mercredi 3 mars 2021

Shimabuku, "La sirène de 165 mètres et autres histoires"

 

Nouveau Musée National de Monaco- Villa Paloma

Jusqu'au 3 octobre 2021





La sociologie se serait-elle emparée de l'art ou bien celui-ci s'est-il renouvelé par la prise en compte de la dimension sociale qu'il implique ? « L'art est un état de rencontre », écrivait Nicolas Bourriaud et l'esthétique relationnelle qu'il revendiquait est particulièrement sensible dans cette exposition de l’œuvre de Shimabuku. L'artiste japonais né en 1969, excelle au partage par l'atomisation de la notion d'artiste, par l'intervention du public dans le processus créatif comme, par exemple, lorsque des élèves de CM2 s'intègrent à l'élaboration de l’œuvre en produisant « un musée de la sirène » dans une salle de la Villa Paloma. Ou bien lorsqu’il y associe quantité d'acteurs, artisans ou pêcheurs avec le déploiement de tous les médiums en passant par l'écriture ou la performance. Il s'éloigne néanmoins d'un schéma sociologique trop aride en érigeant la fiction, le conte et la poésie comme lieu d'interaction entre lui et le public.

Au début donc, un voyage à partir de l'histoire d'une sirène de 165 mètres de long et Shimabuku écrit : « Au cours de ce voyage, j'ai demandé à différentes personnes de réaliser un objet relatif à la sirène, pour développer et enrichir son histoire ». Le fil du récit se dévide alors entre gravité et humour là où l'humain se confronte à toutes les formes du vivant et de l'imaginaire Il s'ouvre à d'innombrables  digressions si bien qu'on y rencontrera  une pieuvre et un pigeon, une fleur sur la mer, des étoiles et des pommes de terre. On y croisera des vestiges du réel quand il prélève des fragments architecturaux et végétaux d'une ancienne villa de Monaco. On pense alors, en se déplaçant d'une œuvre à l'autre, que l’humanité déborde du règne de l'humain pour se charger de tout ce monde invisible qui s'imprègne de nos espoirs, de nos rêves et de toutes ces petites choses du quotidien  dans lesquelles l'individu se fond. Pour Shimabuku, l'art est ce moyen de réintroduire une harmonie entre l'homme et l'univers, les lois, le hasard, la contingence... Dans un film numérique « Eriger », avec d'autres intervenants, il place les choses couchées sur une plage, débris d'arbres et pierres, à la verticale. Et il écrit : « Alors peut-être quelque chose en nos cœurs se redressera »

. Sans doute l'art se propose-t-il ici de donner forme au-delà de toute identité. Et de se définir comme expérimentation plutôt que comme processus productif. Mais surtout il révèle en nous des potentialités nouvelles et si le « je » de l'artiste est le fil conducteur de cette belle errance, il se dissout dans l'énergie collective, la voix informelle de la vie. Commissaire d'exposition, artiste et public, tout est relié et Shimabuku nous montre avec humilité qu'il n'y a que ce lien dans la chaîne du vivant.



jeudi 25 février 2021

La force du détail

 


Salle d'exposition du Quai Antoine 1er, Monaco

Jusqu'au 28 février 2021

                                             Dorian Teti

On connaît cette formule attribuée à Nietzsche, « Le diable se trouve dans le détail » et son corollaire avec Warburg, « Dieu est dans le détail » pour dire que l’œuvre d'art ne peut se comprendre que dans le contexte qui l'a vu naître. La phrase spéculative de l'un ou de l'autre permet cependant le passage d'un concept à son contraire si bien que force est de constater que « la force du détail » - puisque tel est le titre de l'exposition proposée par Stéfania Angelini et l'AIAP de Monaco - s'impose dans la perception et la compréhension d'une œuvre.

Mais que ce soit Dieu ou Diable, c'est bien alors l'idée de perfection qui s'opposera au grain de sable qui pourrait gripper la machine. La production artistique ne peut faire l'impasse sur cette polarité et le mérite de cette exposition est de présenter 14 artistes qui, dans des pratiques et des médiums très divers, nous proposent une réflexion subtile sur les fluctuations contradictoires de l'ensemble et de ses multiples composants, sur le trouble de la figuration et de l'abstraction ainsi qu'une forme de méditation sur la fragilité quand une simple poussière pourrait abattre la composition la plus élaborée.

Le détail est la pierre angulaire de l’œuvre mais que la clé de voûte vienne à se fissurer et alors tout s'effondre. Les œuvres convoquées ici déclinent ces interactions, ces présences qui ne résonnent que dans la figure invisible de l'absence. Toute une poétique se construit entre les matières convoquées et ce qu'elles expriment de contraire à ce qu'elles devraient susciter. Chez Tom Giampieri la terre tout à la fois s'oppose et se confond à l'encre. Les installations de porcelaine colorée d' Olivia Barisano détournent la fonction du matériau amputé de son usage, fragmenté, et chaque pièce devient le détail d'un ensemble introuvable. Les sculptures aériennes comme des fils entrelacés de Mona Laure Millet répondent à ses dessins sur fond de plans architecturaux. Partout la synecdoque dit l'ensemble mais en même temps le met en déroute. Pour Frédérique Nalbandian, ce sera l’imbrication du savon et de la mousse, avec l'huile de lin et les pigments ou pour Eve Pietruschi, la délicatesse de l'inscription sensible sur le cuivre. Chaque artiste propose sa propre partition dans une orchestration sans fausse note aucune. La mise en scène suscite une circulation rêveuse, entre souffle et légèreté. Les œuvres nous parlent du monde. Elles n'en sont qu'un détail mais elles nous en traduisent pourtant l’essentiel.

Œuvres de Tom Barbagli , Olivia Barisano, Arnaud Biais, Tom Giamperi, Eve Pietruschi, Roberto Mangu Quesada, Delphine Mogarra, Adeline de Monseignat, Mona Laure Millet, Frédérique Nalbandian, Emmanuel Régent, Justin Sanchez, Dorian Teti, Florent Testa.




dimanche 21 février 2021

Arnaud Maguet, "Exposer ce qu'on ne veut pas voir"

 




Espace à vendre, jusqu'au 17 avril 2021


Les objets meurent aussi. A moins qu'ils ne sombrent dans l'oubli, que leur fonction disparaisse par le jeu d'une obsolescence non programmée ou par la lassitude de celui qui les possédait. Et les objets n'ont pas d'âme, ils ne portent que le poids de leur seule existence aliénée aux caprices et aux désirs de celui qui les possède. Rares sont ceux qui viennent hanter notre imaginaire à l'instar d'un corps ou d'un paysage et si l'artiste s'en saisit, ce n'est que pour en éprouver les contours, figurer une esthétique, envisager une mise en scène. Tel n'est pas le propos d'Arnaud Maguet qui, paradoxalement, donne à voir « ce qu'on ne veut plus voir ». L'enjeu est bien, dans ce qui se veut une écologie personnelle, de doter l'objet d'une autre vie par le biais de l'absurde, de déclarer « ceci n'est pas une pipe » car l'objet est ici dépouillé de toute identité, il n'est que l'instant d'un flux, une épave dans le circuit de la consommation.

Les assemblages facétieux d'Arnaud Maguet mêlent matières et lumières dans le cimetière des souvenirs. Désaccord parfait d'une relique technologique, d'un design démodé ou d'une paire de chaussures. Une chaise, une valise, une photo et une autre vie commence mais cette fois-ci dans la cruauté de l'apparence, dans l'exhibition de l'absurdité qui présida à l'accumulation pathétique des choses. L'artiste, comme en écho aux natures mortes d'autrefois et des vanités, désigne les choses mais sans métaphore aucune. Leur présence ne s'attache à aucun récit. L'allégorie n'est pas de mise. Le titre se substitue à l’œuvre, les mots s'emparent des choses.

« Objets inanimés, avez-vous donc une âme » écrivait Lamartine en ajoutant « qui s'attache à notre âme et la force d'aimer ? ». Loin de tout romantisme, les choses d'Arnaud Maguet seraient plutôt celles de Pérec, celles qui parlent de notre temps, de notre monde, celles amputées de toute finalité. Les choses peuvent être d'une terrifiante neutralité et, si elles encombrent notre mémoire, c'est peut-être pour énoncer les décombres dont elles sont la trace. Dans « ce qu'on ne veut plus voir » mais que l'on voit quand même, il y a ce grand jeu de la dérision, l'ombre du porte-bouteille de Duchamp et cette revendication rieuse que la sculpture n'est rien d'autre qu'un objet ou cet assemblage de choses.

Arnaud Maguet présente également des œuvres d'artistes invités ; FOLDE (Front de Libération Des Esthétiques), Karim Ghelloussi, Olivier Milagou, Pierre la Police, Isabelle Rey, Julien Tibéri.

dimanche 7 février 2021

Projet NOMADE de Charlotte Pringuey-Cessac

Galerie Eva Vautier, Nice

A partir du 30 janvier 2021




Le mot n'est pas la chose, le réel se soustrait à sa représentation de même que « la carte n'est pas le territoire » ainsi que le proclamait Alfred Korzylski. Et si l'art n'est pas la vie, la carte peut-elle au moins définir les tracés de ces errances auxquelles les artistes s'adonnent autour du projet NOMADE de Charlotte Pringuey-Cessac. Celui-ci est exemplaire d'une démarche qui privilégie l'itinérance, l'expérimentation et le partage à la simple réalisation de l’œuvre, de son achèvement et de la sacralisation qui en résulte. Elle s'élabore au fil d'un long processus où temps et espace s'entremêlent, dans l'incertitude des rencontres, au hasard du quotidien, si bien que plutôt que de s’amarrer à une résidence dans l'Espace d'Art METAXU à Toulon, l'artiste préféra une résidence nomade qui l'entraîna durant un mois dans un tour de France à bord de sa voiture où elle glissa dans l'étagère au-dessus de sa boite à gants des mouchoirs en porcelaine. L'enjeu consista alors à les échanger d'un lieu à l'autre avec 18 autres artistes pour des œuvres qui tiendraient dans un espace aussi réduit. Et comme Charlotte Pringuey-Cessac transportait à chaque fois de nouveaux passagers, ces œuvres devenaient l'objet d'une médiation, elles s’inséraient dans le flux d'une parole, dans la transformation du sens, dans une figuration de la fragilité et de l'éphémère.

L'infime se noue alors à l'intime tant tout projet résulte d'un cheminement personnel mais aussi d'un ensemencement pour une récolte incertaine et un partage. Le projet est aussi ce trajet. Et il impliquera dés lors un déplacement, un instant de qualité humaine dans la rencontre de l'autre et la solidarité. L’œuvre aboutie en est le témoignage et chaque artiste ajoute sa modeste pierre à cette œuvre commune. Quelle est la valeur d'usage de l'art ? Et si elle correspondait à une valeur d'échange autre que celle qui définit d'ordinaire nos rapports sociaux ? C'est aussi dans cette perspective que s'inscrivent les recherches de l'artiste quand elle se mesure à la polyphonie des autres créations, au dialogue et au jugement de ceux qui les approchent.

Souvent attachée à la notion de durabilité, l’œuvre exprime pourtant un état ponctuel du monde. Elle est un présent continu qui énonce des potentialités humaines et sociales. L'éphémère conditionne ses formes en devenir. Aussi pour l'ensemble des artistes convoqués, le temps avec les séquences qui l'imprègnent reflète-t-il cette itinérance. Ce sont alors les moments impensés du quotidien, la répétition, la banalité dans les travaux de Manon Rolland ou bien les cartes postales empruntes d'une méditation sur la mémoire avec Caroline Bouissou. Simone Simon quant à elle ravive l'intensité ou l'effacement des souvenirs par des enregistrements sonores tandis que Nicolas Daubanes déclare : « Mon travail s'inscrit dans la durée, il dessine un chemin, une trajectoire qui tend vers la recherche de la liberté. »

Le temps demeure la matière mystérieuse de cet ensemble d’œuvres toujours modestes mais résolument incrustées dans l'humain et la puissance émotionnelle. L'itinéraire est une chaîne fragmentée. Il renvoie des parcelles d'objets ou de mots comme les traces d'un passage dans la vie et chaque étape charrie l'humble instant d'un morceau d'existence qui se transforme en poésie. La traversée du temps est la quête de cet espace où se joue l'aventure de l'art.


Avec des œuvres de Charlotte Pringuet-Ceyssac, Simone Simon, Catherine Burki, Caroline Bouissou, Laura Giordanengo, Nicolas Daubanes, Florian De La Salle, Manon Rolland, Daniel Nadaud, Maelle Labussière, Albane Hupin, Vincent Chenu, Marco Godinho, Massimiliano Baldassari, Alban Morin, Gabrielle Conilh de Beyssac, Jules Guissard, Anne-Laure Wuillai, Olivia Barisano.

mercredi 27 janvier 2021

Exposition de Giangaetano Patané

 




nm<contemporary, Monaco

Du 22 janvier au 15 mars 2021



L’image du corps traverse l’œuvre de l'artiste italien Giangaetano Patané, né en 1968 à Rome. Pourtant, au fil du temps, cette image tend à se dissoudre pour faire surgir, au-delà de la figuration, cette parcelle plus secrète de l'humain, aux confins du visible, cette aura mystérieuse que l'artiste ne cesse d'explorer à travers le dessin, la sculpture ou la peinture.

Entre présence et absence, la matière de la figuration s'estompe peu à peu, les attitudes du corps se fondent dans un espace de méditation silencieuse pour laisser entrevoir ce que le regard seul ne saurait capturer. C'est ainsi que l'abstraction semble désormais absorber le souvenir de ce corps et de sa gestuelle. Dessiner, peindre ou sculpter convergent alors dans cette même action qui consiste à saisir l'insaisissable. Car Patané à l'instar des grands artistes italiens, parvient à donner forme au silence, à en extraire la sensualité et son intensité de sens. Les attitudes d'un corps, aussi banales soient-elles, recèlent ce mystère qu'on ne peut approcher qu'en en déchirant délicatement l'enveloppe. Alors il n'en subsiste que la charge émotionnelle du souvenir qui se matérialise en des formes inédites pour une page vide où s'écrirait une nouvelle histoire.

Patané est un véritable créateur. Il anticipe formes et récit avec délicatesse, il caresse le trouble et franchit avec une fière désinvolture les frontières de la figuration et de l'abstraction. Cette œuvre, il faut en saisir toute la subtilité, suivre les méandres qui nous mènent du détail le plus infime jusqu'au déploiement de cette lumière incertaine de laquelle jaillit la certitude d'une découverte. Ici l'art se conjugue au bonheur et, aujourd’hui plus que jamais, il est une nécessité.



lundi 16 novembre 2020

Slavs and Tatars, « Régions d'être »

 



Villa Arson, Nice

Jusqu'au 31 janvier 2021


Pour les voitures comme pour l'art, l’hybride est à la mode. Marcher à la fois sur un bras et sur une jambe, penser avec un hémisphère gauche et un pied seront, n'en doutons pas, l'objet de recherches et de doctes conférences. Pour faire de l'art, mixons de l'humour, de la science, de l'histoire, de la géographie, de la religion, du politique et de la linguistique. On laisse aussi fermenter des cornichons et le parcours initiatique s'ouvre alors sur un drolatique mur de corps-nichons. Et puis, peut-être des sculptures, des images, des plans, des notes, des mots, des assemblages pour un grand bazar que nous propose le collectif berlinois Slavs and Tatars.

Mais l'hybridation étant de mise, l'aspect visuel voire auditif de l'ensemble requiert par ailleurs livres et conférences qui nous éclaireront sur ce grand écart entre le mur de Berlin et la muraille de Chine, là où les anecdotes et la petite histoire se confrontent à la pérennité des mythes et des constructions culturelles. Muni d'un mode d'emploi et de sa boite à outils conceptuels, le visiteur s'amusera de son soudain génie à découvrir que la terre n'est pas plate, que le temps n'est pas simple et que l'art l'est encore moins. Avouons qu'on ne s'ennuie jamais, chaque pièce réservant sa propre pirouette formelle dans une installation labyrinthique où l’intelligence et le gag jouent d'un parfait désaccord. Slavs and Tatars nous invite « à regarder ailleurs, au-delà des frontières, des idéologies et des croyances. » Et il est vrai que dans ce parcours déroutant, tout se fissure et que l’œil est ballotté d'une œuvre à l'autre comme une boule de flipper se cognant à des points lumineux. On s'amuse, on s'étonne. Et l'on a envie de rejouer la partie !

dimanche 25 octobre 2020

Eric Duyckaerts : Funambule élémentaire



L'espace à vendre, Nice

Jusqu'au 4 décembre 2020


Dans le cadre de Manifesta 13


Disparu en 2019, l’artiste belge Eric Duyckaerts fut ce funambule qui marche sur le fil de la raison avec l'obsession du pas de travers, du pas de côté qu'il n'a cessé pourtant de pratiquer. De même fut il celui de « l'élémentaire », de l'essentiel, de la chose avant que l'idée ne l'absorbe. Comme en son temps le fit le poète Francis Ponge, il assura à l'objet le plus trivial la profondeur d'un sens que la pensée ne saurait seule lui accorder. Philosophe et juriste, il fut alors cet artiste qui traqua toutes les apories et les creux du langage là où l'absurdité se logeait au cœur même de la logique.

Lors de ses conférences performées, dans ses vidéos, ses installations et ses sérigraphies, par sa gestuelle, ses déplacements burlesques et une voix professorale, il évoquait cette « autre chose » conceptuellement réelle mais qui défiait pourtant l'ordre de la langue. Ainsi une main à six doigts devenait-elle le propos d'une recherche scientifique avec conférences, dessins lardés de remarques et d'hypothèses où le sérieux s'indifférenciait de l'absurde. Cette dualité est le fil de cette exposition quand l'artiste parle dans ses vidéos comme dans un miroir, quand sur de grands formats il oppose la monochromie à des caisses démembrées, quand, dans des sérigraphies pastellisées, il montre des entrelacs de nœuds en parfaite symétrie, dans une logique apparente et pourtant de l'ordre de l'impossible.

Eric Duyckaerts est un saltimbanque de l'art et de la philosophie. Tour à tour Buster Keaton et scientifique fou, il joint le geste à la parole mais quand il parasite la chaîne discursive du langage, on ne saura jamais où se trouve la faille du raisonnement, le virus lexical qui s'est emparé de son logiciel. L'image demeure pourtant le constat à la fois tragique et burlesque de cette expérience. Il faut se soumettre à cet art là : on y pense l'interaction de nos doutes et de nos certitudes, l'ennui des choses vues et des poncifs contre cette autre monde, cette autre pensée tapie en nous-mêmes. L’œuvre d'Eric Duyckaerts est somme toute très flaubertienne par son humour sarcastique contre les idées reçues mais il y a aussi du Alfred Jarry et tous les autres qui nous rappellent en littérature comme en art que, dans la lourde machinerie sociale, le grain de sable du rire est le meilleur antidote contre la bêtise.




 

samedi 24 octobre 2020

Pietro Ruffo, « La politique des étoiles »

 


NM Contemporary, Monaco

Jusqu'au 24 novembre 2020


De l'infiniment grand à l'infiniment petit, la perception comme la conception du monde résultent toujours d'une exploration. Tout artiste est un voyageur errant parmi les formes mouvantes de l'univers et du vivant. Que deviennent alors les frontières mentales ou géographiques quand il s'agit pour lui de se mesurer à l'humain qui les conçoit et dont le projet politique est de leur donner sens et forme ? L'artiste italien, Piero Ruffo, nous invite à un voyage passionnant dans cet univers, entre espace, temps et mythologie, pour explorer cette capillarité entre le visible, l'imprégnation culturelle et l'imaginaire.

Un tel parcours impose grandeur et humilité et, pour le représenter, il faut recourir à une œuvre multiple - assemblages, dessins et lacérations - qui puisse dire l'homme dans sa solitude comme dans son universalité. C'est à dire dans sa fusion avec l'autre, l'animal, le végétal et la danse des constellations. Piero Ruffo manie le dessin avec minutie. Le temps se regarde alors, il s'organise ou se décompose dans la durée des gestes méticuleux qui s'exercent dans la découpe des signes astraux, des animaux ou des humains se déployant à travers les strates de l'histoire comme signes annonciateurs de nos lendemains. L'artiste utilise des archétypes pour parler l'universel. Les œuvres présentées multiplient les supports, papier millimétré, tapisserie ou couvertures de survie. Les frontières se dissolvent alors pour un chant cosmique où l'homme se désigne dans sa fragilité comme dans sa toute puissance.

Tout n'est qu'histoire de déplacement et de migrations. Celles des espèces ou des hommes pour mettre en péril le concept même de reproduction et de mimétisme. Quand tout n'est que passage et transformation qu'en est-il de nos moyens d'agir, de penser le social et le politique ? L'artiste parvient à capter avec virtuosité cette fusion de l'ombre et de la lumière, de la ligne ou de la figure avec l'indicible. La volonté se mesure à l'aune de l'incertitude. La cartographie devient ici un repère constant pour ce constat sur un monde déboussolé. Piero Ruffo dessine des perspectives, il suggère des traces, il creuse littéralement le fond et la forme. La poésie réside dans la gestation des figures comme un impossible. La politique est bien une vision d'avenir quand elle se raccroche aux étoiles.


lundi 19 octobre 2020

Ana Maria Hernando, La Napoule Art Foundation 

 



La Napoule Art Foundation ,

 Mandelieu La Napoule


D'origine argentine, Ana Maria Hernando s'est installée en 1986 au Colorado sans pour autant renier les cultures de l'Amérique latine, particulièrement en relation avec l'artisanat et le travail traditionnel des femmes dans  le tissage, le maniement des étoffes et le chatoiement des couleurs. Pourtant cette relation si intime avec les rites du quotidien ne s'exprime dans l’œuvre de l'artiste que par le biais de la nature qui, toujours, la traverse de façon allusive et sensuelle. C'est ainsi que dans le château et ses jardins, se déploient des installations entre nuages, vagues et fleurs qui s'offrent pourtant comme de vastes décors où se déclinent la légèreté des tulles et la douceur des teintes malgré la force monumentale de ces compositions.

Séduisante, l’œuvre reste pourtant ambiguë; elle distille une étrange inquiétude pour ce qu'elle diffuse de rêve, de beauté ou de douceur. Elle impose l'idée d' un dévoilement, comme une incitation à extraire du regard nos conventions et de déjouer les pièges du visible. Ces installations complexes, tout en nœuds et en coulées de textiles aux teintes artificielles, évoquent la nature tout en la niant et l'artiste parvient ainsi à construire une dramaturgie subtile dans une poésie toute en nuances et dans un clair obscur où la violence de la couleur s'éteint pour célébrer le silence des ombres. L’œuvre d'Ana Maria Hernando se développe dans une brume colorée, dans la légèreté des transparences mais ne se départit pourtant jamais de l'écho spectral qui résonne douloureusement dans cette vaste symphonie baroque qu'elle parvient à créer. La puissance émotionnelle de ses installations fragiles d’étoffes et de gazes avec ces agencements de pétales fanés se diffuse dans l'architecture du lieu comme si l'artiste avait voulu en déchirer l'enveloppe. En résidence dans le château, elle a contrarié l'aspect fortement minéral de celui-ci tout en développant les effluves de son style néo-médiéval. Parfum romantique ou fleurs du mal vénéneuses, on ne sait ce qui s'empare de nous quand nous voguons ainsi dans ces plis qui se heurtent à la pierre. Qu'importe pour peu qu'on s’abandonne aux appels invisibles de la poésie.






lundi 12 octobre 2020

LES AMAZONES DU POP

 

                                                                              Evelyne Axell


she-bam pow pop wizz

MAMAC, Nice

Jusqu'au 28 mars 2021


Quoi de plus percutant que ce « sham-bam pox pop wiz » emprunté à Gainsbourg et chanté par Brigitte Bardot pour mettre en lumière et en images ces Amazones du Pop Art que célèbre le MAMAC pour son 30e anniversaire ? Et ce sont bien des flashs lumineux et des couleurs arc en ciel qui rythment les œuvres de la trentaine d'artistes femmes souvent ignorées dans l'histoire de cette folle énergie des sixties. C'est justement Brigitte Bardot qui inaugure ce parcours suivi de Jane Fonda, la première s'illustrant plus tard par la défense de la cause animale tandis que la seconde s'engagera pour la défense des minorités. Car les années 60 sont celles du rythme, des utopies politiques et d'une volonté de libération. Et avec les artistes du pop on a célébré le « meilleur des mondes », celui du consumérisme, de la publicité, du spectacle à outrance tandis que parallèlement ceux du Nouveau réalisme s’attaquaient avec colère aux déchets de cette société. Les paradis aux belles découpes colorées des artistes pop ne préfigurent-t-il pas la fiction d'Aldous Huxley ? Et le désir féminin qui s'affiche parfois ici peut-il s'accorder au désir du Coca cola ?

L'exposition est passionnante en ce qu'elle dit de ce mouvement artistique quand la seule parole masculine était audible et nous découvrons pourtant nombre d'artistes femmes qui, telles quelles, s'engagèrent dans un discours sur la féminité.

En 1957, le peintre Motherwell refusa que Idelle Weber participât à ses cours au prétexte que, désirant enfants et mari, elle ne pourrait devenir artiste. Malheureusement absente de cette exposition, celle-ci devint pourtant, avec ses silhouettes sombres, son esthétique plate et sa représentation des codifications sociales dans le monde du travail, l'une des représentantes les plus originales de cette mouvance. Cependant les principales artistes du pop art sont ici présentes avec leur authentique virulence et le parcours, très diversifié, s'organise autour des thématiques issues des mass média, les comics, la science fiction, l’érotisme avec Evelyne Axell ou Dorothy Iannone, les héros de pacotille ou les servitudes quotidienne chez Martha Rosler. Quelques artistes, plus en marge du pop art comme Lourdes Castro, Louise Nevelson, Judy Chicago ou Niki de Saint-Phalle nous permettent de mieux comprendre l’ambiguïté d'un moment artistique où, par surcharge du décoratif, on célébra parfois ce que l'on dénonçait. Elles permettent aussi de faire le lien avec le courant du Nouveau Réalisme. Le point de vue féminin apporte ici sans nulle doute un engagement plus direct et permet de mieux comprendre l'aventure du pop art. Espérons que l'exposition permettra à certaines artistes d'accéder enfin au fameux moment de célébrité  promis par Andy Wahrol !