Fondation Hartung-Bergman, Antibes

 

«Les archives de la création»

Du 11 mai au 30 septembre 2021

Le blanc des murs se heurte au bleu du ciel. A peine la pureté géométrique des édifices qui composent la Fondation est-elle altérée par les vagues d’oliviers multicentenaires qui semblent inscrire dans l’éternité du temps l’œuvre d’un couple d’artistes majeurs du XXe siècle, Hans Hartung et Anna-Eva Bergman. Ici la couleur se confronte à l’espace de même que la peinture de l’un se disputait à la peinture de l’autre - histoire de rencontre et de désaccord, de contraste ou de fusion, tout ce qui fait qu’une vie se grave dans la force d’un tableau.

La Fondation Hartung-Bergman héberge ce récit qui nous est conté à travers son exposition inaugurale, «Les archives de la création». De nombreux documents - lettres, croquis, carnets - relatent les sources de l’inspiration, les amitiés, le quotidien des artistes en apportant un éclairage inédit sur les œuvres présentées. C’est aussi pour la Fondation, une ère nouvelle puisqu’elle s’ouvre enfin au public après deux années de constructions et d’aménagements.

Sur les hauteurs d’Antibes, le couple fait l’acquisition d’un terrain en 1961 sur lequel, selon le plan d’Hartung, seront bâtis une villa, des dépendances et autres ateliers. Aujourd’hui, après une totale rénovation des lieux et la création d’un bâtiment d’accueil, la Fondation s’imprègne, par son environnement et son architecture, d’une énergie toute méditerranéenne qui donne corps à la peinture tumultueuse de Hans Hartung et à celle d’Anna-Eva Bergman, toute en légèreté et en lumière. Deux œuvres très différentes pour une même quête passionnée de l’abstraction. Contempler leurs œuvres dans un tel lieu c’est pouvoir les interpréter en relation avec le contexte à partir duquel elles ont été conçues. C’est retrouver la pureté des lignes et la minéralité lumineuse de la peinture de Bergman, l’incandescence du geste saisi dans le vif des projections d’Hartung. Ici la couleur explose là où la nuit s’éteint. Des instants solaires surgissent mais aussi l’ombre dramatique de l’exil et de la guerre. Et toujours cette perfection d’un espace en accord avec la volonté de faire émerger un langage inédit, de réinventer le regard, de donner rythme au monde. Ici la peinture est vivante, elle coule dans les veines du quotidien, elle éclabousse les murs de l’atelier avant de se fixer sur les cimaises d’un salon. Et dans chaque pièce de la Fondation, le cadre paisible d’un paysage répond à l’abstraction glorieuse de la peinture.

Toujours et encore l’art est ici un hommage sublime à la vie, à la beauté toujours recommencée.

Benoît Barbagli, «Nouvelle vague»

 

Palazzo Saluzzo Paesana, Turin

Jusqu'au 28 mai 2022

Au cours du XVIIIe siècle, dans le sillage de l'art baroque, se développa en Italie une peinture glorieuse, triomphante, empreinte d'un hédonisme éblouissant. L’architecture et l'ensemble de la décoration du Palazzo Saluzzo Paesana de Turin diffusent ce souffle qui pourrait sembler en contradiction avec un esprit contemporain souvent en prise avec l'inquiétude et le minimalisme. C'est pourtant là que Benoît Barbagli présente une trentaine d’œuvres comme autant de réponses à l'angoisse écologique d'aujourd'hui par la force de l'action et de la célébration du vivant.

Le flux d'une vague nouvelle se fond alors dans le reflux du passé. Tout se mêle dans la chair du collectif et du temps. Et les ors et les apparats du Palais sont cette plage qui accueille les œuvres de Benoît Barbagli. Lui-même, tour à tour sujet et objet, photographe ou photographié, s'inscrit dans le partage et le mouvement au sein de la nature. Celle-ci est saisie comme l'écrin d'un hymne à la vie, à l'amour, à la renaissance. L'artiste restitue les instants de cette célébration où la fusion des éléments l'emporte sur la confusion des sentiments.

Air et feu, terre et eau sont cette matière qu'il capte et façonne à partir d'une expérience partagée avec d'autres artistes lors de performances physiques en haute montagne ou en mer. Les œuvres témoignent de ces rituels en prise avec l'âme secrète des roches et des nuages dans lesquels affleure la force de vivre et d'aimer. L'énergie que déploient les photographies ou les sculptures, émane de ces toiles peintes, directement en prise avec la violence des éléments ou dans la seule rectitude d'un rayon solaire. Il y faut un cérémonial, une communion primitive pour donner vigueur à ces corps-là qui écrivent l'espace en donnant sens à l'éternité du temps.

Le geste en lui-même se plie au mouvement des vagues, se trace dans une chute à partir d'un surplomb rocheux et se fixe par l'interaction de l'eau et du vent. Il se capte par la photographie, jubile dans la fière nudité du corps. Il se vêt de ce que la nature lui accorde. Dans une vidéo, on voit l'artiste laisser les éléments infuser les toiles dans un dripping sauvage et il s'en habille comme avec des ailes pour en composer des peintures en noir et blanc derrière lesquelles la couleur éblouit tel le son d'un gong. Le bouquet de fleurs est serré dans un poing et les corps s’enroulent dans les vagues comme corolles et pétales.

La production de l’œuvre relève d'une célébration collective avec la vie qui agit en retour sur elle. Ainsi Benoît Barbagli renoue-t-il avec un art en hommage aux forces primitives du monde, à une forme nouvelle d'art sacré mais toujours dans l'irrévérence de l'aventure et de la liberté.

Anicka Yi, «Metaspore»

 

Pirelli Hangar Bicocca, Milan

Jusqu’au 24 juillet 2022

Qu’une artiste déclare «Je sculpte de l’air» et l’on subodore une œuvre qui échappera à toutes les frontières et conventions qui définissent le concept même de l’œuvre d’art. Anicka Yi est née en 1971 à Séoul et vit à New York. Elle nous rappelle que si l’art nous propose un regard sur le monde, celui-ci relève autant du mental que du visuel. Dessiner l’invisible, le traduire en formes est cette gageure de l’artiste comme un défi au bon sens et aux normes qui le régissent.

Il faut avouer que pénétrer dans cet univers nécessite patience et abandon de toute idée préconçue. Nous voici alors, à travers une vingtaine de pièces hybrides, sculptures aléatoires, vitrines lumineuses et assemblages divers qui se disputent à leur environnement, transportés dans un espace autre. Celui qui met en scène notre propre corps dans l’ensemble de ses sens et qui se trouve dérouté par des structures gonflables, des matières peu identifiables mais aussi des parfums et des dispositifs qui relèvent de la science-fiction. De cet apparent capharnaüm entre art, science et philosophie, surgit l’idée d’une germination liée à la déconstruction ou au pourrissement. Là où aussi le vivant se mesure à l’intelligence artificielle dans une épopée biologique dont nous serions la matière invisible. Tout ici n’est que paradoxe et labyrinthe et, de surprise en surprise, on se prend à y croire, à planer dans les écosystèmes, à éprouver le vide biologique, à expérimenter un autre monde où tout se lirait en termes de variation, de température, dans l’abolition de l’animal et du végétal…

Quelle prouesse que de parvenir ainsi à brouiller les codes pour initier de nouvelles perceptions! Encore faut-il en accepter le principe en s’arrimant à la folle créativité de l’artiste qui joue de tous les possibles et de tous les stratagèmes pour piéger la sagacité du visiteur. «Metaspore» est ce néologisme qu’Anicka Yi utilise par référence aux spores comme unités cellulaires qui se reproduisent par elles-mêmes. L’art est aussi ce métalangage du biologique. Poésie, science, matière et pensée, tout est lié dans le désordre ordonné de l’univers.

Elmgreen § Dragset, «Useless bodies?»

 

Fondation Prada, Milan

Jusqu’au 22 août 2022

Combien de fois n’a-t-on pas entendu dans le monde de l’art contemporain ce poncif: «L’artiste questionne»! Et comme le tandem scandinave Elmgreen § Dragset connaît tous les codes de cet art là dont il est le chouchou puisqu’il en est à la fois le contempteur et la figure de proue, il pose ici cette question grave: Corps inutiles?

On pourrait en débattre en plusieurs tomes et cela permet aux artistes, non bien-sûr de répondre à la question, mais d’y greffer toutes les thématiques spatiales, sociétales ou sociales, de mêler architecture, technologies, identité, intimité, espace public et tout le reste. De quoi investir plusieurs lieux de la Fondation Prada, de jouer de l’humour et de la gravité, de la provocation et du conventionnel, de la dévotion et de la condamnation et surtout du coq à l’âne. L’avantage de ce duo, c’est qu’il recycle tout, a réponse à tout et à son contraire, qu’il épate, irrite, dénonce et crache dans la soupe: L’art financier en raffole.

«Nos corps ne sont plus les principaux agents de notre existence», déclarent-ils. Au corps du travailleur s’est substitué celui du consommateur. A partir de ce constat, les artistes créent des environnements, opposent la statuaire antique aux figures hyperréalistes, jouent du rire et du morbide, parlent de cinéma, de pandémie, d’objets quotidiens et embrassent tant de sujets que le propos perd toute lisibilité. On parcourt cet espace à corps perdu. On se heurte à des fantômes, à des abstractions et, à chercher des nouveautés, on ne trouvera que des ersatz de sculptures de Maurizio Cattelan, des traces de minimal et de conceptuel. Tout est caricaturé dans une philosophie digne de Walt Disney. La prétention suscite l’ennui et en explorant le corps, notre duo d’artistes découvrent le déjà vu.

Alors, corps inutiles? Probablement pas. Exposition inutile? Certainement.

Caroline Rivalan, «Persona muta»

 

Galerie Eva Vautier, Nice

Jusqu'au 4 juin 2022

Le petit théâtre de la cruauté

Derrière les mots subsiste toujours cette aphasie de l'image par ses brouillages ou ses superpositions de formes. Puis un texte tend à s'en emparer pour rationaliser ce fond pulsionnel, le fixer dans une norme scientifique comme le fit ce positivisme qui irrigua le XIXe siècle et dont Charcot, surtout par ses travaux sur l'hystérie ou l'épilepsie, fut une figure majeure. Au mutisme du corps, à l'enfermement psychologique et à la toute puissance de la raison, Antonin Artaud répondra avec force par son «théâtre de la cruauté», c'est à dire dans la seule souffrance d'exister. L'exposition de Caroline Rivalan ,«Persona muta», met en scène ces corps et ces visages de femmes qui s'expriment au-delà et en deçà des mots. Au bord de la folie. Et les images qu'elle propose répondent à cette volonté de reprendre la forme et les effets du théâtre qui, pour citer Artaud, «réveille nerfs et cœur» et «où des images physiques violentes broient et hypnotisent le spectateur».

Caroline Rivalan s'empare ainsi des balbutiements de la photographie et de l'image animée pour les mettre en scène. Elle fouille dans ce noir et blanc la fixité des regards et lui superpose le tremblement du geste et la codification d'un décor de papier peint floral duquel surgissent des figures. A partir de dispositifs ingénieux – vitrines conçues comme de petit théâtres, verres découpées ou collages, elle scénarise la violence des clichés de l'époque en parallèle à la brutalité du traitement imposé au corps. Celui-ci est réifié, réduit à une chair comme seule réalité de la femme. Aux expérimentations sinistres de Charcot à l’hôpital de la Salpétrière, Caroline Rivalan répond en convoquant des fantômes. Recourant parfois à la statuaire antique, elle exhibe l'origine du sujet féminin condamné à être un mythe, une image, mais une Médée dépositaire de cette magie qui peut guérir ou tuer. Ou la Méduse qui fascine ou pétrifie - figure de l'hypnose en écho aux méthodes de Charcot. Autant d'images qui remontent du temps jusqu'à celles de ces femmes soumises à des expérimentations toujours plus grotesques et aux appareillages et aux traitements qu'on leur fait subir. L'artiste révèle, à travers des dispositifs audacieux, la négation du sensible et de l'inconscient, entre ombre et lumière, là ou l'horreur se conjugue au ridicule. L'empreinte du surréalisme traverse l’œuvre. On songe en particulier à cette «anatomie du désir» dans les travaux d'Hans Bellmer. Mais ici le désir est dévitalisé, l'artiste en restitue les ressorts désarticulés dans le souvenir d'une souffrance hallucinée.

En toile de fond, toujours ce théâtre réduit à ce qui le constitue: Une scène, de la lumière pour écrire les ombres, un décor factice et des personnages. «Persona muta». Une pièce grimaçante et sans parole pour des femmes anonymes et sans voix. C'est pourtant un contemporain de Charcot, Jules Michelet, qui saura leur donner une présence en 1862. Dans «La Sorcière», entre documentaire et fiction, il s'insurge contre cette «hallucination» qui fit qu'au Moyen-âge des femmes se crurent possédées par le diable mais que la sorcellerie fut aussi cette arme du peuple et des femmes face à l'oppression cléricale. Entre la science et la littérature, Caroline Rivalan quant à elle, instille le souffle de l'art et des images dans l'obscurité du temps.

Botanic'Art

 

Centre d’Art la Falaise, Cotignac (Var)

Jusqu’au 29 mai 2022

                                            Nadia Schmidt

Si l’art contemporain est largement hanté par l’histoire et la sociologie, la nature demeure pour nombre d’artistes ce socle auquel ils se réfèrent pour les multiples modalités de sa représentation mais aussi parce que la nature est vivante, qu’un paysage est d’abord une construction mentale et que la nature renvoie toujours à quelque chose de nous-mêmes. Cette relation de l’humain et de la terre traverse l’art dès son origine et sans doute répond-elle à ce questionnement fondamental qui résonne depuis Lascaux jusqu’aux variations contemporaines autour de l’écologie. L’exposition Botanic’art au Centre d’Art La Falaise à Cotignac traduit l’ensemble des interprétations que l’idée de nature peut aujourd’hui susciter et on la parcourt en gardant à l’esprit les gravures de Dürer ou les peintures anciennes de paysages pour leur charge symbolique ou comme décor pour une théâtralisation sociale.

Les enjeux se sont désormais déplacés et Bonatic’art, à travers les œuvres de six artistes, nous permet d’appréhender ces mutations qui s’inscrivent par notre regard sur la nature et la conception de celle-ci par des approches contemporaines et une autre perception de l’espace. Les sculptures de Chan Gauth comme autant de totems hybrides célèbrent les excroissances du végétal et l’animalité qui les relie à nous. Temples ou objets de culte aux réminiscences chinoises sont ourlées de frondaisons de céramiques exubérantes dans un style Palissy. On y entend Baudelaire: «La nature est un temple où de vivants piliers- Laissent parfois sortir de confuses paroles».

La nature n’est plus cet écrin dans lequel se loge l’humanité, elle est désormais menacée, désacralisée, livrée à un consumérisme destructeur. Dans des toiles d’inspiration hyperréaliste, Nadia Schmidt crée des entrelacs d’herbes folles saisies dans une sève d’où rien ne s’échappe. Le règne végétal est saisi dans sa vigueur primitive de laquelle nous sommes bannis, à jamais chassés du paradis. Au contraire les œuvres de Dominique Rousserie s’offrent à fleur de peau, précises dans leur drapé, délicates par la charge mystérieuse qu’elles diffusent. Elles semblent issues d’une planche d’illustration et pourtant elle délivrent leur pouvoir magique dans un tremblement halluciné. On y rêve de fleurs rêveuses mais ce sont elles qui nous absorbent.

Solange Triger s’intéresse à la matérialité de la peinture, à l’impact du noir ou de la couleur. Aux confins de l’abstraction, la fleur reste un motif mais l’artiste parle de «fleurs noires» et de l’extinction. C’est dans le bois que se joue l’origine du monde pour Nicolas Valabrègue tandis que, entre Land Art et Arte Povera, Marinette Cueco déploie une superbe installation. Ne rien jeter, accueillir avec bienveillance chaque brin de la nature, en réunir toutes les fibres pour une écriture silencieuse, dérouler un tapis d’ardoises et de feuillages desséchés, ponctuer le mur de pierres et de fils comme pour une inscription hors du temps… Tout ici n’est que célébration et l’art nous permet d’aller à la rencontre de cet univers qui est le nôtre mais auquel nous restons souvent aveugles.

Olympe Racana-Weiler, «Romance with a bird»

 

21 Contemporary, Nice

Jusqu'au 15 mai 2022

La peinture délibérée

En s'éloignant de la figure s'est joué dès l'histoire de l'abstraction, de Mondrian à Pollock, le conflit entre l'idéal d'un ordre raisonné et la pulsion spontanée qui implique aussi le temps de la réflexion puis celui de l'exécution. Dans toute peinture s'exprime cette oscillation du sens et du sensible et le curseur ne cesse de se déplacer entre la liberté du geste par lequel la peinture tend à s'affranchir d'elle-même et l'inscription des procédures complexes qui ont présidé à sa réalisation. Ces dernières ne relèvent plus alors que d'une «délibération» ; elles délivrent ce qui est pressenti en amont d'une œuvre - la conception d'un espace, l'interaction des matières et des couleurs, la prémonition d'une image.

La peinture d'Olympe Racana-Weiler est délibérée. D'ordinaire, son travail se façonne à partir de jus colorés posés horizontalement sur la toile que l'artiste redresse pour des effets de marbrure et de transparence avant d'y apposer lignes, courbes et diagonales et ensuite y faire adhérer le poids de la couleur. La mise en scène, le projet se déclarent ainsi au profit d'une théâtralisation de la peinture. Les effets sont revendiqués en toute somptuosité et la dramaturgie ne s'énonce jamais au-delà de cette rythmique interne à la toile. Toutefois l'imaginaire du spectateur reste en éveil. Des lianes, des cris d'oiseaux exotiques, des trouées marécageuses traversent le regard de celui qui se risque dans les dédales de la résine et de l'acrylique. De cette pure abstraction pour seul récit se développent des modulations mystérieuses pour un titre, «Romance with a bird». Et nous voici conduits dans d'étranges nervures dans le corps même d'une peinture palpitante où se formulent des paysages intérieurs avec lesquels l'artiste se confond. La matière vibre, elle chante et la musique se terre dans sa peau.

A cette symphonie de couleurs répondent des œuvres sur papier, dans un format qui toujours se confronte à la démesure. L’œuvre se replie alors dans une intimité plus austère sans jamais éluder la puissance qui l'anime. Les teintes se font plus sourdes, les lignes s'apaisent par leur précision jusque dans l'ébauche d'une figuration. Quel est ce fil si fragile, invisible à l’œil qui traverse ces espaces plus apaisés et traversés d'une lumière retenue? Sans doute celui de ce même récit mais interprété sur un ton plus bas, comme pour une confidence dont nous mesurons le souffle sensible. L'harmonie est de mise, les traits sont maîtrisés comme en attente de ce qui va surgir. C'est alors l'instant de cette délibération, cette zone incertaine où tout se pense avant de se dévoiler: les fantômes des êtres et des choses daignent nous rencontrer.

Olympe Racana-Weiler ne se laisse jamais absorber par la puissance des espaces qu'elle compose, de même qu'elle y maintient cette distance qu'un artiste se doit d'imposer à une œuvre pour mettre à nu la vigueur des sensations qui l'animent. Se fondre dans la fluidité d'un océan, y graver une glaise miroitante entre des éclats pierreux d’où ruissellent des feuillages, c'est s'offrir au monde et le restituer dans une vérité que nos yeux seuls ne parviennent à déceler.

Michelangelo Pistoletto, «Mise à nu de la société»

 

Commanderie de Peyrassol, Flassans-sur-Issoles (Var)

Jusqu'au 1 novembre 2022

Il fallait la grâce d'un paysage pour réconcilier l'humanité avec l'innocence des âmes et des corps dans un jardin d’Éden. Dans ses modulations de vignobles et de forêts, la Commanderie Peyrassol est cet écrin pour un paradis qui se crée en correspondance avec l’œuvre de Michelangelo Pistoletto. Artiste de l'Arte Povera en Italie et lauréat du Lion d'Or de Venise en 2003, Pistoletto, dans une voix posée et un français impeccable, ne cesse de prôner une autre société dans laquelle nous serions «unis dans notre diversité». Selon ses mots, l’œuvre d'art possède cette fonction génératrice à partir d'un paradis naturel, d'un paradis artificiel et d'un troisième paradis fondé sur leur convergence dans un nouveau stade de civilisation.

L'art est cet intermédiaire entre le naturel et l'artificiel et le conflit se résout par la simplicité des matériaux issus du quotidien. Ici le présent, par homonymie, prend la force d'une offrande. Le miroir absorbe ce qui se présente à lui, il est tout à la fois reflet et réflexion, une brèche dans le mur, une porte ouverte dans un au-delà. Et le miroir ne ment pas. Au sens fort, les tableaux miroirs de Pistoletto sont des surfaces réfléchissantes. Dans cette série principalement réalisée pendant le confinement, l'artiste dispose un report photographique sérigraphié de corps nus à taille humaine sur le miroir. La beauté des corps parle aussi de la bonté. Adam et Eve dans leur nudité, de tous âges et de toutes couleurs, traversent le temps comme nous traversons avec eux le miroir pour fusionner dans ce nouveau paradis. Le spectateur pénètre physiquement dans l’œuvre qu'il contemple et en fait partie intégrante de façon éphémère.

Face à notre monde dominé par l'individualisme, Pistoletto nous renvoie ainsi à des enjeux collectifs et au dépouillement nécessaire pour créer cette société nouvelle. «La mise à nu de la société» confronte la nature des corps débarrassés de leurs artifices à la pesanteur du corps social et à la solitude des individus.

La notion de partage est au cœur de l'ambition artistique de la Commanderie Peyrassol. L'exposition de Pistoletto est réalisée sous le commissariat de Laurenzo Fiaschi, cofondateur de la Galleria Continua. Parallèlement, et dans le même esprit, une autre exposition se tient «pour briser les frontières», selon les mots du maître des lieux, Philippe Austruy, dont une partie des pièces contemporaines est mise en dialogue avec des œuvres flamandes du XVe au XVIIe siècle en collaboration avec la Gallerie De Jonckeere. Dans ce «Face au temps, Regards croisés sur les collections Philippe Austruy», un paysage d'hiver de Brueghel le Jeune répond à trois toiles d'Etel Adnan - Printemps, Été, Automne. Ailleurs les notions de transparence, de geste, de résistance ou de tension formelle se déploient par de surprenants contrastes comme dans une sculpture d'Anthony Caro qui se heurte à un «Jugement dernier» de Hiéronymus Francken. Présent et passé s'interrogent mutuellement et l'art est bien ici un fascinant  jeu de miroirs.

Bernard Moninot, "Le dessin élargi"

 Fondation Maeght, Saint-Paul de Vence

Jusqu'au 12 juin 2022

Dessiner l’invisible

Ce n’est pas toujours la main qui guide la trame du dessin ou la pensée qui préside à son exécution. La nature elle-même, les mouvements qui l’animent, les jeux de l’ombre et de la lumière, le souffle du vent ou les fluctuations de l’espace et du temps suffisent à élaborer des formes dont l’artiste recueille précieusement la trace. Bernard Moninot est ce poète qui façonne l’invisible par «le dessin élargi». La feuille de papier n’est alors plus le miroir du monde, de même que les profondeurs abyssales de l’univers apparaissent déjà comme un défi à la volonté de représentation. Aussi Bernard Moninot, par des dispositifs ingénieux reliant tous les fils du dessin, de la peinture, de la sculpture et de l’installation, saisit-il en plusieurs dimensions l’empreinte des phénomènes qui agissent sur le monde.

Il faut de la délicatesse, de la précision dans ce geste pour recueillir ce qui nous relie à l’infini. Et comment dessiner un son, traduire visuellement l’écho dans la montagne qui lui en assure son amplification? Dans une «Chambre d’écho», l’artiste explore les phénomènes vibratoires sur des paysages montagneux imaginaires dont il propose une grammaire fictive pour une gamme de sensations que l’œuvre déploie en s’ouvrant à la mémoire dont elle émane.

Jeux de miroirs et dispositifs sonores répondent ici aux mots de René Char, «Les yeux seuls sont encore capables de pousser un cri». Car cette façon de se relier à l’indicible et à l’immatériel, c’est aussi la possibilité de toucher au plus près à la dimension tragique de l’humain et à la barbarie: Le cri du silence.

D’autres séries d’œuvres telles que les «Sculptures de silence» ou «La mémoire du vent» sont autant d’hommages à l’humilité face aux vertiges de l’univers. Bernard Moninot est aussi le poète de la science; il dessine les pulsations du monde et nous immerge dans sa charge émotive. Mirages et rêves, fragments du réel sont autant d’éléments qui parlent de notre condition humaine. L’artiste leur confère une parole et restitue un langage dont nous tentons de saisir l’indéfinissable. Il y a les lignes indéchiffrables, les couleurs, les transparences et les reflets. Et la figuration du vide et de l’absence au cœur de la lumière. Il y faut là beaucoup d’âme et de force. Se mesurer au monde telle est l’épreuve de l’artiste et Bernard Moninot fournit une réponse, par le seul émerveillement, à la phrase de Pascal: «Le silence éternel de ces espaces infinis m’effraie».

De fossiles en forme d’étoiles jusqu’aux constellations du ciel, c’est tout un univers qui adhère aux pigments, au verre, au métal ou au noir de fumée. Ainsi va le monde de Bernard Moninot et l’espace de la Fondation Maeght lui assure toute sa splendeur.

Gilles Barbier

 

L’espace à vendre, Nice

Jusqu'au 30 avril 2022

Au hasard de l’art

Du grand bazar de l’art surgissent des formes. Éclectiques ou conventionnelles, sages ou provocatrices, celles-ci répondent à une idée qui est supposée leur préexister. L’intention de l’artiste restera toujours dans ce rapport à ce vaste catalogue d’images et de matières auxquelles tour à tour il se confronte ou se rassasie C’est là, dans une neutralité ironique, que Gilles Barbier puise, au hasard, des fragments de tous ces possibles pour les organiser en séries et en extraire des œuvres dans la seule autorité de l’arbitraire.

Un stricte protocole suffit à dévoiler tous les composants d’une peinture qui d’ordinaire s’inscrit sous les auspices de l’inspiration ou de la spontanéité. Gilles Barbier défie et défait ce cadre. Il dispose tous les éléments d’une architecture dont il suffit d’aligner les matériaux pour penser le dessin et, si la peinture est désormais morte comme on le proclame souvent, encore faut-il en subir le retour comme mémoire ou comme fantôme. Avec humour mais toujours dans la rigueur d’une perfection plastique, il présente deux grands formats dans lesquels l’illusion de la photographie s’accorde aux coulures spontanées d’une certaine peinture. Là se révèlent deux superbes drapés fleuris avec les trous noirs du regard des «Fantômes hawaïens». L’éternel retour se heurte au rictus de la beauté.

Dans une autre série, «Ce qui est sorti du chapeau aujourd’hui», Gilles Barbier travaille encore le dessin et la gouache sur papier pour extraire à chaque fois d’un chapeau des formes de toutes natures, inconciliables entre elles si ce n’est que par l’exigence d’une grande qualité d’exécution. D’un cadre à l’autre, ce n’est pas un récit qui se construit mais le seul constat du déroulé d’un travail que le temps inscrit dans sa matérialité. Le contenu, qu’il soit d’inspiration géométrique, hybride, mou, référentiel, importe peu pourvu qu’il soit un échantillon, un pur rappel de la tradition artistique. Mais ici l’art est chosifié dans un vaste dépotoir. Et comment l’imagination et la règle pourraient-elles s’accorder dans cette décharge sauvage quand elles prennent l’apparence de la sagesse?

Gilles Barbier est l’artiste des tours et des détours. A l’image d’un magicien qui s’amuserait à confier au préalable à son public les stratagèmes grâce auquel il le manipule. Mais les mots à l’instar des formes dans un dialogue impossible hantent ce qui s’expose et demande à se dévoiler. Aussi dans la série «Lettres aux extraterrestres», l’artiste dévide les balbutiements d’un langage issu de l’irruption des formes nouvelles qu’il produit en retour. La rencontre est audacieuse comme celle du rire et du désespoir. Et Gilles Barbier nous entraîne dans le sillage d’une œuvre joyeuse et grave où l’imprévu est de mise. La règle défie le hasard sans que jamais ni les images ni les mots ne l’emportent. L’œuvre reste ce livre ouvert. Mais que doit-elle dire? 

Voir aussi:

https://lartdenice.blogspot.com/2021/08/gilles-barbier-travailler-le-dimanche.html