Projet NOMADE de Charlotte Pringuey-Cessac

Galerie Eva Vautier, Nice

A partir du 30 janvier 2021

Le mot n'est pas la chose, le réel se soustrait à sa représentation de même que « la carte n'est pas le territoire » ainsi que le proclamait Alfred Korzylski. Et si l'art n'est pas la vie, la carte peut-elle au moins définir les tracés de ces errances auxquelles les artistes s'adonnent autour du projet NOMADE de Charlotte Pringuey-Cessac. Celui-ci est exemplaire d'une démarche qui privilégie l'itinérance, l'expérimentation et le partage à la simple réalisation de l’œuvre, de son achèvement et de la sacralisation qui en résulte. Elle s'élabore au fil d'un long processus où temps et espace s'entremêlent, dans l'incertitude des rencontres, au hasard du quotidien, si bien que plutôt que de s’amarrer à une résidence dans l'Espace d'Art METAXU à Toulon, l'artiste préféra une résidence nomade qui l'entraîna durant un mois dans un tour de France à bord de sa voiture où elle glissa dans l'étagère au-dessus de sa boite à gants des mouchoirs en porcelaine. L'enjeu consista alors à les échanger d'un lieu à l'autre avec 18 autres artistes pour des œuvres qui tiendraient dans un espace aussi réduit. Et comme Charlotte Pringuey-Cessac transportait à chaque fois de nouveaux passagers, ces œuvres devenaient l'objet d'une médiation, elles s’inséraient dans le flux d'une parole, dans la transformation du sens, dans une figuration de la fragilité et de l'éphémère.

L'infime se noue alors à l'intime tant tout projet résulte d'un cheminement personnel mais aussi d'un ensemencement pour une récolte incertaine et un partage. Le projet est aussi ce trajet. Et il impliquera dés lors un déplacement, un instant de qualité humaine dans la rencontre de l'autre et la solidarité. L’œuvre aboutie en est le témoignage et chaque artiste ajoute sa modeste pierre à cette œuvre commune. Quelle est la valeur d'usage de l'art ? Et si elle correspondait à une valeur d'échange autre que celle qui définit d'ordinaire nos rapports sociaux ? C'est aussi dans cette perspective que s'inscrivent les recherches de l'artiste quand elle se mesure à la polyphonie des autres créations, au dialogue et au jugement de ceux qui les approchent.

Souvent attachée à la notion de durabilité, l’œuvre exprime pourtant un état ponctuel du monde. Elle est un présent continu qui énonce des potentialités humaines et sociales. L'éphémère conditionne ses formes en devenir. Aussi pour l'ensemble des artistes convoqués, le temps avec les séquences qui l'imprègnent reflète-t-il cette itinérance. Ce sont alors les moments impensés du quotidien, la répétition, la banalité dans les travaux de Manon Rolland ou bien les cartes postales empruntes d'une méditation sur la mémoire avec Caroline Bouissou. Simone Simon quant à elle ravive l'intensité ou l'effacement des souvenirs par des enregistrements sonores tandis que Nicolas Daubanes déclare : « Mon travail s'inscrit dans la durée, il dessine un chemin, une trajectoire qui tend vers la recherche de la liberté. »

Le temps demeure la matière mystérieuse de cet ensemble d’œuvres toujours modestes mais résolument incrustées dans l'humain et la puissance émotionnelle. L'itinéraire est une chaîne fragmentée. Il renvoie des parcelles d'objets ou de mots comme les traces d'un passage dans la vie et chaque étape charrie l'humble instant d'un morceau d'existence qui se transforme en poésie. La traversée du temps est la quête de cet espace où se joue l'aventure de l'art.

Avec des œuvres de Charlotte Pringuet-Ceyssac, Simone Simon, Catherine Burki, Caroline Bouissou, Laura Giordanengo, Nicolas Daubanes, Florian De La Salle, Manon Rolland, Daniel Nadaud, Maelle Labussière, Albane Hupin, Vincent Chenu, Marco Godinho, Massimiliano Baldassari, Alban Morin, Gabrielle Conilh de Beyssac, Jules Guissard, Anne-Laure Wuillai, Olivia Barisano.

Exposition de Giangaetano Patané

 

nm<contemporary, Monaco

Du 22 janvier au 15 mars 2021

L’image du corps traverse l’œuvre de l'artiste italien Giangaetano Patané, né en 1968 à Rome. Pourtant, au fil du temps, cette image tend à se dissoudre pour faire surgir, au-delà de la figuration, cette parcelle plus secrète de l'humain, aux confins du visible, cette aura mystérieuse que l'artiste ne cesse d'explorer à travers le dessin, la sculpture ou la peinture.

Entre présence et absence, la matière de la figuration s'estompe peu à peu, les attitudes du corps se fondent dans un espace de méditation silencieuse pour laisser entrevoir ce que le regard seul ne saurait capturer. C'est ainsi que l'abstraction semble désormais absorber le souvenir de ce corps et de sa gestuelle. Dessiner, peindre ou sculpter convergent alors dans cette même action qui consiste à saisir l'insaisissable. Car Patané à l'instar des grands artistes italiens, parvient à donner forme au silence, à en extraire la sensualité et son intensité de sens. Les attitudes d'un corps, aussi banales soient-elles, recèlent ce mystère qu'on ne peut approcher qu'en en déchirant délicatement l'enveloppe. Alors il n'en subsiste que la charge émotionnelle du souvenir qui se matérialise en des formes inédites pour une page vide où s'écrirait une nouvelle histoire.

Patané est un véritable créateur. Il anticipe formes et récit avec délicatesse, il caresse le trouble et franchit avec une fière désinvolture les frontières de la figuration et de l'abstraction. Cette œuvre, il faut en saisir toute la subtilité, suivre les méandres qui nous mènent du détail le plus infime jusqu'au déploiement de cette lumière incertaine de laquelle jaillit la certitude d'une découverte. Ici l'art se conjugue au bonheur et, aujourd’hui plus que jamais, il est une nécessité.

Slavs and Tatars, « Régions d'être »

 

Villa Arson, Nice

Jusqu'au 31 janvier 2021

Pour les voitures comme pour l'art, l’hybride est à la mode. Marcher à la fois sur un bras et sur une jambe, penser avec un hémisphère gauche et un pied seront, n'en doutons pas, l'objet de recherches et de doctes conférences. Pour faire de l'art, mixons de l'humour, de la science, de l'histoire, de la géographie, de la religion, du politique et de la linguistique. On laisse aussi fermenter des cornichons et le parcours initiatique s'ouvre alors sur un drolatique mur de corps-nichons. Et puis, peut-être des sculptures, des images, des plans, des notes, des mots, des assemblages pour un grand bazar que nous propose le collectif berlinois Slavs and Tatars.

Mais l'hybridation étant de mise, l'aspect visuel voire auditif de l'ensemble requiert par ailleurs livres et conférences qui nous éclaireront sur ce grand écart entre le mur de Berlin et la muraille de Chine, là où les anecdotes et la petite histoire se confrontent à la pérennité des mythes et des constructions culturelles. Muni d'un mode d'emploi et de sa boite à outils conceptuels, le visiteur s'amusera de son soudain génie à découvrir que la terre n'est pas plate, que le temps n'est pas simple et que l'art l'est encore moins. Avouons qu'on ne s'ennuie jamais, chaque pièce réservant sa propre pirouette formelle dans une installation labyrinthique où l’intelligence et le gag jouent d'un parfait désaccord. Slavs and Tatars nous invite « à regarder ailleurs, au-delà des frontières, des idéologies et des croyances. » Et il est vrai que dans ce parcours déroutant, tout se fissure et que l’œil est ballotté d'une œuvre à l'autre comme une boule de flipper se cognant à des points lumineux. On s'amuse, on s'étonne. Et l'on a envie de rejouer la partie !

Eric Duyckaerts : Funambule élémentaire

L'espace à vendre, Nice

Jusqu'au 4 décembre 2020

Dans le cadre de Manifesta 13

Disparu en 2019, l’artiste belge Eric Duyckaerts fut ce funambule qui marche sur le fil de la raison avec l'obsession du pas de travers, du pas de côté qu'il n'a cessé pourtant de pratiquer. De même fut il celui de « l'élémentaire », de l'essentiel, de la chose avant que l'idée ne l'absorbe. Comme en son temps le fit le poète Francis Ponge, il assura à l'objet le plus trivial la profondeur d'un sens que la pensée ne saurait seule lui accorder. Philosophe et juriste, il fut alors cet artiste qui traqua toutes les apories et les creux du langage là où l'absurdité se logeait au cœur même de la logique.

Lors de ses conférences performées, dans ses vidéos, ses installations et ses sérigraphies, par sa gestuelle, ses déplacements burlesques et une voix professorale, il évoquait cette « autre chose » conceptuellement réelle mais qui défiait pourtant l'ordre de la langue. Ainsi une main à six doigts devenait-elle le propos d'une recherche scientifique avec conférences, dessins lardés de remarques et d'hypothèses où le sérieux s'indifférenciait de l'absurde. Cette dualité est le fil de cette exposition quand l'artiste parle dans ses vidéos comme dans un miroir, quand sur de grands formats il oppose la monochromie à des caisses démembrées, quand, dans des sérigraphies pastellisées, il montre des entrelacs de nœuds en parfaite symétrie, dans une logique apparente et pourtant de l'ordre de l'impossible.

Eric Duyckaerts est un saltimbanque de l'art et de la philosophie. Tour à tour Buster Keaton et scientifique fou, il joint le geste à la parole mais quand il parasite la chaîne discursive du langage, on ne saura jamais où se trouve la faille du raisonnement, le virus lexical qui s'est emparé de son logiciel. L'image demeure pourtant le constat à la fois tragique et burlesque de cette expérience. Il faut se soumettre à cet art là : on y pense l'interaction de nos doutes et de nos certitudes, l'ennui des choses vues et des poncifs contre cette autre monde, cette autre pensée tapie en nous-mêmes. L’œuvre d'Eric Duyckaerts est somme toute très flaubertienne par son humour sarcastique contre les idées reçues mais il y a aussi du Alfred Jarry et tous les autres qui nous rappellent en littérature comme en art que, dans la lourde machinerie sociale, le grain de sable du rire est le meilleur antidote contre la bêtise.

 

Pietro Ruffo, « La politique des étoiles »

 

NM Contemporary, Monaco

Jusqu'au 24 novembre 2020

De l'infiniment grand à l'infiniment petit, la perception comme la conception du monde résultent toujours d'une exploration. Tout artiste est un voyageur errant parmi les formes mouvantes de l'univers et du vivant. Que deviennent alors les frontières mentales ou géographiques quand il s'agit pour lui de se mesurer à l'humain qui les conçoit et dont le projet politique est de leur donner sens et forme ? L'artiste italien, Piero Ruffo, nous invite à un voyage passionnant dans cet univers, entre espace, temps et mythologie, pour explorer cette capillarité entre le visible, l'imprégnation culturelle et l'imaginaire.

Un tel parcours impose grandeur et humilité et, pour le représenter, il faut recourir à une œuvre multiple - assemblages, dessins et lacérations - qui puisse dire l'homme dans sa solitude comme dans son universalité. C'est à dire dans sa fusion avec l'autre, l'animal, le végétal et la danse des constellations. Piero Ruffo manie le dessin avec minutie. Le temps se regarde alors, il s'organise ou se décompose dans la durée des gestes méticuleux qui s'exercent dans la découpe des signes astraux, des animaux ou des humains se déployant à travers les strates de l'histoire comme signes annonciateurs de nos lendemains. L'artiste utilise des archétypes pour parler l'universel. Les œuvres présentées multiplient les supports, papier millimétré, tapisserie ou couvertures de survie. Les frontières se dissolvent alors pour un chant cosmique où l'homme se désigne dans sa fragilité comme dans sa toute puissance.

Tout n'est qu'histoire de déplacement et de migrations. Celles des espèces ou des hommes pour mettre en péril le concept même de reproduction et de mimétisme. Quand tout n'est que passage et transformation qu'en est-il de nos moyens d'agir, de penser le social et le politique ? L'artiste parvient à capter avec virtuosité cette fusion de l'ombre et de la lumière, de la ligne ou de la figure avec l'indicible. La volonté se mesure à l'aune de l'incertitude. La cartographie devient ici un repère constant pour ce constat sur un monde déboussolé. Piero Ruffo dessine des perspectives, il suggère des traces, il creuse littéralement le fond et la forme. La poésie réside dans la gestation des figures comme un impossible. La politique est bien une vision d'avenir quand elle se raccroche aux étoiles.

Ana Maria Hernando, La Napoule Art Foundation

 

La Napoule Art Foundation ,

 Mandelieu La Napoule

D'origine argentine, Ana Maria Hernando s'est installée en 1986 au Colorado sans pour autant renier les cultures de l'Amérique latine, particulièrement en relation avec l'artisanat et le travail traditionnel des femmes dans  le tissage, le maniement des étoffes et le chatoiement des couleurs. Pourtant cette relation si intime avec les rites du quotidien ne s'exprime dans l’œuvre de l'artiste que par le biais de la nature qui, toujours, la traverse de façon allusive et sensuelle. C'est ainsi que dans le château et ses jardins, se déploient des installations entre nuages, vagues et fleurs qui s'offrent pourtant comme de vastes décors où se déclinent la légèreté des tulles et la douceur des teintes malgré la force monumentale de ces compositions.

Séduisante, l’œuvre reste pourtant ambiguë; elle distille une étrange inquiétude pour ce qu'elle diffuse de rêve, de beauté ou de douceur. Elle impose l'idée d' un dévoilement, comme une incitation à extraire du regard nos conventions et de déjouer les pièges du visible. Ces installations complexes, tout en nœuds et en coulées de textiles aux teintes artificielles, évoquent la nature tout en la niant et l'artiste parvient ainsi à construire une dramaturgie subtile dans une poésie toute en nuances et dans un clair obscur où la violence de la couleur s'éteint pour célébrer le silence des ombres. L’œuvre d'Ana Maria Hernando se développe dans une brume colorée, dans la légèreté des transparences mais ne se départit pourtant jamais de l'écho spectral qui résonne douloureusement dans cette vaste symphonie baroque qu'elle parvient à créer. La puissance émotionnelle de ses installations fragiles d’étoffes et de gazes avec ces agencements de pétales fanés se diffuse dans l'architecture du lieu comme si l'artiste avait voulu en déchirer l'enveloppe. En résidence dans le château, elle a contrarié l'aspect fortement minéral de celui-ci tout en développant les effluves de son style néo-médiéval. Parfum romantique ou fleurs du mal vénéneuses, on ne sait ce qui s'empare de nous quand nous voguons ainsi dans ces plis qui se heurtent à la pierre. Qu'importe pour peu qu'on s’abandonne aux appels invisibles de la poésie.

LES AMAZONES DU POP

 

                                                                              Evelyne Axell

she-bam pow pop wizz

MAMAC, Nice

Jusqu'au 28 mars 2021

Quoi de plus percutant que ce « sham-bam pox pop wiz » emprunté à Gainsbourg et chanté par Brigitte Bardot pour mettre en lumière et en images ces Amazones du Pop Art que célèbre le MAMAC pour son 30e anniversaire ? Et ce sont bien des flashs lumineux et des couleurs arc en ciel qui rythment les œuvres de la trentaine d'artistes femmes souvent ignorées dans l'histoire de cette folle énergie des sixties. C'est justement Brigitte Bardot qui inaugure ce parcours suivi de Jane Fonda, la première s'illustrant plus tard par la défense de la cause animale tandis que la seconde s'engagera pour la défense des minorités. Car les années 60 sont celles du rythme, des utopies politiques et d'une volonté de libération. Et avec les artistes du pop on a célébré le « meilleur des mondes », celui du consumérisme, de la publicité, du spectacle à outrance tandis que parallèlement ceux du Nouveau réalisme s’attaquaient avec colère aux déchets de cette société. Les paradis aux belles découpes colorées des artistes pop ne préfigurent-t-il pas la fiction d'Aldous Huxley ? Et le désir féminin qui s'affiche parfois ici peut-il s'accorder au désir du Coca cola ?

L'exposition est passionnante en ce qu'elle dit de ce mouvement artistique quand la seule parole masculine était audible et nous découvrons pourtant nombre d'artistes femmes qui, telles quelles, s'engagèrent dans un discours sur la féminité.

En 1957, le peintre Motherwell refusa que Idelle Weber participât à ses cours au prétexte que, désirant enfants et mari, elle ne pourrait devenir artiste. Malheureusement absente de cette exposition, celle-ci devint pourtant, avec ses silhouettes sombres, son esthétique plate et sa représentation des codifications sociales dans le monde du travail, l'une des représentantes les plus originales de cette mouvance. Cependant les principales artistes du pop art sont ici présentes avec leur authentique virulence et le parcours, très diversifié, s'organise autour des thématiques issues des mass média, les comics, la science fiction, l’érotisme avec Evelyne Axell ou Dorothy Iannone, les héros de pacotille ou les servitudes quotidienne chez Martha Rosler. Quelques artistes, plus en marge du pop art comme Lourdes Castro, Louise Nevelson, Judy Chicago ou Niki de Saint-Phalle nous permettent de mieux comprendre l’ambiguïté d'un moment artistique où, par surcharge du décoratif, on célébra parfois ce que l'on dénonçait. Elles permettent aussi de faire le lien avec le courant du Nouveau Réalisme. Le point de vue féminin apporte ici sans nulle doute un engagement plus direct et permet de mieux comprendre l'aventure du pop art. Espérons que l'exposition permettra à certaines artistes d'accéder enfin au fameux moment de célébrité  promis par Andy Wahrol !

« Géométries de l'invisible », Espace de l'Art Concret, Mouans-Sartoux

 

Jusqu'au 3 janvier 2021

                                                           Arthur Lambert, 2019

Quand la forme géométrique demeure la pierre angulaire d'une œuvre et qu'elle recourt à son expression la plus simple dans l'abstraction, l'Espace de l'Art Concret n'a de cesse de mettre en lumière toutes les expériences artistiques en relation avec cet idéal de pureté de la ligne et de la couleur. Et si ces dernières figurent l'ossature du visible, elles évoquent aussi leur corollaire, cette énigme de l'invisible. L'aventure est donc audacieuse quand il s'agit de mettre en forme ces « géométries de l'invisible » et pourtant la quarantaine d'artistes que l'exposition présente parviennent, par des détours parfois opposés et des approches souvent déroutantes, à apporter des solutions sensibles et colorées pour un tel défi. Il faut donc porter un regard sur l'autre versant des formes rationnelles, des cercles, des triangles et des carrés. Et dériver sur ces territoires marginaux, suspects à la rationalité et aux sciences, que sont l'ésotérisme et la spiritualité.

Le parcours débute sur l'ébauche d'une géométrie dans l'art préhistorique pour se poursuivre sur des géométries naturelles et le vortex. Dans ses œuvres, Teruhisa Suzuki s'intéresse à l'écoulement tourbillonnaire et à la dynamique du vortex quand, sur un autre registre, Mario Merz, dans un igloo d'éclats de verre, associe un arbre à la représentation de l'habitat et du cosmos. Mais la présence de l'invisible est aussi cette réalité qui se rattache à des territoires inconnus, ceux de l'énergétique, des ondes, des fréquences ou du magnétisme et, leur donner forme nécessite une autre expérience de la perception. Celle-ci engage un rapport nouveau au sensible que certains artistes découvrent à travers l'ésotérisme et notamment les symboles et signes de l'alchimie, de la Kabbale ou de la franc-maçonnerie. Aux œuvres lumineuses d'Arthur Lambert, dans une élévation transcendantale vers le sacré, répondent les mandalas d'Anika Mi comme unité cosmique de l'intérieur et de l'extérieur soutenus par une vidéo avec une partition musicale de Michel Rodolfi. L'aventure est surprenante et labyrinthique tant les propositions sont variées et parfois vertigineuses. La science pure côtoie l'imaginaire ; le vide d'Yves Klein se heurte à la dynamique visuelle de Vasarely tandis que les sphères du sculpteur-forgeron Vladimir Skoda nous renvoient toute l'énergie du cosmos. Il faut se laisser tenter par ce cheminement visuel vers l'invisible qui se transforme en un voyage initiatique entre art et magie.

« L'odeur est la principale préoccupation du chien »

 

                                       Gérald Panighi
 

Gérald Panighi et Laurie Jacquetty,   Galerie Eva Vautier, Nice. Jusqu'au 30 octobre.

Il faudrait parfois considérer le monde comme l'expérimenterait un vieux chien errant, reniflant au sol les remugles d'une vie chaotique, flairant et déterrant au gré du hasard des fragments d'inutilité. Il faudrait être ce chien sculpté par Giacometti qu'on imaginerait fouiller dans les poubelles pour en extraire des déchets d’humanité. Chienne de vie, pourrait-on dire quand deux artistes nous renvoient des mots et des images sans concession sur les attentes et le vide du quotidien. Une vie ordinaire que Laurie Jacquetty perçoit à travers le journal d'un chien dans les pas de ses maîtres, dans le fil de la banalité des événements et par le regard décalé de l'animal. Mais ce que le chien déterre c'est aussi un journal sale avec la violence du fait divers, les odeurs fétides d'un théâtre de l'absurde et de la cruauté. Aux pages de ce journal, avec ses paroles tour à tour naïves, drôles et cassantes, ses dessins tremblés mais justes et légers, répondent quelques sculptures. Celles-ci, dans des réminiscences d'art brut, sont des abris de fortune, des épaves du quotidien faits d'écorces, de rebut et de matériaux éphémères. L’œuvre est sans concession et pourtant elle semble vouloir se mettre en retrait de ce qu'elle désigne. Elle interpelle subtilement par cet exil poétique, par cette observation distanciée qui neutralise la portée de tout discours. Et quelle force surgit alors de ce dispositif quand la sensibilité de l'artiste se mesure à l'absurde !

L'univers de Gérald Panighi est aussi celui du fait divers qui se cogne à la banalité des jours. A regarder ses dessins, le temps ne serait que plis, rides et salissures. Épinglés au mur, les papiers défraîchis témoignent de ces marques, taches de doigts ou d'essence de lin. Ils portent les stigmates du quotidien toujours sur un mode impersonnel. Tout est anodin, accidentel, et les images entrent en collision avec les mots. L’illustration issue de décalques et de transferts renvoie à l'anonymat, à des découpes de héros fatigués, d'insectes ou de plantes. Mais en creux, ces images crient un vide d'humanité. Elles résonnent avec des aphorismes en porte-à-faux avec leur illustration et s'inscrivent dans une typographie qui rappelle la police neutre et vieillie des anciennes machines à écrire. Les phrases surgissent telles des flashs de pensée ou des éclairs de solitude quand elles se heurtent à l’espace de la feuille de papier et ses larges zones de vide. Un dessin de Gérald Panighi ne s'oublie pas. Dépourvu d’anecdote, il relate dans un humour sombre l'instant de cette poursuite d'un sens introuvable, d'un au-delà des mots et des images. Mais l'odeur n'est-elle pas la principale préoccupation du chien ?

                                                   Laurie Jacquetty

Pentti Sammallahti, « Miniatures »

 

Musée de la photographie, Nice

Jusqu'au 24 janvier 2021

Souvent de dimensions imposantes et d'un aspect résolument spectaculaire, la photographie contemporaine tend à établir une confrontation avec le monde : elle s'impose, elle joue de ses techniques et trucages et, « il faut en mettre plein la vue ». Né en 1950, le photographe finlandais, Pentti Sammallahti renoue au contraire avec l'humilité première de la photographie, celle de saisir un fragment de réalité pour en extraire une essence spirituelle. Il ne s'agit plus d'un regard boulimique sur le monde ou d'un regard fugitif quand la pensée s'en absente et que l'image reste en suspens sur la rétine avant qu'elle ne s'éteigne.

 Penttti Sammallahti saisit des parcelles du monde comme autant de fragments de l'invisible et les quelque deux cent photographies de l'exposition racontent cet instant de l'indicible quand l'imaginaire s 'empare de pans entiers de la nature. Issue d'innombrables voyages, chaque image diffuse la révélation d'un miracle avec seulement les traces d' une présence humaine, d'un animal ou d'un arbre. Et il y a le ciel, la terre, comme une page vide à l’affût d'un récit ou d'un conte. Et cette buée qui s'y dépose pour troubler notre regard ou cette atmosphère minérale dans laquelle s'impose la qualité du silence. Tout l'art du photographe repose sur la modestie, la lenteur et le cliché devient cet instant de méditation qui s'ouvre sur une révélation.

 Pentti Sammallahti est un artisan. Ses « miniatures » - rappels des techniques médiévales- forcent notre regard à sonder chaque détail pour lui donner sens. Un oiseau à peine plus gros qu'une tête d'épingle pense déjà son envol. Le noir et le blanc suffisent à une écriture légère qu'aucun bruit ne doit écorcher. La splendeur des panoramiques, le tremblement ou l'épaisseur de la lumière, témoignent d'une présence diffuse que la qualité du tirage révèle. Le photographe sait tout faire. Il utilise les subtilités de l'argentique, il développe et compose chaque image dans de somptueux jeux de contraste. Dans ses cadrages, l'univers n'impose d'autre hiérarchie que par la mise à distance de ces présences en attente de l'événement qu'on voudra bien leur accorder. Hommes ou chiens, leurs ombres étincellent les pages de ce récit en sommeil. Dire la beauté du monde. Raconter le pays des merveilles. Montrer qu'il est là, devant nous.