Jean-Philippe Roubaud, «Didascalie 6: A l’ombre de la lumière»

 

Le Suquet des Artistes, Cannes

Jusqu’au 21 janvier 2024

La peinture illustre toujours une histoire du temps qui s’inscrit en images, matières et couleurs. Pourtant c’est bien le dessin qui en dévoile la trame. Il en révèle aussi son récit en se rapportant à des lignes et des courbes à l’instar d’une écriture. Jean-Philippe Roubaud revendique la puissance du dessin comme acte fondateur, préalable à tout autre mode de représentation, à toute pratique artistique du moins jusqu’à ce que la peinture prenne son autonomie au cours du XIXe siècle. Dans son sillage, de l’art moderne à l’art contemporain, ce sont alors de nouveaux concepts, d’autres définitions et des pratiques inédites pour intégrer l’art à la vie.

La lumière s’énonce en espace et couleurs quand pourtant le dessin quant à lui, se réduit au trait, à un noir et blanc d’où surgit un clair obscur qui désigne la couleur avant de la représenter. L’artiste explore ces paradoxes comme autant de variations sur la vie et la mort. Cet acte fondateur du dessin s’imprime dans les œuvres présentées - dessins sur papier à partir de poudre graphite, céramiques décorées au crayon oxyde ou installations quand J.P Roubaud crée des caissons en inox pour dissimuler le dessin ou quand il répand un quadrillage sur le sol comme rappel de la mise en carreau préalable à bien des œuvres, mais aussi au carroyage des fouilles archéologiques. L’artiste extirpe alors la mémoire comme un révélateur de l’essence même de la représentation. C’est ainsi qu’il «dessine la peinture», en décline tous les états, parfois même grâce à la présence de photographies quand il brouille les pistes dans la confusion de l’agrandissement de certains détails dans des tableaux anciens et leur relation au dessin. La didascalie est ce discours en marge d’une représentation théâtrale.

Sur des papiers de grand format, l’artiste excelle, en virtuose de la composition, à représenter des scènes se rapportant à la course du temps en jouant avec des symboles, du trompe-l’œil, du maniérisme, tout en désignant parfois le glissement vers l’abstraction. C’est alors l’ensemble de l’art qui est saisi, parfois dans le réalisme d’un autoportrait, souvent dans un jeu de métaphores pour fouiller le passé, en extraire les thèmes fondateurs et les relier aux inquiétudes d’aujourd’hui et à la pérennité du Memento mori.

Œuvres durables ou bien éphémères, dans l’espace d’une ancienne morgue, l’artiste déploie quelques 81 dessins mais aussi de vastes fresques qui leur répondent dans l’illusion de grottes ou de chapelles. Le dessinateur est aussi un archéologue qui médite sur les strates de l’histoire de l’art comme si celles-ci refluaient par vagues et déferlaient sur notre présent pour dire ce qu’aujourd’hui nous sommes.

Amandine Maillot, Villa Cameline, Nice

 

Depuis 20 ans, la Villa Cameline, au gré de ses expositions, s’est attachée à explorer toutes les facettes de l’art contemporain. Et les contraintes de l’architecture tourmentée de cette «maison abandonnée», avec son espace morcelé, ses murs parfois ébréchés et leurs couleurs fanées, ont toujours marqué le travail des artistes qui l’investirent. Pourtant, comme pour célébrer cet anniversaire, la villa semble soudain se métamorphoser en s’imprégnant des œuvres d’Amandine Maillot. Il ne s’agit plus tant désormais d’exposer que de contaminer le lieu, de lui insuffler une autre vie et voici que l’espace transpire alors d’une mémoire oubliée, de fluides organiques et d’étranges dispositifs pour laisser place à une pratique artistique qui s’empare de la maison comme d’ un corps pour une existence réinventée.

Dans de multiples supports, Amandine Maillot ne cesse d’expérimenter toutes les hypothèses qui nous relieraient à toutes ces vies invisibles qui couvent dans la terre, l’eau ou l’air. Elle utilise le dessin, la céramique, le verre, la photographie, la sculpture et pourtant chacune de ces pratiques et matières semble demeurer en suspens, toujours dans l’attente de cette autre chose répondant à l’incertitude inquiète et intrinsèque de toute forme de vie. De cet événement un avènement se formule. Ainsi circule-t-on d’un univers à l’autre et c’est toujours cette idée de passage qui organise l’ensemble de l’œuvre.

Délicatesse et fragilité, équilibre instable, porosité du minéral, du végétal et de l’humain, tout se trame ainsi entre nuages de coton, ailes de libellules ou de papillons, branchages ou porcelaines brisées. Et toutes les hypothèses se confondent quand, à ces dernières, l’artiste associe des citrons qui jonchent également le sol. Or ceux-ci sont tellement réalistes qu’on oublie qu’ils sont issus de la seule porcelaine. C’est alors l’énigme de la vérité, le tremblement subtil entre l’illusion et le réel, le souvenir de Zeuxis, ce peintre de l’antiquité qui peignait si bien des raisins que les oiseaux venaient les picorer.

Ainsi tout n’est que théâtre et décor. Et l’univers se confond à un cabinet de curiosités. Partout des cadres dorés, des ampoules qui contiennent des nuages, un mobilier comme une excroissances des corps. Fauteuils, lits ou guéridons sont autant de prothèses à partir desquelles se déploient de féeriques robes en fragments de porcelaine blanche ondoyant comme les écailles des peaux de serpent.

Artiste ou magicienne, Amandine Maillot recompose le monde et le guérit. Sur un socle de troncs d’arbres brûlés, elle dispose la dorure métallique du circuit d’un ver de terre à l’intérieur du bois. Elle glane de modestes fragments comme autant de signes de ce qui nous rattache au monde et elle nous montre que tout cela ne tient qu’à un fil. Une feuille, une trace à peine déposée, elle les cueille dans le geste d’un recueillement. Il faut alors circuler d’une pièce à l’autre, égrener une à une chaque œuvre jusqu’à ce que dans les plis et replis de cette maison, une voix mystérieuse nous parle de l’art, de la vie, de nos angoisses et de nos bonheurs.

Martial Raysse, « Œuvres récentes »

 

Musée Paul Valéry, Sète

Jusqu’au 5 novembre 2023

Art, littérature ou la vie elle-même, tout réside dans la seule construction d’un récit. En ce sens, il n’existerait qu’un art narratif comme pour la peinture qui ne cessa d’illustrer un récit mythologique, religieux ou héroïque avant même de saisir la réalité d’un corps, d’un visage ou d’un paysage. Le récit personnel s’ancre ainsi dans un récit historique et il s’agit alors soit de le poursuivre dans l’adhésion de l’image au réel, soit de s’en débarrasser en créant les fondements d’un autre récit, celui que la pensée seule élabore quand elle se casse pourtant les dents sur l’écran du monde. Il ne s’agit plus alors de raconter ou de commenter mais bien d’essorer le système de l’image, d’en extraire les normes spectaculaires et marchandes et tout ce qui nous asservit à leur domination. Martial Raysse est celui qui, dans son imagerie pop du néon et des odalisques, connut la gloire et qui, un jour, s’exila dans le Sud-Ouest et rompit avec le monde et le marché de l’art.

Loin d’être un peintre narratif, Martial Raysse est un peintre littéraire qui utilise lignes, couleurs, fond et figures comme des mots. Il confie: «La peinture m’intéresse parce que c’est un langage sans paroles. C’est pour ça que je suis devenu peintre, sinon je serais devenu écrivain. La peinture est un langage universel.» L’artiste ne représente rien d’autre qu’un récit personnel où les émotions s’agglomèrent à l’invention de mythes où des personnages mal léchés, hirsutes et inhumains interprètent dans le cadre du tableau une danse sacrilège pour la peinture elle-même. La couleur est acide, les traits sont louches, les regards suspects, les gestes faux. Le rose est morose et le bleu suinte le blues. De ce désaccord avec la nature et sa reproduction, Martial Raysse écrit une partition folle, sombre et joyeuse qui serait celle d’une danse endiablée si le peintre n’en coagulait le mouvement dans la force silencieuse ou souterraine de l’image. Celle-ci ne cesse d’être la cible de l’artiste qui l’imprègne d’un élément sacrilège, d’un rictus et, souvent d’un titre ironique. Le peintre travaille ici avec des mots issus des fonds d’une mémoire collective et non avec ceux de la grandiloquence de la préciosité de la folie comme le ferait Garouste. En une centaine d’œuvres produites dans les quinze dernières années, une écriture picturale inédite se déploie dans son incandescence sombre et son autorité rieuse.

Martial Raysse est aussi sculpteur et s’autorise tous les matériaux; il écrit des poèmes et réalise de petits films, il dessine et il fait ce qu’il veut. Il est la liberté car la gloire, la mode ou les idéologies n’ont pas de prise sur lui. A elle seule, sa peinture témoigne des désordres du monde qu’il nous revient désormais d’interpréter. Martial Raysse déclara à Otto Hahn: «J’ai fait des études littéraires mais j’ai abandonné car je voulais me consacrer à la poésie. Influencé par Mallarmé, je cherchais à réduire la phrase à sa quintessence pour n’employer que deux mots qui s’entrechoquent.»

Sur les contreforts du cimetière marin, le Musée Paul Valéry de Sète avait présenté l’été dernier une rétrospective passionnante de l’œuvre de François Boisrond, autre artiste aussi célèbre qu’inconnu. Un musée qui devrait être un modèle pour bien d’autres...

                                                               "Courage Martial" Huile sur toile, 200x131cm Pinault Collection
                                      

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Françoise Petrovitch, «Aimer. Rompre»

 

Musée de la Vie romantique, Paris

Jusqu’au 10 septembre 2023

Les yeux clos et des paysages éteints. Et la douceur de la tristesse. Le Musée de la Vie romantique s’imprègne de cette peinture humide comme des larmes retenues au bord du pinceau pour dire une incertaine présence au monde, les corps éventés, la pensée prisonnière. La peinture fluide de Françoise Petrovitch, toujours au bord de l’effacement, trouve ici son havre naturel et s’y loge dans une somnolence rêveuse. Une Ophélie lointaine se dévoile dans ses teintes soyeuses de rose ou d’un bleu délavé pour un ciel éternel à lui-même et d’un temps absent. L’artiste peint et repeint l’évidence de l’image quand la réalité du monde peine à s’exprimer en cris ou en silences et qu’il lui faut ce retrait dans l’au-delà d’un miroir pour susurrer des mots prisonniers de l’âme et du cœur.

«Aimer, Rompre». Brûlure et déchirure se consument alors en tâches et en couleurs, en brumes et en mains qui s’agrippent aux corps pour ne pas les perdre. Françoise Petrovitch dessine le sourire des pleurs pour raconter les solitudes, les instants où le flux de la vie s’interrompt comme dans un arrêt sur image. Alors tout se cristallise dans une simplicité absolue, dans une imagerie qu’on croirait surgie de l’enfance mais tellement hors du temps et dans l’ailleurs d’un monde déchiré au désir et au réel. Être étranger au monde c’est dire l’autre qui nous ronge en nous-mêmes. L’artiste peint cet autre, cette personne que nous ne sommes pas et qui ne cesse de nous hanter. Tout est terriblement simple comme dans un paysage désolé qui se teinte d’une pluie apaisante puisque c’est ainsi que la peinture se dépose sur le papier ou la toile.

Pourtant à l’effusion romantique, Françoise Petrovitch répond par l’écran du cliché, la fragilité, l’incertitude, l’indécision. Les attitudes sont figées comme si l’image elle-même s’emparait des êtres avant que ceux-ci ne trouvent la liberté de vivre, d’aimer, de rompre… Peut-être alors faut-il peindre pour s’évader de l’image?

«Souvenir nouveau»

Le Grand Café, Centre d’Art Contemporain, Saint-Nazaire

Jusqu’au 10 septembre 2023

                                                         Nina Childress

Comme l’union de la carpe et du lapin, «Souvenir nouveau» se veut une locution de coïncidences et de paradoxes pour, dans un même espace, la présentation de peintures acidulées et pop de Nina Childress ou de Jean-Luc Blanc face aux raccommodages inquiets de Liz Magor. L’art se nourrit ainsi de ces accidents qui s’emparent des normes pour s’ouvrir à de nouveaux territoires. Et de cet ensemble rythmé voire chaotique, émerge un présent programmé comme une mémoire avec en guise d’introduction: «Les contrastes accentuent les échos entre les œuvres pour aller chercher derrière les généralités des lignes de force souterraines qui nous parlent toutes d’un rapport au temps présent hanté par des réminiscences.»

Sur ce fil discontinu, une vingtaine d’artistes de plusieurs générations élaborent esthétiques ou concepts qui se croisent, se heurtent ou se dissolvent dans un temps déconstruit. Mais il est dit que «le passé est un inépuisable magasin de nouveautés». Aussi tout peut se décliner avec humour ou dans le sérieux d’une autorité hautaine quand l’artifice répond au réel et que peintures, sculptures, photos et vidéos se télescopent dans un accrochage audacieux pour délivrer un récit parfois tout autre que celui que l’artiste aurait pressenti. C’est ainsi que les automatismes de langage élaborés comme des séquences peintes de Sylvie Fanchon se trouvent en résonance avec des toiles lumineuses de Samuel Richardot où corps et paysages s’assemblent dans une identité rieuse. De même les photographies d’Anne-Lise Seusse désignent des masses d’objets hétéroclites dénichés aux Puces de Saint-Ouen pour une réflexion sur la marchandise et l’écologie quand, ailleurs, les œuvres de Pierrette Bloch élaborent leurs superbes enchevêtrements de nœuds et de mailles tricotées comme des dessins ou des mots qui parlent de l’épaisseur du seul silence…

Comment tout réunir quand tout s’oppose? Comment construire un discours quand le fil conducteur est rompu et qu’un temps détruit répond à un espace friable? Peut-on croire qu’entre elles les œuvres entretiennent toujours un dialogue? Au moins, au-delà de la qualité de beaucoup des œuvres présentées et de son ambition, cette exposition a-t-elle le mérite de dire en creux ce qu’elle veut nier: On ne dit pas n’importe quoi, n’importe où et n’importe comment.

                                                               Sylvie Fanchon

Martine Feipel &Jean Bechameil, «Traversée de nuit»

 

L’interaction de l’art et de la vie ne cesse de hanter la création contemporaine et, d’une exposition à l’autre, nous voici confrontés à une multitude de propositions disparates mais toujours dans cette même volonté de faire écho à notre environnement et de donner forme aux liens qui rattachent l’artiste à la société. Pour Martine Feipel et Jean Béchameil, il ne s’agit donc pas tant d’explorer de nouveaux territoires que d’associer la sculpture ou l’architecture dans leur relation contradictoire au réel et à l’imaginaire. «Traversée de la nuit» est une vidéo illustrant une procession nocturne, allégorie de migrations où les personnages portent en guise de revendications des effigies de cigales, de pieds ou de scarabées réduits à l’effet de signes dévitalisés. Le duo d’artistes excelle dans ces cérémonies sous forme de performances filmées mais aussi de compositions en résine acrylique de figures géométriques ou d'une nature épurée. Inquiétude ou résilience se disputent dans les paradoxes des arbres, d’une ruine et d’une robotisation exacerbée. L’univers se réduit alors à ce conflit ouvert par lequel la rigueur minimaliste et l’obsession utilitaire se confrontent à une communauté humaine.

Ici s’entremêlent poésie et politique quand Feipel & Béchameil dans un registre très ouvert, fait appel à la robotisation et au mouvement pour traiter dans des matières neutres, résine, plâtre ou céramique, un univers parallèle aux couleurs industrielles. Cet univers percute l’histoire de l’art par des allusions au Bauhaus, à Sonia Delaunay et au modernisme. Mais il parle surtout de l’étrangeté de notre rapport au monde quand nous y sommes tous étrangers par le filtre de ces œuvres qui se dérobent à nos certitudes pour interpréter leur propre partition. A la fois collectives et d’apparence évidente, les pièces présentées s’associent pourtant comme des énigmes absorbées dans une même grammaire. La fragilité du sens, l’inutilité des choses se heurtent alors à un désir de beauté, à un rêve d’humanité. Parfois cet art peut sembler froid, hostile. Pourtant pour peu que l’on s’y confie, sa complexité dans l’invention, son intelligence et son défi à toute logique, parviennent à imposer l’idée d’une domination technologique qui aurait contaminé toutes les strates de la société en emportant avec elles le souvenir même de l’art. C’est pourtant bien celui-ci que nos deux artistes revendiquent avec force et dans un humour discret: d’autres matières, d’autres couleurs pour un autre regard sur le monde.

Monaco Art Week

 

                                                    Mary Ronayne, HOFA YellowKorner Monte Carlo

Du 4 au 9 juillet 2023

D’une année à l’autre, Monaco Art Week ne cesse de prendre de l’ampleur et reflète en cela le dynamisme de la principauté à la fois pour le commerce de l’art et la variété de ses expositions. C’est toute la vitalité d’un écosystème qui, entre musées, maisons de vente aux enchères et galeries internationales, s’affiche en une multitude de propositions avec pour seule règle la qualité de l’œuvre. Pour clore cette semaine artistique, Artmonte-Carlo, organisé par Art Genève, s’est également hissé au fil du temps comme l'un des événements majeurs de la scène artistique sur le plan international.

L’art contemporain tisse l'essentiel du fil de ce parcours artistique mais le XXe siècle est superbement représenté par une importante sélection d’œuvres sur papier de Chagall chez Sotheby's tandis que, sur un autre registre, il rend hommage à John Chamberlain et son approche poétique de la matière chez Hauser&Wirth. On y trouvera aussi, comme chez Opera Gallery, des œuvres de George Condo en écho à la grande exposition de l’artiste, «Humanoid» au Nouveau Musée National de Monaco. Et toujours pour la peinture, un beau voyage dans l’impressionnisme chez Moretti Fine Art avec Renoir, Cross ou Le Sidaner et, rareté, un superbe bouquet de fleurs de Bonnard. Voici donc un beau prélude à la grande exposition estivale au Grimaldi Forum, «Monet en pleine lumière».

C’est davantage à de plus jeunes artistes que se consacrent d’autres galeries telles que HOFA YellowKorner avec un focus sur Mary Ronayne et son univers déjanté en couleurs acides pour une comédie humaine ensoleillée et grimaçante. Quant à Kamil Art Gallery, elle nous proposera toute une sélection de travaux abstraits d’Olga Sinclair sous le signe d’un expressionnisme maîtrisé et de la couleur. Dans sa relation à la littérature, c’est Jane Gemayel qui dans «Au cœur d’un regard», nous entraîne avec la Galerie Adriano Ribolzi, dans toute la complexité d’un univers sensible et lumineux.

Voici donc un panorama complet de la peinture d’aujourd’hui qui nous permettra la découverte d’œuvres inédites d’artistes tels que Soulages, Picasso, Léger et tant d’autres. Mais la photographie est aussi à l’honneur avec Axel Crieger à la Teos Gallery tandis que chez Lebreton, la céramique est célébrée par toute une série de pièces réalisée à Vallauris entre 1950 et 1970. Et n’oublions pas la joaillerie avec la recherche sur le titane de Martin Spreng chez Elisabeth Lillo-Renner qui présente aussi les bijoux aux motifs floraux de Margherita Burgener. Telle est cette scène artistique en plein essor qui place désormais Monaco parmi les capitales les plus dynamiques de l’art d’aujourd’hui car cette sélection est loin d’être exhaustive. Désormais partout, dans ses parcs, ses musées ou ses rues, l’art jaillit ici au cœur de l’été.

Béatrice Lussol, Agnès Vitani, «à bras-le-corps»

Galerie Eva Vautier, Nice

Jusqu’au 23 septembre 2023

                                                                        Béatrice Lussol

Il y a chez l’une cette intimité toute féminine dont l’intériorité déborde sur des paysages imaginaires. Et chez l’autre, l’écorce sèche des corps dans leur stricte extériorité, leurs rebus d’accoutrements et le souvenir de leurs gestes. De l’une à l’autre, ce n’est pas un corps à corps qui se joue sur ces deux versants que tout pourrait opposer mais plutôt une rencontre qui prend forme et lors de laquelle, deux femmes artistes prennent l’art à bras-le-corps pour tracer des chemins qui tour à tour divergent et se croisent.

Ce qui réunit sans doute au mieux Béatrice Lussol et Agnès Vitani, c’est cette forme d’énergie jubilatoire nimbée de mystère et d’érotisme à moins qu’elle ne contienne ces relents de perversité ou de blasphème, entre enfer et paradis, qu’on trouva en 1974 dans un film de Robbe-Grillet, «Glissements progressifs du plaisir». Il n’est pas anodin de signaler que ce film s’inspirait très librement du livre de Michelet, «La Sorcière», sans doute la première œuvre littéraire délibérément féministe. Béatrice Lussol s’inscrit manifestement dans cette mouvance et c’est le corps de la femme qui s’écrit ici en aquarelles dans des couleurs de chair et des roses liquides où la forme des muqueuses s’égare dans des rêveries peuplées de brume ou de papillons dans des contes parfumés à l’eau de rose ou aux fleurs du mal.

A la fluidité du corps, Agnès Vitani oppose sa perte et sa dissémination. Matières ingrates, traces de membres, gants et chaussures, jonchent l’espace comme les enveloppes vides d’une mémoire éteinte. Et pourtant résonne ici comme un rire lointain qui se joue de la contamination qui s’empare des œuvres elles-mêmes. Entre elles, le désordre impose sa loi, le bricolage répond à la perfection artisane, les formes tourmentées hors de toute harmonie vomissent toute tentation de beauté. Voici le règne du déséquilibre et de la récupération, le vertige de la liberté quand les dernières traces du réel s’abandonnent au bord des routes, sur les friches et les mauvaises herbes.

Parfois presque abstraites par leur puissance suggestive, les œuvres de ces deux artistes interprètent une joyeuse cacophonie aux doux accents d’irrévérence. Toutes deux se complaisent dans des collisions fortuites de sens et de choses à l’instar des surréalistes, sans d’autre souci que de vouloir briser les chaînes qui nous arriment au stéréotypes du quotidien. Entre les lèvres et la vulve des femmes, des arbres poussent. Sur des godasses abandonnées, rêvons le parfum des fleurs. Çà s’appelle de l’art.

                                                                        Agnès Vitani

L’été de l’Espace d’Art Concret, Mouans-Sartoux

 

Expositions «Impact», «Cécile Bart & Ode Bertrand», «Time Removing» de Jean-Pierre Bertrand.

Ce ne sont pas moins de trois expositions qui ponctueront la saison estivale de l’E.A.C. Preuve de dynamisme, d’ouverture au monde et à un large public, celles-ci s’attachent à faire vivre la collection en phase avec les artistes d’aujourd’hui et les enjeux sociétaux de notre temps. Au centre de son activité, les questions environnementales sont ici abordées sous le prisme de l’art et de la science mais ne s’interdisent ni humour ni poésie comme le suggère le titre d’une œuvre de Marc Chevalier, «La fleur qui plaisait tant à mon cœur désolé». Paille et brindilles éclosent ici en une armature harnachée de scotch et l’ensemble de ce parcours, «Impact», relève de ces pratiques déroutantes par lesquelles chaque artiste donne un sens formel à sa relation avec la nature. Installations, vidéos et pièces sonores sont autant de dispositifs pour un croisement de méditations ou de cris autour de nos inquiétudes environnementales.

C’est aussi de nature qu’il s’agit dans l’œuvre de Jean-Pierre Bertrand. Dans cette exposition, «Time removing», l’artiste, disparu en 2016, propose une approche arithmétique du temps et de la nature dans leur relation au corps et à l’espace. D’essence conceptuelle, les pièces présentées en différents médiums, témoignent pourtant d’une rare puissance poétique et d’un langage plastique très personnel. Un forme de cérémonial se crée autour de citrons, les formes résonnent entre elles et l’artiste convoque même le miel dans un jeu de séries qui envoûtent le visiteur. «Je ne sais pas ce que l’art d’aujourd’hui pressent et tâtonne» disait-il mais il ajoutait, «Peut-être une filiation avec le réel tel qu’il rôde autour de nous.»

Dans un dialogue avec la collection Albers-Honneger, Cécile Bart et Ode Bertrand croisent leurs regards et proposent une lecture sensible des œuvres par des gestes et attitudes fortement contrastées. L’abstraction géométrique d’Ode Bertrand se rapproche de celle de sa tante, Aurélie Nemours, mais elle se distingue par ses effets d’effacement ou d’apparition quand le regardeur se déplace et que formes et couleurs se dévoilent peu à peu. Le lieu d’intervention et le contexte sont au cœur de la pratique de Cécile Bart et la légèreté aérienne associée à des teintes éthérés confère à ses œuvres un véritable bonheur. L’artiste sait sans cesse se renouveler et dans une grammaire minimale, parvient toujours à nous étonner, à nous émouvoir et illuminer l’espace alentour. Fils de laine ou de coton, voiles et tergal imprégnés de couleurs diffusent leur rayonnement ou filtrent la lumière. Preuve est faite que l’abstraction géométrique peut conduire à l’émerveillement!

«Genèse d’une collection»

Centre d’Art La Falaise, Cotignac

Jusqu’au 21 octobre 2023

Une collection parle toujours autant de ceux qui la réalisent que des œuvres qu’elle contient car, parmi toutes les voix qui s’expriment en elle, perdure la quête de cet idéal impossible qui n'approche que par une multiplicité d’artistes animés d’une réflexion commune et d’une opiniâtre volonté d’extraire de nouvelles perspectives pour la création. Depuis la naissance de ce Centre d’Art, il y a 8 ans, cette collection s’est assemblée sans fil directeur apparent mais toujours à travers une sélection d’artistes porteurs d’un style très personnel et d’une forte exigence dans la perfection technique. Si dans la peinture cette «genèse d’une collection » explore l’abstraction avec des artistes tels que Marc Tigrane ou Solange Triger, c’est toujours le rapport à la matière qui s’impose comme prélude à l’émergence d’une figure. Ce trouble de l’interstice et de l’incertitude agit sur une vaste toile de Jean-Marc Cartereau, «Les âmes de la Provence noire», où le rocher de Cotignac jaillit comme dans un flou photographique à travers sa toute puissance frontale.

L’ancrage dans la peinture est d’ailleurs sensible dans cette collection avec les paysages silencieux de Jean Arène ou les visages nocturnes de Gilbert Pastor. Dans toutes ses gammes, elle décline les recherches d’artistes nés le plus souvent au milieu du siècle dernier, par exemple dans l’expressionnisme des corps de Stéphane Lovighi, mais aussi dans une poésie proche du naïf ou des arts singuliers avec les assemblages hétéroclites d’Armand Avril.

Ce sont pourtant tous les domaines de l’art qui sont ici convoqués. Les photographies de Vincent Citot, entre déserts ou ruines, traduisent l’angoisse d’une solitude et l’humain les traverse dans l’inquiétude de leur étrangeté. Ailleurs, c’est par le biais de la sculpture qu’objets et matières s’interposent ou cherchent leur identité, entre nature et antiquité avec Christophe Nancey, bois et pierre pour Nicolas Valabrègue. Par le dessin et le tragique du noir et blanc, Gérard Eppelé excelle dans un récit où l’homme se confronte à l’ailleurs, à la violence, à l’angoisse… Au contraire, une robe d’apparat de Louis Féraud, «Les sirènes» est une promesse de rêve et de bonheur. Voici donc un parcours riche en couleurs et en propositions pour une trentaine d’artistes connus, oubliés ou à découvrir. Cotignac est un superbe village et ce centre d’art lui apporte ce surplus de magie: un voyage dans les mystères de la création.