vendredi 13 mars 2020

Matisse Métamorphoses

Musée Matisse, Nice    Jusqu'au 4 mai 2020




Plus que nul autre, Matisse sut découper l'espace en masses colorées et intégrer le cadre d'une fenêtre comme une trouée dans le tableau ou la possibilité de son expansion vers sa réalité extérieure. De l'espace au volume, l'artiste se livre bien à une réflexion complémentaire et il n'est pas étonnant que Matisse s’intéressât à la sculpture. Par ses gouaches sur papiers découpés, il s’affranchissait du pinceau et par la sculpture il ciselait l'espace et, paradoxalement, il retrouvait les lignes et les courbes dans la même justesse que dans ses dessins.
Les sculptures de Matisse restent peu connues. Il rencontra Rodin mais surtout il suivit l'enseignement de Bourdelle et se lia d'amitié avec Maillol. Matisse fut aussi l'un des premiers à s’intéresser aux arts primitifs. « Comparativement aux sculptures européennes qui dépendent toujours du muscle, de la description de l'objet d'abord, ces statues nègres étaient faites d'après la matière, selon des plans et proportions inventées », écrivit-il. Ce sont donc quelque quatre-vingt-quatre pièces que Matisse réalisa entre 1900 et 1950 et dont la plus grande partie est conservée à Nice. Cette exposition réalisée en partenariat avec le Kunsthaus de Zurich permet non seulement de découvrir les sculptures de Matisse, mais de comprendre ce lien qui exista chez lui entre le dessinateur , le peintre et le sculpteur. Les œuvres sont ainsi mises en perspective et, des photographies, des sculptures non occidentales ayant appartenu à Matisse, sont également présentées et permettent de mieux comprendre son cheminement.
Rares sont les peintres qui surent équilibrer aussi savamment les zones de plein et de vide. Cette découpe à l'intérieur de la matière en œuvre dans les sculptures accompagna donc peut-être les recherches picturales de Matisse. L'intérêt de cette exposition ne réside pas seulement dans la présentation de ces sculptures mais également dans ce qu'elles disent du travail du peintre. La mise en parallèle de certaines d'entre elles avec quelques tableaux est à cet effet particulièrement éloquente.



lundi 9 mars 2020

Qalqalah – Plus d'une langue



CRAC Occitanie à Sète
jusqu'au 24 mai 2020
                                                   


Voici une exposition qu'on ne pourra savourer ou comprendre sans un mode d'emploi. Les deux universitaires curatrices, Virginie Bobin et Victorine Grataloup, ambitionnent en effet, à partir de leur association « Qalqalah », de mettre en question la langue tout en négligeant son aspect purement linguistique et de « créer une plate-forme d'échanges artistiques, de recherche et de traduction... Elle rassemble artistes, théoricien-ne-s internationaux-ales engagé-e-s dans l'articulation des problématiques artistiques, politiques et sociales »... Rien de bien nouveau donc dans le contenu et dans la forme mais il est toujours passionnant de se plonger dans la recherche pour en extraire quelque pépite insoupçonnée, les artistes n'intervenant alors que comme outils pour illustrer le concept.
Le projet tel qu'il est exposé s'énonce ainsi : « Les œuvres se font l'écho de langues multiples, hybrides, acquises au hasard de migrations familiales, d'exils personnels ou de rencontres déracinées (…) Comment (se) parle-t-on en plus d'une langue, en plus d'un alphabet ? » A ce fort questionnement, toutes les réponses sont possibles à la vue de l'exposition, d'autant plus que tout repose sur des signes arabes et des phrases en anglais. Mais heureusement ce qui est traduisible est disponible sur une feuille à l'accueil : On y trouvera donc d'hermétiques citations de Derrida, une autre de Sara Ahmed « Une oreille féministe capte les sons qui restent bloqués par le refus collectif d'entendre » ou bien encore celle de Omar Berrada ; « C'est avec ton corps que tu traduis, pas avec ton esprit ».
Fort de ces éclairages, le visiteur peut donc visiter les lieux dans lesquels les « œuvres » sont imbriquées à tel point qu'on saisit mal ce que chacune est censée exprimer. Mais sans doute « dialoguent-elles » et entrent-elles en résonance avec l'espace qui les accueille. Et ces œuvres sont des sons, des vidéos, des lettres, des journaux, de l'artisanat et une multitude de signes arabes dispersées un peu partout et qui raviront ceux qui sauront les décrypter. Les visiteurs éprouveront-ils dans ce parcours autant de plaisir que les curatrices ? Il faut le souhaiter et s'ils en sortent fortifiés, «L'Art » aura rempli sa mission.






dimanche 8 mars 2020

Le vent se lève





MAC VAL, Musée d'art contemporain du Val-de-Marne
Vitry-sur-Seine
A partir du 7 mars 2020
Le vent se lève

MAC VAL, Musée d'art contemporain du Val-de-Marne
Vitry-sur-Seine
A partir du 7 mars 2020


Le gigantisme d'une œuvre de Tatiana Trouvé, « Desire lines » impose d'emblée sa présence. Mais surtout il orchestre l'ensemble de l'exposition tant par les sujets qu'elle aborde que par les ramifications de ces fils qui guident métaphoriquement le visiteur et à partir desquels tout un parcours sensible se construit. L'artiste archive ici les 212 chemins de Central Park et les transfère sur des cordes selon leur métrage sur autant de bobines. Chacune d'elles mentionne les références à une marche qui a marqué l'histoire des idées et des hommes. Chaque pièce présentée répond ainsi à une « démarche » engagée et incite à suivre ce fil imaginaire.
« Le vent se lève... Il faut tenter de vivre » écrivait Paul Valéry. Ce sont cette autre vie possible et ce souffle nouveau qui traversent les salles du MAC VAL. Cinquante-deux artistes de plusieurs générations témoignent des relations ambiguës entre les Hommes et la Terre à travers un parcours qui s'inscrit dans le temps de la marche, celui d'une austère méditation ou d'une flânerie rêveuse. Ou bien par le rythme, la superposition de fragments, comme dans les promenades de Nietzsche quand celui-ci suggérait qu'elles permettaient à la pensée de s'ouvrir continuellement à des perspectives nouvelles.
Les œuvres présentent ainsi les facettes toujours renouvelées de la nature à partir d'une multitude de supports et de points de vue. Bernard Moninot évoque « la mémoire du vent » par des prélèvements en traces lumineuses tandis qu'une toile de Dubuffet recourt à la pâte de papier mâché pour inscrire la puissance de la terre. Pourtant l'humain revient comme en écho avec les éléments. Une action de Gina Pane de 1970 témoigne d'une fusion avec la terre et dans « We are legion », Clément Cogitore convoque l'air, l'eau, la terre et le feu dans un cérémonial sauvage, un « déjeuner sur l'herbe» revu sous le prisme de la dérision et de la révolte. Nicolas Floc'h photographie de façon sculpturale les fonds sous-marins, les confins du visible et de l'invisible, le trouble d'une architecture et d'une ruine dans des structures artificielles immergées. L'alchimie végétale de Michel Blazy impose sa couleur tandis que les images de Jean-Luc Moulène surgissent entre récit et documentaire comme des instants de déambulation et d'arrêt.

Chaque artiste dévoile ainsi sa relation personnelle, physique et mentale avec son environnement. L'exposition déroule ce fil fragile qui nous relie au monde et elle parvient à nous égarer, avec inquiétude ou bonheur, dans ces petits chemins de l'art qui s'enfoncent parfois dans la forêt mystérieuse du réel.


Pierre Malphettes, "L'arbre et le lierre"

Sur la terre des dieux


Marc Chagall et le monde grec
Musée Marc Chagall, Nice
Jusqu'au 27 avril 2020


Dans l'espace lumineux d'une œuvre de Chagall, la terre se confond au ciel et à la mer dans un tourbillon de couleurs. Et les hommes partagent le règne des dieux, des animaux, des anges et des sirènes de telle sorte que le peintre n'aurait pu s'épargner d'illustrer cette Grèce qu'il rencontra en 1952 pour illustrer « Daphnis et Chloé ».
L’univers de Chagall est ainsi constitué de cette fusion de l'homme et du divin, de la nature et des mythes anciens. Et de la Bible à la Grèce, c'est le souffle d'un même chant qui se développe sur les rives de la Méditerranée. Aussi le Musée Chagall de Nice est-il le lieu privilégié pour une rencontre entre l'artiste et le monde hellénique  dans toute la puissance des forces contrariées et solaires de la poésie antique. L'exposition donne lieu à une explosion de lumière et d'images quand, sur des dizaines de lithographies, de livres ou de céramiques, Marc Chagall illustre cette vie sensuelle et tourmentée, quand les nymphes se jouent des enfers et des hommes et que le souffle tumultueux de l'Odyssée se heurte à la douceur bucolique d'une pastorale.
Lorsqu'il évoque une « mer vineuse », Homère charge la Méditerranée d'ivresse et de sang. L'artiste, comme le poète, est ce magicien qui métamorphose la légèreté d'un bleu dans un rouge tragique. Chagall, comme Ulysse, vécut le déracinement et l'exil, l'obstination inquiète et le triomphe de la sensualité et du désir dans une même quête spirituelle. Il faut alors se laisser porter, dans la beauté sereine du lieu, par cette élévation musicale, par ce rythme coloré des flots de la Méditerranée : Cette exposition nous invite au plus merveilleux des voyages.


vendredi 21 février 2020

Fabien Giraud § Raphaël Siboni, INFANTIA (1894-7231)




Institut d'Art Contemporain, Villeurbanne
Jusqu'au 3 mai 2020

Déconcertante par son caractère hypnotique et sa complexité, l’œuvre de Fabien Giraud et Raphaël Siboni ne peut laisser indifférent. Tout ici est déchirure et déchirement, fiction et réalité, vie et mort. Mais au-delà de l'errance à laquelle elle nous soumet, cette œuvre est un récit ou, plus précisément, une juxtaposition de séquences morcelées où s'agrippent des voix lointaines et obsessionnelles, des films lents ou saccadés qui diffusent de la mémoire ou les vestiges d'un temps lointain comme l'écho de notre futur.
L'IAC de Villeurbanne se transforme pour l'occasion en labyrinthe austère dont les salles ne permettent plus aucune circulation linéaire. Au contraire, elles communiquent même par des trouées latérales qui permettent au regard de s'exercer sur des salles annexes. Des tubulures parfois en mouvements et des incisions murales supposées correspondre à l'axe de la terre, créent un réseau inextricable d'un lieu à l'autre, un espace déconcertant qui happe le visiteur.
Le décor est posé, tout est lenteur, palpitation impalpable d'une vie qui germe et s'éteint dans un même geste. Le sol est jonché de déchets, borné par des traces de moisissure, de sel et de sculptures d'objets érodées tandis que du plafond, des sceaux ou d'autres dispositifs arrimés par des cordages, deviennent des sabliers desquelles des gouttes d'eau s'écoulent comme des poussières de temps. Et surtout, des corps vivants et bien réels dans leur absolu immobilité, ponctuent l'espace, allongés dans des positions de misère au milieu des détritus.
Tout ceci ne pourrait être qu'une mise en scène ambiguë si l'enjeu ne résidait pas dans la structuration d'un récit avec toutes ses composantes - films, performances, installations avec des caméras et des ébauches de sculptures - pour un voyage au-delà de toute frontière mentale. De forme étoilée, cette fiction se défriche douloureusement et nous confronte à la banalité de nos schémas narratifs. Réel et imaginaire se croisent dans un scénario ou des mortels se rejoignent pour créer en 1894 un phalanstère communiste. Et toute l'expérience de l'exposition se réalise sur l'idée du capital, de la valeur et de l'échange. Tout sera ici signifié par ces indices d'un stricte signifiant économique quand l'échange se réduisait au sel, aux plumes et aux objets les plus pauvres avant toute autre monnaie. Le sel est au cœur de cette œuvre quand il sert à la composition de masques blancs, tel des résidus d'échanges mais aussi un rappel de la conservation des corps. Vie et mort, naissance et disparition, traversent la narration. « Infantia » c'est ce premier balbutiement du monde mais aussi son dernier râle. Les vagues du temps se déplient et se déploient dans l'espace qui alors s'étoile et se fêle. Échange et valeur règnent ici dans leur grande solitude. La fiction nous transporte jusqu'en 7231 où des immortels vivraient sur une nouvelle terre qu'ils auraient construite sur les ruines de l'ancienne.
Utopie et uchronie se croisent dans des mouvements ondulatoires quand la réalité est toujours proche, obsédante dans le miroir implacable de la fiction. Fabien Giraud et Raphaël Sidoni parviennent ainsi à agréger des bribes d'histoire réelle, une interview de Nixon en 1971 et des méditations délirantes qui nous projettent dans l'univers d'un Escape Game inquiet. L'expérience est réussie : cette histoire nous hante et, tout en déambulant dans l'exposition, le visiteur cherche la clé d'une énigme dont lui seul aura peut-être la réponse.












dimanche 16 février 2020

Sol Calero - Villa Arson, Nice



Du 14 févier au 3 mai 2020

« Ils ont insisté pour couvrir les fissures, mais les murs transpiraient toujours. »
De cette phrase liminaire à son exposition, Sol Calero, artiste vénézuélienne en 1982 et résidant désormais à Berlin, nous parle de plaie et de mémoire comme pour nous convier à recevoir l’œuvre au-delà de ce qu'elle montre, à percevoir les trouées dans un espace d'apparence si lisse, si confortable dans le quotidien qu'elle suggère.
Elle installe un paysage tropical dans la Villa Arson, dans son architecture brutaliste, et des peintures végétales dans leur enchevêtrement de couleurs rutilantes qui se mêlent à des murs repeints à vif, avec ci et là des balafres d'un jaune ou d'un bleu intense à la fois en harmonie et en  désaccord avec elles. Dans cet espace, tout est paradisiaque. Et comme chez le Douanier Rousseau, tout est intemporel mais la naïveté apparente n'est-elle pas feinte ? Et comme pour les oiseaux qui venaient picorer les raisins de Zeuxis tellement ils étaient parfaitement peints, l'artiste n'est-il pas lui-même abusé par ses propres représentations du monde ?
De paradis il n'y en aurait que d'artificiel et chacun recèle son serpent. Cette idéalisation, que l'on se construit et qui perdure dans l'art,  traverse l’œuvre de Sol Calero. Celle-ci en explore physiquement les failles à l'intérieur de l'espace qu'elle crée pour son travail. De sa mémoire, elle extrait des bribes de beauté, des feuillages et des fleurs mais aussi des éléments de mobilier, des céramiques, des livres, des fragments de mythologie sud américaine. Pourtant il y a cette réalité du lieu présent, du paysage qui revient par les baies vitrées. Et aussi les parois de la Villa récemment meurtries par de récentes intempéries dont l'artiste accentue les crevasses, y insérant des branchages, accumulant des décombres comme pour un passage du dehors au dedans mais aussi du passé au présent. L’œuvre est poreuse, incertaine, au-delà de ce qu'elle figure. « Oublieuse mémoire » écrivait Jules Supervielle à laquelle Sol Calero répond par la trompeuse mémoire -  celle qui revient par fragments, illusion sensorielle, et se cogne au réel.
L'identité se construirait-elle sur un héritage personnel, culturel, collectif et post colonial ou bien les reliques de celui-ci seraient-elles aussi saisies par les détours de l'idéalisation ? L'identité c'est encore une construction à partir d'un leurre et l’œuvre est cette quête du réel par le détour de l'idéal. C'est beau avec un reste de mélancolie. N'y aurait-il que des paradis perdus?



samedi 15 février 2020

« Variations », Les décors lumineux d'Eugène Frey. Présentés par Jao Maria Gusmao



NMNM, Villa Paloma, Monaco

Du 7 au 20 mai 2020


En ouvrant le monde de l'image et de l'imaginaire vers d'autres perspectives que les modèles de la sculpture ou de la peinture, l'art contemporain s'est emparé de l'histoire qui les avait établis sur ce seul piédestal. Sans renier les éclairs de sens ou de beauté qui fusent ici et là dans des pratiques anciennes lorsqu'elles s'actualisent au monde d'aujourd'hui, beaucoup d'artistes se saisissent désormais des techniques ou des expérimentations qui furent celles des maîtres du passé pour les adapter aux contraintes et aux apports des nouvelles technologies.
Eugène Frey, peintre méconnu né en 1864, fut l' inventeur des « décors lumineux à transformations » qui, essentiellement à Monaco, révolutionnèrent le spectacle. Comme avant lui, Vinci ou la « camera oscura » avaient déjà ouvert la voie à des champs d'expérimentation optique qui restèrent trop souvent invisibles dans l'histoire de l'art. L'artiste est désormais un créateur qui ne se contente plus de « montrer » sur une toile ou devant une scène mais celui qui exhibe l'envers du décor, les coulisses où s'élabore la trame d'une autre visibilité.
L'exposition du NMNM de Monaco permet ainsi de reconsidérer l'image à travers son envers et les systèmes illusionnistes qui la produisent. L'artiste portugais Joao Maria Gusmao s'attache ici à réactiver l’œuvre d'Eugène Frey par un dialogue entre son travail et les innovations de celui qui créa un dispositif inédit pour, à l'arrière du décor de l'Opéra, installer des agencements sophistiqués de projections pour ajouter au spectacle vivant l'incidence de l'image animée. C'est en effet au XIXe siècle que celle-ci prend son essor avec la photographie et les ancêtres du cinéma, les lanternes magiques, le théâtre d'ombre, la superposition de plaques de verre peintes à la main pour créer des effets de mouvement qu'Eugène Frey accentue ou analyse à l'aide de jeux de projecteurs. Placés derrière la toile de fond de la scène, ils permettent au spectateur une sensation de relief qui l'introduit dans une autre perception du réel.
Les documents présentés, les matériels utilisés comme la complexité d'une machinerie de déplacement sur rails pour les projections, sont le point de départ des productions de Joan Maria Gusmao. A partir d'une approche phénoménologique, il recompose l'espace physique du lieu et son contenu scientifique essentiellement à partir de projecteurs de diapositives. Il transforme les silhouettes découpées en ombres chinoises et les automates des anciennes animations en flux lumineux et en images nouvelles comme conjonction du dehors et du dedans, du concret et de l'abstrait. Pourtant il ne s'agit plus tant d'analyser l'image que les degrés de perception qui permettent de l'appréhender. Et s'il existe une métaphysique de l'image, la physique renvoie à ses seules conditions matérielles. Toute la scénographie répond ici à cette radiographie exploratrice de l'image avec la présence de nombreux acteurs, des pionniers du cinéma comme Mélies ou cette performance dans une vidéo de Lourdes Castro avec les rituels de la lenteur d'un corps velouté. L'iconographie romantique du XIXe siècle avec ses figures médiévales et ses paysages tourmentés se confronte à l'art d'aujourd'hui pour une aventure pleine de surprises.




vendredi 14 février 2020

« Le dernier Brahmane », Shailesh BR



Villa Arson, Nice
Du 14 février au 3 mai 2020

Entre autobiographie et roman, la salle d'exposition préfigure un récit de forme étoilée où se formulent les confluences et les détours de la modernité et de la tradition dans le contexte de la société indienne d'aujourd'hui. Le trajet conçu par Shailesh BR peut se concevoir comme un projet de compréhension sur cet écart entre le présent et le passé, l'orient et l'occident et ce « dernier Brahmane » qu'il convoque, c'est aussi donc une part de nous-mêmes. Au sommet de la pyramide sociale et religieuse, ce Brahmane, à l'instar de l'intouchable qu'il ne peut côtoyer, est condamné à la détermination de sa caste. Ce présent continuel, exempt de toute rupture et de tout progrès, condamne l'homme à se soumettre à son hérédité et à un destin social. De l'art traditionnel à l'art d'aujourd'hui, les formes de représentation sont toujours aussi le miroir d'un conflit.
L'artiste indien s'installe donc dans un espace qu'il investit physiquement mais aussi dans le temps même de l'exposition et de sa durée. Un présent de vie répond à l'éternité d'un présent. Et à l’indéfini d'un commencement ou d'une cause, il propose un état des choses comme autant de métaphores pour une simple méditation sur l'état du monde. L'espace est alors cartographié selon un parcours où le rituel se conjugue aux traces de la modernité. Des sculptures cinétiques mêlent machines et ingrédients traditionnels, tels que la paraffine des bougies ou les pigments safranés, le curry et tous les indices attachés aux symboles de l'Inde.
 L'exposition se contemple dans l’éclosion de cet espace dont le microcosme serait peut-être à percevoir dans la multitude des fleurs de lotus en paraffine jaune. Chaque pièce au mur ou sur le sol contient une anecdote toujours communautaire sans que l'individu n'ait jamais prise sur sa propre vie. Les indices abondent, la matérialité des objets traditionnels se cogne à des machines qui ne désirent rien. Le conflit est larvé, il ne se formule pas et l'artiste trace un chemin entre spiritualité et liberté dans un déroulement parfois implacable et douloureux. Chaque pièce présentée distille à la fois une poussière du monde et la globalité de celui-ci. Chacune proclame un rejet de toute ségrégation et l'ensemble invoque la nécessité de la conversation et de l'échange. Au-delà de sa subtilité, l’œuvre de Shailesh BR répand son rayonnement dans un lieu qui répond à son étrangeté. Mais ici nul n'est pourtant étranger, ni dans une caste, ni dans une nation. L'art sert aussi à rassembler.



dimanche 9 février 2020

Pierre Soulages, "La puissance créatrice"


On ne trouvera hélas plus guère d'artiste français de moins de 60 ans encore vivant et jouissant d'une notoriété internationale. Pierre Soulages, du haut de sa centième année, est cette figure de proue d'une génération de peintres à qui l’on n'accorda aucune  succession et, lorsqu'il s'acharna à extraire la profondeur lumineuse du noir, peut-être inconsciemment célébrait-t-il déjà le deuil du grand art français. Pourtant l'intérêt de l'exposition niçoise, outre la qualité des pièces présentées, réside dans l'illustration de la trajectoire du peintre à travers les influences qu'il subit et toutes les explorations qui lui permirent d'acquérir la pleine autonomie d'une oeuvre toujours vivante et cet Outrenoir qui consacra sa célébrité.
Un parcours chronologique réunit donc 72 œuvres de l'artiste, dont 25 peintures et même, fait rarissime, une sculpture. De 1948 à 2008, Pierre Soulages traverse les grands courants de son époque avec toujours cette volonté farouche de traduire au plus près l'essence même de la peinture, la puissance d'une matière, la dignité d'un signe, l'autorité de la couleur. Et en dépit de sa grande diversité, l’œuvre n'a jamais rompu ce fil. L'exposition a le mérite de nous montrer  ce cheminement en parallèle avec la présentation de quelques peintures de ceux qui, de près ou de loin, l'accompagnèrent – Manessier, Hartung, Zao Wou-Ki, Atlan, Picasso et tant d'autres.
Comment allier matière et transparence ou faire surgir la lumière dans un ocre ou dans l’extrême du noir ? Comment animer l'espace à partir d'un signe primaire et le confronter à la géométrie ? Ce parcours nous permet d'explorer les solutions originales que l'artiste apporta dans ses peintures, ses eaux fortes, ses calligraphies ou ses affiches. Pour un tel voyage, un guide s'impose. Le poète Léopold Senghor, l'ami qui souvent accompagna le peintre et dont l'oeuvre fut illustrée par nombre d'artistes majeurs, est celui dont l'esprit répond aux peintures de Soulages. L'exposition est ainsi jalonnée des traces d'une aura poétique. Pour Pierre Soulages comme pour le poète, voici un chant du feu qui traverse  la nuit pour une obscurité chargée d'étincelles. C'est la nuit du temps, une aube primitive d'où va éclore le plein soleil d'un art dans l'accord parfait de la main et de la pensée. L'outil, celui que l'artiste a souvent conçu lui-même, apparaît concrètement dans l'exposition. Mais pour chaque œuvre, son empreinte témoigne du geste premier du corps, de la dextérité de l'artisan, de la perfection d'une œuvre. Nul n'y restera insensible. Une telle unanimité à l'égard d'un artiste fera date en des temps où, pour seule lumière, l'art d'aujourd'hui n'offre parfois plus que des étoiles filantes.

Espace culturel Lympia, Nice 
Du 8 février au 19 avril 2020



jeudi 6 février 2020

"Lou Che" de Noël Dolla. Port de Nice




                            Entre palissades et travaux, vue de la route qui longeait le port, la sculpture « Lou Che » de Noêl Dolla hérissait ses crêtes désarticulées, peintes de couleurs industrielles, qui évoquaient celles des grues et autres installations portuaires. Ces mêmes couleurs qui s'accordaient à la fois aux façades alentour mais tout en les désarticulant. Le chaos s'ajoutait alors au chaos. 
                              Plus tard, une fois l'espace dégagé, la sculpture découverte de la partie inférieure du port à la sortie du tunnel du tram émergeait avec la violence d'une fleur jetée vers le ciel. Ses pétales anguleuses ciselaient la lumière de la Méditerranée avec des reflux d'images, des découpes de grues et de barques entremêlées. Elles se mesuraient tant  à l'ancien récit d'une architecture somptuaire qu'à l'espace des hommes qui y travaillèrent, ouvriers et pêcheurs, avec la sueur des mains calleuses et cette obstination à déchirer l'apparence d'un décor pour en extraire leur histoire et leur réalité.
C'est ainsi que la sculpture prit son envol dans une beauté brutale confrontée à un encadrement de pierres et aux ocres et rouges environnants. Les teintes de la sculpture se fondaient à eux tout en déstructurant l'ensemble comme pour un assemblage dont il faudrait désormais penser chaque strate de son histoire. L'artiste de Support-Surface revenait ainsi à ses sources et le spectateur se heurtait à ce regard divergent au point de lui-même « loucher » entre ancien et nouveau pour recomposer cet autre espace entre la symétrie portuaire et la vie réelle à laquelle elle se confrontait.
Ce point de confrontation se cristallise aujourd'hui dans « Lou Che » de Noël Dolla. Avec bien sûr quelque chose de louche, dans cette beauté saisie dans son côté trouble et dangereux mais de celle qui fait vaciller ces beautés déjà fanées tant elles ne vibrent plus au monde. « Lou Che » se revendique haut et fort en mots, en formes et en couleurs. Il s'inscrit comme une réminiscence du Che, un amour surtout pour la mer et la lumière. Homère aussi n'est pas loin et Ulysse et ses ruses pour vaincre les dieux, vivre le désir et redonner justice à sa terre perdue. Nikaia reste bien ici la mère de Nice.
On eut alors le droit à une picrocholine querelle d'Hernani autour de l’œuvre. Anciens et modernes, on pétitionna. Les uns crispés sur une image qu'il ne fallait pas effleurer, les autres drapés parfois dans l'arrogance de leur savoir. Pétitionner revient souvent à ne rien argumenter pour seulement se positionner dans un camp. Mieux vaut alors prendre le large, voguer dans les vagues et le ciel, ne serait-ce qu'à l'aide d'un esquif déglingué... L'aventure de l'art est à ce prix.