vendredi 6 octobre 2017

Philippe Ramette, Exposition monographique

Espace à Vendre, Nice




L'art de Philippe Ramette se fond dans un récit dont l'homme serait à la fois l'initiateur et l'acteur. Un récit d 'apparence autobiographique s'il fallait ici s'abandonner aux faux semblants alors que l'artiste, au contraire, en désigne les trucages et révèle l'envers d'une mise en scène dont le décor serait le monde physique avec ses objets, des villes ou des océans.
 L'homme de Ramette est universel en ce sens qu'il est soumis aux lois de la gravité, à l'illusion de la perspective, à l'attraction de la pesanteur mais le geste de l'artiste -ce qu'il convient désormais de nommer « performance » - sera celui d'une expérience de la déconstruction de ces lois. Changements d'échelle, architecture du déséquilibre, autant de manières pour Philippe Ramette d'introduire des coupes dans notre façon d'envisager notre rapport au monde.

Les photographies illustrent cette impossible ou douloureuse relation de l'homme à son environnement. La posture raide et figée du personnage dans son précaire équilibre exclut toute psychologie et désigne de fait  un récit sans narration. Ce qui serait le moindre paradoxe pour une œuvre construite sur la notion même de paradoxe et  de  défi au sens comme à la  logique. Mais ici  tout est faussé et l'artiste démont(r)e les illusions, les procédures vaines et lui-même se donne à voir comme un signe corseté dans le costume sombre et stricte de l'anonymat. Egalement dans les dessins ou les sculptures en résine, l'homme se réduit à une enveloppe vide, à un spectre.

Il y a ici cette forme d'humour métaphysique qu'on peut retrouver dans les mises en scène de Magritte, dans la récurrence d' hommes réduits à des signes anonymes, étrangers au monde, dans les peintures de Jean Hélion ou d' Antonio Segui. Pourtant Philippe Ramette – autre paradoxe – reste l'artiste de la gravité même quand il en déconstruit fictivement les lois. Tout est factice, tout est réversible.
Cet humour froid, distancié, clinique, joue avec l'humour noir en le désignant comme simple référence sans jamais nous installer dans un univers sombre ou hostile. L'objectivité -peut-être faudrait-il dire, « l’objectivation du monde » - reste de rigueur. Sur un socle de bois pur, une porte s'ouvre sur le vide avec une plaque  « sortie des artistes » et l'on pense à un échafaud. Ailleurs des objets se réduisent à des prothèses et l'on ne sait qui de l'homme ou de la chose est le plus risible en cette inquiétante  histoire. Prothèses, synthèses, foutaises, tout est grinçant et nous donne à voir autrement le monde.
Pour cela, il lui faut s'en détacher, l'expérimenter par des rites quasi obsessionnels et maniaques, en représenter l'aridité radicale pour en extraire, au mieux, une beauté nouvelle. A moins que le trouble, la suspension du sens littéralement figurée ici en soit le creuset pour la promesse d'une autre perception du monde.

Du 6 octobre au 26 novembre 2017




jeudi 5 octobre 2017

Le palais Lascaris revisité

                         

BEN, Benjamin Vautier dit, ( Naples, 1935)
C’était du temps où l’on ne demandait pas son avis au peuple, 2010
Acrylique et collage sur toile
54 x 65 cm
Collection de l’artiste
©Adagp, Paris, 2017


                        Que perçoit aujourd'hui l'artiste lorsqu' il se confronte au decorum d'un vieux palais niçois et comment son regard peut-il réactualiser le lieu et les œuvres qu'il renferme  ? C'est ce défi que relèvent 18 artistes majeurs qui, tous, proposent une relecture des objets qui y sont déposés  mais dont la poussière du temps aurait peut-être désormais occulté la beauté et le sens. Et voici que ,maintenant, ceux-ci s'animent et reprennent chair après que l'artiste, dans une attitude très contemporaine, les a caressés, provoqués, sondés pour finalement en extraire cette substance intemporelle inhérente aux grandes œuvres.

                          Cette « revisitation » du Palais Lascaris a le mérite de toujours se réaliser à partir d'une approche très personnelle si bien que les propositions se croisent, s'opposent, s'interrogent mutuellement sans jamais se répéter. L'un joue avec les mots, l'autre avec la matière. Plus loin on décompose un élément de statuaire ou bien l'on reconstruit des figures picturales et là on exhume des fantômes... L'humour répond à l’onirisme des uns tandis que l’intellectualisme déjoue la rigueur plastique des autres.

                          Et l'on se dit qu'il devrait toujours en être ainsi. Dans les contes, les rêves ou la réalité,  les anciennes beautés endormies attendent toujours le prince qui leur redonnera vie et alors on saura  découvrir une beauté que, parfois, on avait oubliée ou qu'on ne savait plus voir...


Œuvres de : Arman, Ben, Denis Castellas, Caroline Challan Belval, Jean Dupuy, Philippe Favier, Claude Gilli, Olivier Gredzinski, Philippe Gronon, Thierry Lagalla, Didier Larroque, Natacha Lesueur, Bruno Pelassy, Rober Racine, Jean-Philippe Roubaud, Corina Rüegg, Cédric Tanguy, Cédric Teisseire

Palais Lascaris, du 29 septembre 2017 au 1er avril 2018







Natacha LESUEUR (Cannes, 1971)
Sans titre, 1998
Photographie contrecollée sur aluminium et recouverte d'un film plastique ultra brillant,
90 x 140 cm
Collection Frac PACA, Marseille, Inv. : 99.397
©Adagp, Paris, 2017




vendredi 22 septembre 2017

Un regard, une oeuvre: Olivier Gredzinski





Réalisé par Olivier Gredzinski durant l'été à Beyrouth, le tableau de très grand format est exécuté sur de la toile de matelas en damas, de celle que des générations de libanais ont connue pour s'y être couchés. Cauchemars de la guerre et rêves de héros se sont ici entrelacés et murmurent désormais l'innocence, la naïveté, les espérances et tous ces souvenirs où la réalité se confond dans l'imaginaire. La peinture est bien cet interstice dans lequel le réel se façonne autrement ; elle est l'antichambre d'une pensée qui s'élabore et fouille l'avenir par ses coulures, son éclairage un peu louche qui fait vaciller toute certitude. Elle est cette proposition qui n'impose rien d'autre que l'hypothèse d'un regard et d'une lumière.
Ici le héros est factice. Désincarné tel un personnage de BD, il tire un coup de feu sur une forme qui s’apparenterait à une fleur. Mais le fond est-il jamais identifiable ? Ce qui est figuré se réduit donc à ce faux semblant, à ce rêve qui n'échouera que sur un réveil douloureux. En réalité, c'est plutôt dans ce fond de la toile, avec une abstraction feinte, des signes informels et des faux semblants que le drame se noue. Et ce qui importe ce n'est pas tant ce qui est donné à voir que cette dramaturgie même de la peinture avec ses coulures qui font tache sur ce que la scène devrait raconter. L’exubérance de la couleur, le renversement des formes dénoncent la narration. C'est ici l'histoire de ce mensonge, ou de ce hiatus, ou de cette incommunicabilité entre le monde et celui qui, d'une manière ou d'une autre, s'essaie à s'en emparer. Le tableau nous contraint à cette torsion qui est la nôtre quand l'on se soumet à ses règles. Ainsi en sommes-nous la cible de laquelle surgira l'éclosion de notre regard. De cette confrontation, nul n'en sortira indemne car si le regard peut tuer, celui que l'artiste propose, promet d'être salvateur.

Michel Gathier

jeudi 21 septembre 2017

Big Brother et moi, et moi, et moi...


 
L’association Artistes en Mouvement présente son 5ème parcours de sculptures et installations Rue Princesse Caroline à Monaco. Cette association fut fondée sur des valeurs d'humanisme et de solidarité et, à ce titre, elle est à l'origine d'un Centre Culturel à Waga, au Burkina Fasso et de bien d'autres actions humanitaires. Son engagement la conduit aujourd'hui à exposer des œuvres qui mettent en relation conflictuelle, mais avec humour et poésie, Big Brother et l'artiste.
« Big Brother is watching you » écrivait George Orwell dans son roman 1984. Mais ici la proposition s’inverse et voici que l'artiste regarde à son tour le monstre froid, qu'il l'exhibe dans son ubiquité tentaculaire et en extirpe les multiples apparences. Big data, internet, téléphonie, télévision, autant de vecteurs d'un contrôle invisible que l'artiste nous donne pourtant à voir dans une multiplicité de signes matériels tellement ancrés dans nos habitudes quotidiennes que nous ne les percevons plus. L'information généralisée et globalisée, si comme tout savoir, peut être la condition d'une culture émancipatrice, elle peut aussi l'absorber dans l'anéantissement de la liberté. C'est cette histoire, dans ses contradictions et sa diversité qui nous est racontée ici. Ainsi Caroline Rivalan érige les ruines calcinées d'un amas d'antennes dont nous avions oublié la diversité des formes. Elles hérissent l' espace sombre d'un champ archéologique qui restera à défricher ou à déchiffrer. Maria Ramos, à l'inverse, joue sur la fragilité et la transparence du réseau semblable à une multitude de toiles d'araignées qui se concentrent sur un triangulaire « œil de la providence » qui renferme un trou de serrure. Le lieu du voyeur est au cœur du contrôle et l'artiste lui-même en est-il exempt ?

Oeuvres de Catarina Aicardi, Maria Amos, DeDomenico, Pascale Dieleman, Do Benracassa, Karen Finkelstein, Galka, Héléna Krajewicz, Alain Lapicoré et Aleksandra Lewicka (AL2), Caroline Rivalan, Rob Rowlands, Franz Stähler.

Rue Princesse Caroline, Monaco, jusqu'au 27 octobre 2017



                                                   "Totem" Caroline Rivalan


                                          
                                              "Neurones" Franz Stähler


                                             "Internet, je t'aime moi non plus" Héléna Krajewicz

vendredi 8 septembre 2017

Marcel Alocco, "Itinéraire 1956-1976"

Galerie Depardieu, Nice




Coudre, en découdre avec les formes et les langages, projeter la couleur ou la tenir corseté sous le signe d'un logo ou les contraintes d'un cache. Traquer le souffle des mots tapis derrière l'image, et toujours couper, découper, déchirer comme si tout ces fragments n'étaient que des écrans pour occulter le monde. Le révéler, tel serait donc le geste de l'artiste ou de celui qui s'engage dans l'aventure du sens, dans ses impasses, ses contresens, bref tout ce qui constitue la vie dans son désordre. Celle qu'il faut ainsi décrire pour tracer un avenir, un flux, un sillage dans lequel art et poésie se confondent.
Construire c'est aussi déconstruire. Marcel Alocco propose un « itinéraire » d’œuvres réalisées entre 1956 et 1976. En phase avec les mouvements qui agitent alors les arts plastiques, il renverse le châssis, le rend à la visibilité. Il dépouille la toile de ce qu'elle prétend dévoiler pour en saisir les doutes, les contradictions qui s'essaiment dans un puzzle qui prend la forme d'un patchwork.
On y retrouvera la rigueur d'une humilité artisanale associée à une réflexion sur l'histoire de la peinture. Des références à l'art classiques se heurtent à des idéogrammes chinois. Puis la peinture devient dessin, découpage. Les mots la bordent ou s'en emparent. Alocco nous convie à ce déplacement des signes, à une transformation toujours en cours qui ne laisse aucun répit à l'élaboration d'une théorie ou d'un système. Ici l'art se donne comme une pratique et l'artiste n'est plus tant celui qui décrit le monde que celui qui expose une pensée.

Du 7 au 30 septembre 2017



   



mercredi 23 août 2017

Anne Gérard, L'été contemporain dracénois.

                    Pôle culturel Chabran, Draguignan




                           Dans le cadre de l’Été contemporain de Draguignan, Anne Gérard expose ses dessins colorés sur papier. Mais déjà ces derniers mots se révèlent-ils maladroits quand il faudrait plutôt dire « colorisés » comme pour un ancien film en noir et blanc,. Et "peinture" plutôt que dessin. Et s'interroger sur la validité du support:  mais l'artiste joue de ces incertitudes comme si, de ce trouble, une forme de récit advenait.

                             Or, dans ce récit incertain, deux séries se télescopent tant leurs références divergent. D'une part, des cadrages austères d'intérieurs bourgeois qui feraient penser à Vuillard et, de l'autre, un ensemble de grand formats autour du thème de la bouée. Mais à y regarder de plus près, les deux récits se contaminent mutuellement ; l'un corrige l'autre à moins qu'il ne suscite l'idée d'un autre espace, mental celui-là, appartenant aussi bien  à celui qui contemple, qui imagine, qui oscille d'un rivage à l'autre entre deux eaux pour une autre narration construite sur ce décalage entre ce que dit l'image et ce qu'elle suscite. Deux univers opposés donc pour nous convier à ne pas lire l’image telle qu'elle s'énonce mais plutôt à l'interpréter dans son rapport avec ces autres images qui l'interrogent et agissent sur elle par effet d'effacement et de recouvrement.

                             Les dessins d'intérieurs sont serrés, étouffants, vides de toute présence humaine. Les objets ne sont ici que des traces échouées, des tableaux asséchés, vidés de leur sang et de leur fièvre. Le dessin joue toujours la perfection mais on le devine tremblé, poncé, érodé, et les quelques jus de couleur révèlent des zones d'ombre plutôt qu'ils n'illuminent le décor. Anne Gérard dessine ce trouble à la perfection comme elle sait peindre cet au-delà de la peinture de genre quand celle-ci n'agit plus qu'en tant que mémoire et symptôme d'un art disparu et pourtant obsédant. Et dans ce cadre tellement convenu que nous ne savons plus vraiment le voir, d’étranges indices en menacent l' équilibre ; l'encre est mauvaise, la couleur saturée et malade.

                         L'image de la bouée dans un espace plus ouvert, dans son extériorité libératrice, parviendra-t-elle à nous sauver de ce monde-là ? Les œuvres, vastes et fluides, enfin respirent, s'écoulent jusqu'au sol. Le dessin maintient cette perfection dans la saisie du réel mais celui-ci est pourtant contrarié par des points de vue déroutants qui sèment le doute sur l 'identité de l'objet. Tour à tour forme et métaphore, la bouée devient un indice flottant, une indécision qui, là encore, malmène l'image vouée à s'échouer sur des rivages exsangues.



                              Anne Gérard sait disséminer des traces, cacher les indices, contrarier les objets de telle sorte que jamais l'image ne saurait être le miroir du monde. Au contraire, celle-ci est-elle le témoignage de son négatif. Elle est une ombre portée par un rythme qui, ça et là, étincelle ou bien encore, par cette ligne de flottaison, ce flottement du sens qui s'en empare. Il y a ici toute la poésie d'une Odyssée avec ses antres ténébreux, les flux de la mer, les naufrages et tous ces débris du désir qu'il faut imaginer comme des mots que la peinture parviendrait à révéler.

Michel Gathier

Du 29 juillet au 16 septembre 2017




vendredi 18 août 2017

Jean Antoine Hierro, "Always the sun"

Galerie 4-Auction, rue du Congrès, Nice




Par la multiplicité des approches que l'art suppose, il faut renoncer à toute définition de ce mot qui, au cours de l'histoire, n'a cessé de se modifier. Au mieux peut-on observer ces variations par des rapports au sens, à l'esthétique, à l’environnement, à l'autobiographie ou à toute autre concept si, dans sa liberté, l'artiste décide de son choix et parvient, dans son oeuvre, à le revendiquer. Avant de s'imposer dans une histoire de l'art, la création relève de l'arbitraire. La volonté de produire, l'acharnement à réaliser un projet à travers un véritable savoir- faire demeurent une clé essentielle pour la réalisation d'une œuvre.

Le travail de Hierro s'impose d'emblée par cette liberté créatrice qui ne s’embarrasse ni des références picturales, ni des modes, ni des traditions. Ici l'artiste se saisit de tout ce qui est mémoire, rythme, signe et couleur, pour capter le regard par le biais d'une composition symphonique que rien ne rebute : Si le monde est chaos, si les signes se télescopent, si le réel aveugle au point d'être illisible, autant décrire cette force jubilatoire, en ausculter les rythmes et les jeter sur la toile dans une véhémence maîtrisée. C'est dans cet équilibre précaire, qu'entre abstraction et figuration, une forme de récit affleure la peinture. L'homme et le monde, saisis au présent, balbutient, à moins qu'ils ne crient, cette fascination pour l'art, cet inconnu que l'artiste ne cesse d'explorer dans sa liberté souveraine.

Michel Gathier


dimanche 16 juillet 2017

Jean Pierre Schneider, Didier Demozay, " A voix haute"


                            Galerie Sabine Puget, Château Barras, Fox-Amphoux, Var


                           
     Très différentes dans leur projet, les peintures de Demozay et de Schneider traitent de la question de l'espace. Pour le premier il s'agit d'un espace purement pictural lié à la couleur, à sa qualité interne et à la manière dont elle agit en relation avec une autre. Elle se mesure, vigoureusement ou avec hésitation, dans l'ébauche d'un rectangle imparfait mais se refuse à dire autre chose qu'elle-même et de cet espace qu'elle suggère.


Pour Jean-Pierre Schneider, les larges aplats de peinture prennent leur source dans une extériorité qui est celle des mots. Mais ceux-ci semblent saisis dans la gangue de la matière picturale et le peintre les révèle par incision, griffure, jusqu'à ce qu'ils émergent, balafrés et nus,  dans ce signifiant muet d'un langage sur le point de naître.
 D'où le trouble que cette peinture produit. L'espace joue d'une totale sérénité, la lumière diffuse une couleur majestueuse qui se module entre le mat et le brillant, et de larges surfaces lisses ou recouvertes de couches successives. Et soudain des explosions de matière, des balbutiements de signes perturbent cette ordonnance classique dans la pureté de la forme d'une colonne, d'un chapiteau ou d'une voûte.
 Ces citations architecturales relèvent alors d'une forme d'archéologie comme si la peinture était un écho, un révélateur qui énonçait un acte fondateur, avant les mots et les choses. Et que cette énonciation était surtout une annonciation quand elle parlait d'une naissance et d'un mystère, qu'elle était ce dépôt sémantique saisi dans une histoire originelle de matière en gestation pour l'aléatoire des formes et des couleurs dont l'artiste s'empare à l'intersection du hasard et de la nécessité. Et toujours, au-delà de la matière et du langage, l'horizon de la poésie, ce filament brûlant qui étincelle ici.







"Un été à Monaco, De l'impressionnisme à l'art moderne"

                 Moretti Fine Art, 27, avenue de la Costa, Monaco


                                     Edvard Munch "Blond and dark-haired nudes 1902-1903

                           Pour l'ouverture de sa galerie à Monaco, Moretti Fine Art présente un éventail très représentatif de quelques œuvres de l'impressionnisme avec Pissarro, Caillebotte, Boudin, Renoir... Un superbe Picasso exécuté en 1906 réalise une parfaite synthèse de sa période bleue et de sa période rose, un portrait de Matisse confirme sa perfection dans le dessin. Une nature morte de Juan Gris de 1916 illustre le Cubisme synthétique... Tout un ensemble d’œuvres qui font de ce lieu un petit musée qu'il faut visiter.
                           La pièce la plus émouvante reste peut-être ce tableau de Munch comme parfaite illustration de cet expressionnisme allemand dont il fut, quoique norvégien, le principal initiateur.
                           Oeuvres de Monet, Boudin, Sisley, Pissarro, Munch, Cézanne, Renoir, Léger, Braque, Picasso, Van Dongen, Degas, Gris, Matisse, Fontana.

                                                 Monet, Près de Monte Carlo, 1883

                                                   Sisley, Bords de la Seine en hiver, 1879

                                      Léger, Tapis rouge dans le paysage, 1952   
                                                           


vendredi 14 juillet 2017

"La Cité Interdite à Monaco", Grimaldi Forum



A partir de la Grèce et avec l'Agora, l'occident se construisit sur une confrontation orale de laquelle l'idée de démocratie émergea. La révolution française consacra d'ailleurs ce triomphe de l'éloquence. Une histoire bien française qui continue encore... A l'autre bout du monde, la Chine, elle, se construisit sur l'écriture. La calligraphie porte en elle-même le sceau de la nature et, dès lors, un autre paradigme s'établit, non plus sur l'horizontalité des rapports sociaux mais sur la verticalité qu'incarne l'Empereur dans cette filiation entre la terre, l'homme et le ciel. L’écriture lui en est alors consubstantielle et, plutôt qu'un tribun, l'Empereur est celui qui lit et paraphe journellement les rapports que, de toutes parts, une « armée de lettrés » lui fait parvenir. La Chine ne se comprend pas sans cette relation à l'écriture et son lien intrinsèque à la nature. Et il n'est pas anodin que ce sont, en France, des poètes qui l'ont le mieux exprimée - Claudel dans sa « Connaissance de l'est » et Ségalen dans « Stèles ».

Sans doute faudrait-il les relire pour vivre ce beau voyage dans le temps et l'espace chinois que nous propose le Grimaldi Forum de Monaco. Cette exposition est une mise en scène parfaitement structurée de ce que fut cette Chine de la dernière dynastie entre 1644 et 1911. La Cité Interdite revit donc cet été à partir de 250 œuvres issues pour la plupart du Musée du Palais impérial à Pékin et qui n'en étaient jamais sorties. Mais beaucoup proviennent aussi de collections d'Europe ou d'Amérique.
L'exposition s'organise autour de thèmes tels que « S'incliner devant le fils du ciel », « Vénérer le ciel », « Honorer les ancêtres », « Interroger le ciel » qui expriment cette filiation verticale mais aussi, par exemple, « les jardins impériaux » comme microcosme du monde. On y trouvera aussi , entre autres, « le jardin bouddhique » et « le salon de musique »...

L'oeuvre d'art se confond ici à la fonction d'usage de l'objet. On trouvera donc, dans un parcours savamment ordonné, des calligraphies, des peintures sur soie et même à l'huile, des bronzes mais aussi des armures, du mobilier, des porcelaines et des costumes d'apparat. Et l'on y admirera la beauté fulgurante d'une écriture, de cette calligraphie qui est en elle-même  la plus intense des œuvres d'art. 

La Cité interdite à Monaco. Vie de cour des empereurs et impératrices de Chine. Grimaldi Forum, du 14 juillet au 10 septembre 2017.