Fondation Hartung & Bergman, Antibes.

«Entre rêves et science»

Fondation Hartung Bergman, Antibes

Jusqu’au 25 septembre 2023

                                                               Anna-Eva Bergman

«Entre rêves et science», c’est cet instant où, au seuil du réel et du sensible, le geste de l’artiste rencontre l’imaginaire, se confronte à la matière et à l’infini dans la quête d’une totale abstraction. Cette passionnante aventure qui fut celle de Hans Hartung et de Eva-Anna Bergman nous est maintenant racontée dans la Fondation éponyme à Antibes.

Hans Hartung vient d’Allemagne. A 22 ans il s’installe à Paris et, plus tard, il combattra durant la guerre contre son pays et il y perdra une jambe. En 1929, il rencontre Bergman qui arrive de Norvège; ils se marient, s’installent à Minorque et tous deux se laissent absorber par la lumière méditerranéenne et la force tellurique qui pénètrent leur peinture. Mais neuf ans plus tard, ils divorcent. Pourtant quinze ans après, ils se retrouvent et se remarient. Ils vont alors édifier ces bâtiments qui deviendront la Fondation Hartung Bergman.

A flanc de colline, entre pentes d’oliviers et lumière crue, se déploie la blancheur géométrique de la villa et des ateliers du couple. A elle seule l’architecture cristallise cette fascination pour un espace lié au ciel, à la pureté des angles et au trouble de la couleur. Elle répond pour Hans Hartung à cette aspiration pour l’illimité tout en s’inscrivant dans une proximité avec les mathématiques ou l’astronomie. Comme Pascal, il se passionne pour «le silence éternel de ces espaces infinis», mais il peint ceux-ci avec fougue, en révèle aussi bien les lignes d’horizon que les profondeurs vertigineuses. Parfois la toile vibre d’une couleur quasi monochrome, parfois elle s’anime d’une explosion chromatique et d’un jet d’étoiles dans un ciel déchiré. Conservé à l’identique dans la Fondation, l’atelier du peintre témoigne de cette puissance créatrice par la confection d’outils incongrus et de dispositifs inédits pour une œuvre hallucinée dans sa volonté de saisir astres et trous noirs à travers des explosions graphiques tandis que l’artiste célèbre «le silence éternel» tout en s’assourdissant de la musique de Bach.

Cet espace cosmique fut aussi l’obsession d’Anna-Eva Bergman. Elle partage avec son mari cette fascination pour l’inconnu mais dans un cheminement plus méditatif aux confins de l’alchimie et d’une exigence spirituelle. Plus littéraire et venant de l’illustration, elle s’adonne davantage à des recherches sur le nombre d’or et aux courbes ou aux lignes épurées. Si l’horizon apparaît, c’est par la grâce d’un trait qui traverse la toile pour en dégager les plans de vide et de plein. La quête d’une harmonie fondatrice s’imprime sur une feuille d’or ou d’argent que l’artiste travaille dans ses aplats et dans la douceur de ses plis ou de ses aspérités. Avec Hans Hartung elle partage cette même attirance pour les profondeurs de l’espace mais de façon plus mesurée et intellectuelle en s’intéressant aux cosmogonies et aux grands mythes universels. Avec comme pour Hartung, la même  admiration pour Fra Angelico dont elle percevait, disait-elle, «une piété cosmique».

                                                             L'atelier de Hans Hartung

David Hockney, « Collection de la Tate »

 

Musée Granet, Aix-en -Provence

Jusqu’au 28 mai 2023

Comment interpréter le monde? Comme pour un ensemble symphonique, il conviendrait d’en détacher chaque instrument et chaque phrase mélodique pour en éprouver, par leur singularité, la complexité de l’univers dans son orchestration. Dans un espace pictural toujours renouvelé, David Hockney, du haut de ses 85 ans, ne cesse d’arranger et de déplacer lignes, couleurs et fragments, par un geste jubilatoire et malicieux, pour percer les mystères de la représentation.

Rendre compte du monde par la peinture, c’est le prendre à rebours et lui faire rendre gorge à travers un miroir brisé dont chaque éclat renvoie sa part de vérité pour prêter une visibilité à ce qu’il y a d’inconnu dans le plus trivial du quotidien. Par assemblages, morceaux de vie ou d’imagerie populaire, réminiscences de peintures anciennes, David Hockney se glisse dans les perspectives de Fra Angelico et les espaces morcelés de Cézanne ou Picasso, dans la couleur de Van Gogh ou de Matisse.

Dans l’exposition de la Collection de la Tate, ce ne sont pas moins de 103 œuvres – peintures, dessins, gravures et depuis 2010, créations numériques, qui relatent une exploration amoureuse de l’image. Corps et nature s’entremêlent dans une même ode émerveillée à la vie, à ses plaisirs et à ses inquiétudes. Après les années 50, à contre courant d’une peinture abstraite dominante, il quitte Londres pour Los Angeles et c’est alors la découverte d’un espace ouvert, d’une lumière crue et d’un ciel qui se confond à l’eau de ces piscines qui le rendront célèbre. Dans un style pop, naïf et coloré, David Hockney traduit un univers réduit à sa banalité heureuse tout en s’insérant dans la tradition de l’histoire de l’art, notamment à travers le thème du bain.

Mais l’histoire se déroule aussi au gré des technologies. A la tradition de l’huile, David Hockney à substitué celle de l’acrylique, et à la gestualité du peintre, il a opposé la confrontation avec l’écran et la traduction de l’image numérique. Désormais installé en Normandie, il multiplie ses envolées colorées dans une explosion chromatique qui se heurte à la fixité de la photographie qu’il retravaille sur l’Ipod. En résulte une nature dénaturée dont l’excès et la simplification rendent à la réalité ce surplus d’émerveillement pour un hommage inédit. David Hockney traverse le temps avec des yeux d’enfant qui ne cesse de grandir. Peindre des visages ou des paysages, c’est toujours dévisager, et savourer dans des teintes acidulées comme des bonbons, les délices de la vie.

Lee Ufan Arles

 

En contrepoint de la fière Fondation Luma qui domine la ville d’Arles, le Centre de Lee Ufan se déploie humblement dans l’Hôtel Vernon que l’architecte Tadao Ando a réaménagé dans une parfaite osmose avec l’œuvre de l’artiste. Né en Corée en 1936, Lee Ufan vit essentiellement au Japon et en France. Tout à la fois théoricien de l’art, philosophe, poète, sculpteur et peintre, voici un homme qui se fond dans l’espace et le traverse en recueillant ces bribes de signes par lesquels les fragments de l’univers répondent à la pensée humaine dans un silence méditatif. Toute l’œuvre de l’artiste, à mi-chemin entre le minimalisme et le concept, répond à cet absolu d’harmonie et d’équilibre pour éprouver la pure présence des êtres et des choses dans l’espace. Plus que jamais l’art est ici source de contemplation et, le positionnement des matières, le dialogue qui d’une pierre à l’autre étincelle dans la pénombre d’une salle, incitent à l’inspiration, au recueillement et à la spiritualité.

Se recueillir c’est aussi cueillir des brins de lumière et les faire éclore dans l’ombre. Ajuster la rondeur inégale et les aspérités brutes d’une roche avec un chemin de graviers. Écouter la qualité du silence quand une plaque d’inox ou d’acier se dresse contre une encoignure ou, au contraire, se terre dans un creux. Et partout la résonance de la Terre dans l’infini et le murmure des pierres à travers le temps. Comme le tintement d’un gong, sur un mode zen, l’univers s’éveille alors et se recompose par le geste mesuré de l’artiste.

Le rez-de-chaussée est cet itinéraire à l’intérieur des entrailles minérales d’un univers dans lequel la densité est absorbée par la sérénité d’une vasque d’eau. La couleur n’est plus que tentative de lumière; les formes sont celles d’une érosion lente quand le geste de l’artiste les caresse plus qu’il ne les transforme. Conjuguer le naturel avec l’artifice dans l’idéal d’un souffle quand rien ne vacille dans la perfection de l’ordre des choses, voici la fonction de l’artiste quand il est celui qui révèle ce que nous peinions à formuler.

Aux étages, plusieurs séries de peintures sur grands formats ponctuent l’espace et l’empreinte de la brosse se dépose comme un pollen lumineux quand elle affleure la toile. Stries et lignes épurées s’animent et se chevauchent alors comme pour imprimer le flux et reflux du temps.

Lee Ufan écrit: «Dans le lointain, le vent s’endort / Des centaines de milliers d’années s’écoulent / Sans que je m’en aperçoive, je deviens pierre».

IMMORTELLE Vitalité de la jeune peinture figurative française

 

MOCO Montpellier, jusqu’au 4 juin 2023

MOCO Panacée, Montpellier, jusqu’au 7 mai 2023

                                                           Claire Tabouret, "Autoportrait en vampire"

«Immortelle est une exposition de combat». Cette déclaration liminaire préfigure une exposition coup de poing qui brise le consensus qui s’était établi autour de l’art contemporain. Et dans le catalogue on lira aussi : «Oui, ces artistes ont dû mener leur barque à contre-courant, découragés par les écoles d’art, méprisés par les institutions, moqués par la majorité des critiques influents». Renouant avec les querelles qui ont agité l’histoire de l’art, cette exposition est donc déjà, au-delà de toute appréciation, un événement.

Pour la comprendre, il faut revenir à l’histoire du MOCO et de son ancien directeur Nicolas Bourriaud, théoricien de l’esthétique relationnelle et de l’errance extra culturelle à l’âge de l’anthropocène. Figure majeure de l’art contemporain et des institutions, il fut éjecté et remplacé par Numa Hambursin, lequel préconisait une approche plus ouverte, à l’égal des autres grandes nations artistiques qui n’ont cessé de célébrer l’histoire de la peinture. Une histoire immortelle qui remonte des grottes préhistoriques jusqu'à aujourd'hui pour énoncer la voix de l’humanité entre mystère et certitude et qui continue à exister au-delà du concept, de l’éphémère, des installations et des performances.

Voici donc un «salon des refusés», une machine de guerre pour rendre justice à ces peintres souvent adulés par les collectionneurs mais dépréciés par nombre de fonctionnaires de l’art. Ce ne sont pas moins de 122 artistes qui sont ici présentés, pour les plus jeunes à la Panacée et les autres au MOCO. L’effet de choc est garanti par l’aspect massif, la violence colorée et la diversité des propositions. On s’émerveillera de l’œuvre de Milène Sanchez, on s’étonnera du kitch de certains, on sera frappé par la matière de Ronan Barrot et la force de Stéphane Pencreac’h.

 Il y a là une forme de sauvagerie salvatrice qui déchire les modes et les discours pour un face à face tour à tour douloureux et jubilatoire avec l’histoire de l’art. La peinture s’énonce ici en désordre, dans une débauche de récits et de styles pour parler du présent comme du passé, pour dire le corps, penser l’indicible, formuler le désir ou la terreur. La force de l’image quand elle est saisie dans sa matière brute, au-delà de toute théorie, s’impose et il revient alors à chacun, par son histoire personnelle, de se mesurer à elle, de s’y retrouver ou de s’y perdre. Aussi le critère de qualité reposera-t-il ici autant sur des éléments subjectifs que sur une connaissance de l’art. Et c’est peut-être là, le véritable intérêt de cette exposition discutable et discutée: Penser l’esthétique, interroger la fonction de l’art et sa présence au monde. Et surtout explorer cet écart qui, dans l'image, vibre entre l'intelligence et le sensible. 

«Le balai mécanique», Pierrick Sorin

 

Musée National Fernand Léger, Biot

Jusqu’au 15 décembre 2023

Lorsque Fernand Léger découvre le cinéma et Charlie Chaplin en 1916, c’est pour lui la révélation d’un nouvel art populaire associé à la machine et au monde moderne. Cette invention donnera lieu à un film expérimental «Le ballet mécanique» qu’il réalisera en 1923. A l’intersection du cubisme et du dadaïsme, à travers un montage rapide et saccadé, le peintre assemble alors objets du quotidien et formes géométriques sur un rythme répétitif où se mêlent images et musique.

Un siècle plus tard, Pierrick Sorin reprend le dispositif de Léger, mais sur un mode burlesque, à travers une scénographie complexe où le merveilleux, la vidéo, les hologrammes et les théâtres optiques se conjuguent dans une symphonie de dérisoire et d’auto-dérision. «Le balai mécanique» - l’objet du délit - dépoussière l’œuvre de Léger pour peu que celle-ci eût quelques rides et nous entraîne dans une Danse de Saint Guy avec ses gestes désordonnés et son rythme endiablé.

L’humour est ravageur et le visiteur est happé par cette machinerie complexe faite de bric et de broc dans un déluge de lumière et de nuit, de chic et de choc. Pierrick Sorin est-il magicien, bricoleur, farceur ou artiste? Sans conteste, il est tout cela et il orchestre par un comique de répétition ravageur son festival optique d’objets incongrus et de fulgurances parmi lesquels l’artiste interprète, comme un pantin désarticulé, son propre rôle. Auteur et acteur, étranger au monde et aux choses, mais rêveur éveillé et créateur de merveilles, il nous entraîne sur les chemins de la poésie.

L’ombre de Jarry, Mélies ou Tati plane dans ce théâtre de l’absurde qui introduit une nouvelle dimension dans l’œuvre de Léger. Si le peintre est célèbre pour sa décomposition des plans et le cerne de ses dessins avec ses aplats de couleurs, il reste néanmoins un inventeur de formes nouvelles tout en s’attachant à demeurer proche du peuple. Avec son inventivité et ses gags, cette exposition infuse cet humour secret que l’œuvre du peintre recèle parfois. Le face à face de Léger et de Sorin est grandiose dans cet échange d’ironie et d’humilité. Ici l’art est à la portée de tous sans jamais s’abandonner à la facilité. On regarde autrement. On admire, on s’étonne et on rit. Pari gagné.

Florian Schönerstedt, « Exposition exhaustive »

 

Galerie Eva Vautier, Nice

Jusqu’au 10 juin 2023

Se prévaloir de l’exhaustivité renvoie toujours à la volonté démiurgique de vouloir épuiser un sujet, d’en circonscrire tous les aspects et d’en mesurer aussi bien la portée anthropologique que les conditions de son existence. Une telle démarche se heurtera toujours au projet scientifique quand il est poussé jusqu’à l’absurde du prélèvement jusqu’à l’analyse. Florian Schönerstedt, au Musée d’archéologie de Nice, avait présenté «Méta-Archéologie» en 2019, une exposition dans laquelle il exhibait l’ensemble des emballages utilisés dans sa famille durant toute l’année 1916. Plastiques et cartons nettoyés, conservés soigneusement dans des poches transparentes se retrouvent réactualisés ici par un nouvel accrochage et transformés par le traitement numérique auquel l’artiste soumet sa récolte de reliques ordinaires.

Mais l’enveloppe même est l’indice d’une dépense et d’une disparition. Comment ne pas penser alors à ce strict protocole auquel se livra George Pérec autour de la consommation dans «La vie mode d’emploi» lorsqu’il jouait de l’interaction du collectionneur qui accumule et du joueur qui truque et dissimule. Dans une démarche analogue à l’écrivain, Florian Schönerstedt rassemble les fragments du quotidien mais en y apposant le virtuel aux confins de l’absurdité.

Collecter et collectionner se confondent sur le monde marchand. Collectionner revient à sélectionner sur des critères esthétiques, voire sentimentaux, selon un choix personnel, tandis que collecter suppose neutralité et utilité. On collecte les déchets pour les détruire, les recycler ou bien, ici, les conserver dans un but archéologique. Le prélèvement suppose classement et construction d’un sens au-delà même de toute visée documentaire. Tout est contrôlé dans l’œuvre de Schönerstedt mais l’aspect obsessionnel, voire maniaque, se trouve contrecarré par l’apport de l’intelligence artificielle et la menace de déshumanisation qu’elle implique.

Dans un film d’animation «Les cartes du champ de bataille», l’aléatoire du jeu répond à l’inexorable de la transformation. C’est ainsi qu’aux limites de l’art, de la science et d’une réflexion philosophique, l’œuvre s’élabore. Irréel, virtuel et poétique se croisent quand l’artiste crée un objet hybride à partir des seules données numériques. La récolte de diverses feuilles soumises à la seule intelligence artificielle, produit alors «Les feuilles de l’arbre qui n’existe pas».

Florian Schönerstedt juxtapose ainsi le quotidien le plus trivial à un impossible vertigineux. Dans cet interstice se façonne une autre manière d’appréhender l’art au-delà de toutes les catégories traditionnelles - dessin ou sculpture - pour l’insérer dans l’ordre de l’aléatoire, du jeu et de nouveaux territoires à explorer.

«Avant l’orage»

Bourse de Commerce – Pinault Collection, Paris

Jusqu’au 11 septembre 2023

                                                             Cy Twombly

Avant l’orage, le rêve d’une surface étale et muette, d’un monde amniotique, sans ligne ni couleur, avant que la vie ne la déchire et la défigure. Ou bien le souffle d’un cauchemar qui le préfigure non par le feu du ciel mais du seul geste de notre déraison que l’artiste tel un chaman pourrait conjurer par la magie de ses créations.

Dans la vaste rotonde de la Bourse de Commerce, se déploie un amoncellement de charpentes de bois et de troncs de chênes foudroyés semblant s’agripper à un ciel qui se dérobe. L’installation de Danh Vo, pensée comme une serre, devient la colonne dorsale d’une architecture sur laquelle adhèrent objets et images voués à un nouveau destin. Ce sont ceux-là qui vont donner corps à cette vertigineuse exposition sur la coursive du rez-de-chaussée et dans l’ensemble des galeries.

En prélude à l’état de la planète, autant retourner à ce rêve originel d’un Eden lumineux. Il y a d’abord l’extraordinaire ensemble de toiles de Cy Twombly comme autant de digressions autour d’un voyage sur les eaux du Dieu Soleil. Ici la peinture absorbe sueur et sang dans une brume solaire. Mots et formes se diluent dans des vagues de couleurs d’où émergent des épaves de phrases pour une mélopée dans l’intuition d’une catastrophe.

D’une galerie à l’autre, une vingtaine d’artistes tissent un récit pré-apocalyptique ou prémonitoire, tout en nuages, en éclairs ou en ténèbres. Là où les frontières se dissolvent entre l’humain et le végétal, les éléments se plient aux forces de l’artificiel et il revient aux artistes d’interpréter le chaos autant que d’imaginer d’autres écosystèmes. Vestales ou filles du feu, les femmes de Judy Chicago, dans une vidéo, percent la nuit de leurs torches lumineuses pour la célébration d’un combat tandis que la végétation n’est plus que fumée. Quant au paysage, il se dissout dans la mémoire et Lucas Arruda en restitue la beauté dans son tremblement onirique, l’or d’un soir, les palmes caressant un ciel confondu à la terre. Chaque œuvre introduit cette idée d’une beauté fragile et pourtant, en filigrane, se diffuse l’espoir que la poésie sauvera le monde. Car de cette errance circulaire dans la Bourse de commerce, il y a les feuillages et les fleurs, l’eau et les nuages, tous ces brins de nature qui irriguent l’univers. Et l’obstination du regard de l’Homme. Peut-on croire en l’orage?

Nicolas H. Muller, «Anima Ebria in Corpore Ebrio»

 

La Station au 109,  Nice

Jusqu’au 27 mai 2023

Déambuler dans un espace d’art contemporain revient parfois à se confronter à tellement d’univers que le visiteur s’égare dans un labyrinthe de propos toujours plus ambitieux dans la relation à tel film renvoyant lui-même à telle musique si ce n’est au concept d’un philosophe inconnu ou autoproclamé… Heureusement il arrive qu’à la grandiloquence des références réponde la belle humilité des œuvres. Nicolas H. Muller est de ces artistes qui, dans une démarche in situ, nous entraîne dans un jeu de piste dans lequel les œuvres seraient autant d’indices pour une enquête entre fiction et réalité quand seul le titre de l’exposition nous ramènera sur terre. «Anima ebria in corpore ebrio», formule magique d’un latin claudiquant nous susurrant qu’au-delà du délire aviné des mots et du concept pourraient surgir quelques pépites matérielles…

Revenons donc sur terre pour une hygiène du regard et des choses. Et le monde réel, celui des œuvres de Nicolas H. Muller, se pare alors de la splendeur de sa fragilité. Toujours au seuil de l’accidentel, les pièces semblent s’agencer sans commune mesure les unes aux autres. Jeux d’échelles, relation à des cultures opposées, tout contribue à rechercher ce point d’équilibre qui s’établit dans la perfection d’un savoir-faire artisanal face à «l’ébriété» du projet. Délicates, les œuvres relèvent de cet aspect tremblé qui révèlent leurs fêlures à l’instant où elles pourraient se briser. La porcelaine devient une peau légère et translucide, un drapé presque, quand il ne s’agit pourtant que de minces sculptures empruntes d’une influence chinoise. Mais ailleurs le regard dérive sur son contraire, deux bustes terreux qui se confrontent sous leur casquette dérisoire. Et sur les murs, des disques énigmatiques ponctuent l’espace dans le trouble de leur forme et d’une couleur à peine suggérée… Aussi, plutôt que de nous laisser emporter dans la lourdeur d’un appareil théorique, enivrons-nous de ce voyage poétique entre incertitude et fascinante matérialité des œuvres.

L’exposition est aussi une opportunité pour Nicolas H. Muller de présenter quelques artistes qui s’attachent également à déjouer les codes pour instaurer le trouble de l’indéfini au cœur de leur pratique. Céleste Richard-Zimmermann est une plasticienne qui parvient à mêler images populaires et mythes fondateurs dans d’imposantes colonnes de polystyrène où la légèreté de la matière s’oppose à la lourdeur de l’apparence. Il faut prendre le temps d’errer, de découvrir et de s’étonner, alors on se perd, on se retrouve et on découvre d’autres mondes...

Faith Ringgold, «Black is beautiful»

 

Musée Picasso, Paris

Jusqu’au 2 juillet 2023

En plusieurs tableaux, c’est dans une écriture noire, tour à tour sombre et lumineuse qu’un récit se construit. Né à Harlem en 1930, Faith Ringgold nous entraîne dans une vaste fresque de cette Amérique noire qui prend conscience de son histoire et de son destin. Dans la résonance du jazz et d’une communauté noire en pleine mutation, c’est une femme qui s’affronte aux règles dictées par des blancs et des hommes, une femme avec une autre écriture pour dire l’art occidental quand il rencontre ce qu’on appela «l’art nègre», Picasso, l’art textile mais aussi l’art mural, la typographie, la mosaïque et même des livres pour enfants. C’est la vie en noir et blanc, mais aussi dans son éruption de couleurs et de styles, celle qui jaillit d’une œuvre riche en anecdotes et en matières.

«Je voulais montrer qu’il y avait des Noirs quand Picasso, Monet et Matisse faisaient de l’art. Je voulais montrer que l’art africain et les Noirs avaient leur place dans cette histoire.» Voici donc un nouveau chapitre qu’ouvre Faith Ringgold dans le Musée Picasso en se mesurant au peintre, à l’histoire de l’art occidental mais aussi à toutes les ségrégations qu’elle illustre aussi bien par la place de la femme, que du racisme ou de toute autre hiérarchie culturelle. Le regard engagé de l’artiste se lit dans un foisonnement de pratiques que Cécile Debray, commissaire de l’exposition, est parvenue à exprimer avec clarté et pertinence par le choix des œuvres, dans la scénographie d’une expérience artistique unique dans sa durée, sa diversité et dans l’engagement obstiné d’une artiste.

Celle-ci s’inscrit dans l’histoire de ce creuset culturel de l’Amérique que fut Harlem. L’exposition s’ouvre sur «Lumière noire» car la couleur d'un corps est aussi une réflexion sur la peinture, son développement et ses manques. Elle se poursuit donc sur ses apports dans un aspect autobiographique, les voyages de l’artiste en Europe, sa découverte des tankas tibétains qu’elle adapte en broderies avec l’aide de sa mère, styliste, et en courtepointes. Les personnages interprètent un récit lié à cette histoire d’émancipation d’une communauté, avec des anecdotes en patchworks tissés dans la tonalité des fresques et des affiches comme pour prendre une distance afin de  privilégier le sens plutôt que l’émotion. Il y a des mots, parfois une naïveté feinte et surtout cette volonté de ne jamais se répéter mais de toujours labourer le temps et l’espace pour s’ouvrir à un autre regard qui changerait le monde. « Mon art est ma voix » dit-elle. Du haut de ses 92 ans, cette voix vibre d’une superbe énergie à la fois bras de fer et clin d’œil face à la figure tutélaire de Picasso qui hante le lieu.

Miriam Cahn, «Ma pensée sérielle»

Palais de Tokyo, Paris

Jusqu’au 15 mai 2O23

                         Oui la peinture de Miriam Cahn est scandaleuse. Délibérément. Non pas en ce qu’elle qu’elle suscite pour certains de méconnaissance et de réprobation mais parce qu’elle ose énoncer et dénoncer les scandales du monde. Et la peinture n’est jamais une abstraction, elle fait corps avec l’univers et la vie et c’est bien ce corps à corps douloureux que l’artiste s’attache à mettre en scène.

Le corps donc comme l’antre des pulsions et des blessures avec le sexe qui déchire ou comme plaie béante. Et la fluidité de la lymphe et du sang qui se saisit de la peinture pour embrasser la puissance organique d’un paysage surgi d’une apparition hésitante. Car l’univers de l’artiste suisse née en 1940 se saisit de ces silhouettes fragiles, dans l’interstice de la vie et de la mort, en proie au chaos du monde. Les visages à peine esquissés sont des ballons vides, les corps se diluent dans l’espace. La souffrance rayonne de tous ses dards au cœur de l’humanité.

Plus de deux cent œuvres de 1980 à nos jours retracent ce cri face à la guerre, aux injustices, mais aussi qui clame notre fragilité, nos terreurs intimes dans un espace insondable. La peinture de Miriam Cahn en fournit l’architecture avec ses arêtes et ses vides. Toute en coulures ou en nuages crayeux, elle désigne le déséquilibre et la chute dans les entrailles de la souffrance. Accrochées dans un état précaire, les œuvres résonnent de leur solitude et d’un état d’abandon pour extraire ce fond de terreur qui traverse l’univers et mutile corps et âmes. Couleurs organiques ou artificielles façonnent ces entrailles et ces peaux flottantes au gré des machineries militaires qui les déchirent. Le monde brûle et nous en sommes la cendre.

La puissance hallucinée de l’horreur irradie cette œuvre dans le souvenir de Goya et des désastres de la guerre. Et le corps est l’enveloppe de cette violence originelle que Miriam Cahn décrit au plus près de l’universalité, dans sa nudité et sa fragilité. Et le sexe en est la flamme, tour à tour arme et blessure. Œuvre scandaleuse? Étymologiquement, le scandale est une pierre d’achoppement, le prélude à une chute. Par extension, il donna le verbe «scander». Alors oui, cette œuvre est bien la résonance d’une plainte et de sa litanie. Elle est un chant psalmodié dont la répétition lancinante conjure la force du mal.