotella et nombre d’autres italiens autour de Turin ou de Milan. Nice et l’Italie dans la même mouvance de l’exploration des formes et des territoires.

«Vallée des Merveilles», Exposition collective

 

Espace à Vendre, Nice

Jusqu’au 2 juillet 2022

Dans le massif du Mercantour, la Vallée des Merveilles abrite quelques 40000 gravures rupestres. Arpenter un tel espace empreint de magnétisme et d’un art surgi du néolitisme et de l’âge de bronze, c’est s’aventurer dans un voyage initiatique au cœur d’une austérité minérale entre ciel et terre. Du réel à l’imaginaire, ce lieu se métamorphose en terrain d’expérimentation pour deux enseignantes de l’École des Beaux-Arts de Marseille, Karine Rougier et Nina Léger. Il ne s’agit pas tant pour elles de représenter un paysage que de conduire de jeunes artistes ou d’autres déjà confirmés, dans une randonnée expérimentale sur les traces de ce qu’un tel territoire, vécu ou pensé, peut produire en termes de matières, de métaphore, de relation au vivant et au fantastique.

Tour à tour grave ou féerique, la vallée est ici ce hors-temps de la découverte, cette échappée du réel par la seule volonté de gravir les cimes ou d’explorer les gouffres de l’imaginaire, du fantasme et de toutes les formes solaires ou nocturnes qui agitent nos rêves ou notre conscience. Dès l’entrée, une toile de Lassana Sarre happe le visiteur. Un boxeur noir frappe un espace incertain entre deux mondes, comme se forçant un passage entre le désir et le réel.

Avec le concours de la galerie Anne Barrault, l’exposition développe les gammes de la violence ou de la tendresse mais toujours sur le mode de l’inattendu. Une vague de Raymond Pettibon nous projette hors de l’espace à moins qu’elle nous engloutisse dans les entrelacs de ses entrailles. Et toute l’exposition repose sur cet entre-deux et développe un parcours déroutant à travers lequel une énigme se formule. Un fil d’Ariane se dessine dans les méandres d’un labyrinthe où se heurtent symboles, mythologies, figures grimaçantes ou rieuses et même chauve-souris. Et c’est alors qu’en contre-feux, surgit la sublime abstraction de Raphaël Zarka par la qualité ouatée d’un fusain et de son noir velouté qui découpe les aspérités terreuses d’un frottage de céramique. Ou encore cette vaste tempera paisible de Christian Hidaka comme figée au seuil d’un récit dans lequel temps et espace s’abolissent dans un rêve éveillé.

La Vallée des Merveilles est alors l’atelier mental de l’artiste, elle est l’inscription de tous les possibles. La géographie des mots nous entraîne dans une nouvelle carte du tendre avec l’œuvre de Guillaume Constantin, «Du royaume de la galanterie» tandis qu’un bronze de Sore Vénus exhibe la provocation indécente et rieuse d’une autre vallée. Et de monts en merveilles, toujours on s’étonne et s’émerveille.

Chagall, "Les livres illustrés"

 

Musée Chagall, Nice

Jusqu’au 9 janvier 2023

Que les signes fondateurs de l’écrit trouvent leurs racines dans une image de la nature et que celle-ci vienne en retour suppléer à ses manques par le biais de l’art, ce sont là des territoires mouvants que formulent et arpentent artistes et écrivains: Des créations par lesquelles le vertige d’une origine ne cesse de faire écho au présent d’une humanité à la recherche d’un horizon. Ce sont ces œuvres-là, aux confins d’un espace imaginaire et d’un temps rêvé, qui se dévoilent dans une exposition où tableaux et livres s’interpellent mutuellement.

C’est à Berlin, dans ses premières années d’exil après son départ de Moscou en 1920, que Marc Chagall entame son autobiographie, «Ma vie», et découvre alors la gravure sur bois. Dès lors l’artiste ne cessera d’explorer la complémentarité et l’ambiguïté du texte et de l’image mais, au-delà de la seule richesse illustrative, Chagall reste l’artisan curieux de toutes les modalités de l’estampe. Il soigne particulièrement la qualité du papier et de la mise en page et, lors de sa première année à Paris en 1923, il rencontre Ambroise Vollard, le marchand qui découvrit Gauguin, Cézanne, Picasso et tant d’autres mais aussi l’éditeur pour lequel il réalisera trois grands projets d’illustration pour «Les âmes mortes» de Gogol, «Les Fables» de La Fontaine et «La Bible».

D’autres collaborations suivront et, toute sa vie, Chagall ne cessera de travailler la lithographie ou la gravure sur métal pour insuffler au livre cette aura de la couleur, du rythme et de la danse des formes. Donner vie aux mots, retrouver l’âme originelle du verbe, se mesurer aux mythologies, à la dramaturgie de la violence ou de l’amour, tels sont les gestes que l’artiste façonne pour embrasser le monde dans son éternité, l’étreindre pour en diffuser tout le mystère. Tour à tour moralisateur, poète et artisan, Chagall restera le peintre qui prête sa voix aux forces occultes de l’univers. L’exposition propose un voyage parmi la centaine d’œuvres originales et de tirages limités que Chagall réalisa pendant soixante ans auprès des éditeurs les plus prestigieux, Tériade ou Aimé Maeght. C’est aussi dans ses propres poèmes que se dessine ce lien fragile entre le mot et la figure: «Dans mes tableaux / J’ai caché mon amour / J’habite ma vie / Comme l’arbre la forêt». Chagall avait aussi écrit: «L’art c’est l’effort inlassable d’égaler la beauté des fleurs sans jamais y arriver». La rencontre du livre et de la peinture fut aussi ce pas dans la conquête de cet impossible.